Género de odas: características, historia de las odas rusas y extranjeras. Oh sí

Informe 7mo grado.

La oda es un género de poesía lírica; Obra solemne, patética y glorificante. En la literatura hay odas laudatorias, festivas y lamentables. Por su naturaleza, las odas de Lomonosov son obras destinadas a ser dichas en voz alta. Las odas solemnes fueron creadas con la intención de ser leídas en voz alta frente al destinatario; el texto poético de una oda solemne está diseñado para ser un discurso sonoro percibido de oído. La oda planteaba un tema específico: un incidente histórico o un acontecimiento de escala nacional. Lomonosov comenzó a escribir odas ceremoniales en 1739, y su primera oda está dedicada a la victoria de las armas rusas: la captura de la fortaleza turca de Khotyn. En 1764, Lomonosov escribió su última oda. Durante todo el período creativo, creó 20 ejemplos de este género, uno por año, y estas odas están dedicadas a eventos tan importantes como el nacimiento o matrimonio del heredero al trono, la coronación de un nuevo monarca, el cumpleaños o el ascenso al trono. al trono de la emperatriz. La escala misma de la “ocasión” ódica proporciona a la oda solemne el estatus de un evento cultural importante, una especie de culminación cultural en la vida espiritual nacional.

La oda se caracteriza por una estricta lógica de presentación. La composición de la oda solemne también está determinada por las leyes de la retórica: cada texto ódico invariablemente comienza y termina con llamamientos al destinatario. El texto de la oda solemne está construido como un sistema de preguntas y respuestas retóricas, cuya alternancia se debe a dos escenarios operativos paralelos: cada fragmento individual de la oda está diseñado para tener el máximo impacto estético en el oyente - y por tanto en el El lenguaje de la oda está saturado de tropos y figuras retóricas. Composicionalmente, la oda consta de tres partes:

Parte 1: deleite poético, elogio al destinatario, descripción de sus servicios a la Patria;

Parte 2: glorificación de los éxitos pasados ​​​​del país y sus gobernantes; un himno a los éxitos educativos modernos del país;

Parte 3: glorificación del monarca por sus actos en beneficio de Rusia.

Todas las odas solemnes de Lomonosov están escritas en tetrámetro yámbico. Un ejemplo de oda solemne es "Oda en el día de la ascensión al trono de toda Rusia de Su Majestad la Emperatriz Isabel Petrovna 1747". El género de las odas permitió a Lomonosov combinar letras y periodismo en un solo texto poético y hablar sobre cuestiones de importancia civil y social. El poeta admira los innumerables recursos naturales del estado ruso:

Donde, en el lujo de las frescas sombras En el pasto de los abetos al galope, el grito atrapante no se dispersó; El cazador no apuntó su arco a ninguna parte; El granjero no asustó a los pájaros cantores con su hacha.

La abundancia de recursos naturales es la clave para el desarrollo exitoso del pueblo ruso. Los temas centrales de la oda son el tema del trabajo y el tema de la ciencia. El poeta hace un llamamiento a las generaciones más jóvenes para que se dediquen al servicio de la ciencia:

Atrévete ahora, alentado por tu celo, a demostrar que la tierra rusa puede dar a luz a sus propios Platón y a sus ingeniosos Newton.

Lomonosov escribe sobre los beneficios de la ciencia para todas las edades. La oda crea una imagen ideal de un gobernante que se preocupa por el pueblo, la difusión de la educación y la mejora del desarrollo económico y espiritual. La gran "calma" de la oda se crea mediante el uso de antiguos eslavos, exclamaciones y preguntas retóricas y mitología antigua.

Si en una oda solemne Lomonosov reemplaza muy a menudo el pronombre personal del autor "yo" por su forma plural - "nosotros", entonces esto no indica la impersonalidad de la imagen del autor en la oda, sino que para una oda solemne solo una faceta de La personalidad del autor es significativa, es decir, aquella en la que no se diferencia de todas las demás personas, sino que se acerca a ellas. En una oda solemne, lo importante no es la manifestación individual-privada, sino nacional-social de la personalidad del autor, y en este sentido, la voz de Lomonosov en la oda solemne es en el sentido pleno la voz de la nación, el colectivo. Ruso.

Otra cosa es la oda espiritual y anacreóntica, que en la herencia poética de Lomonosov no ocupa un lugar tan significativo como la oda solemne, pero sí un lugar muy importante. Las odas espirituales y anacreónticas se combinan en Lomonosov y expresan la emoción personal del autor, que se refleja en la productividad del pronombre personal del autor. En estos textos, el "yo" de Lomonosov se convierte en una encarnación lírica completa de la emoción individual del autor. Sólo las emociones líricas mismas, que determinan el contenido de género de la oda espiritual y anacreóntica, son diferentes. Si utilizamos terminología clásica, una oda espiritual es una forma de expresión de una elevada pasión lírica. En cuanto a la oda anacreóntica, se trata de una forma de expresión de una pasión lírica privada y cotidiana.

En el siglo XVIII, las odas espirituales se denominaban transcripciones poéticas de salmos, textos líricos de carácter orante que componen uno de los libros de la Biblia: el Salterio. Para el lector ruso del siglo XVIII, el Salterio era un libro especial: cualquier persona alfabetizada conocía el Salterio de memoria, porque les enseñaban a leer los textos de este libro. Por lo tanto, las transcripciones de salmos (en realidad, una traducción poética rusa de textos del antiguo eslavo eclesiástico) como género lírico eran muy populares. Todas las odas espirituales de Lomonósov fueron escritas entre 1743 y 1751. Este es el momento en que Lomonósov tuvo que establecerse y hacer valer sus opiniones científicas en la Academia de Ciencias de San Petersburgo, donde la mayoría de los puestos científicos y administrativos estaban ocupados por científicos de países europeos, principalmente alemanes. El proceso de autoafirmación de Lomonósov en la ciencia no fue nada sencillo. Por tanto, en las odas espirituales suena el patetismo de la autoafirmación. Por ejemplo, en las transcripciones de los Salmos 26 y 143:

Con ira, devora mi carne

Disgustados, se apresuraron;

Pero es un mal consejo incluso empezar,

Al caer, quedaron aplastados.

Incluso si un regimiento se levanta contra mí:

Pero no estoy horrorizado.

Que los enemigos planteen una batalla:

Confío en Dios (186).

Fui abrazado por un pueblo extraño,

Estoy en lo profundo del abismo,

Extiende tu mano desde el firmamento,

Sálvame de muchas aguas.

La lengua de los enemigos habla mentiras,

Su diestra es fuerte en enemistad,

Los labios están llenos de vanidad;

Esconden una mazorca maligna en el corazón (197-198).

Preguntas sobre el informe:

1) ¿Cuáles son las características del género de las odas?

2) ¿Qué tipos de oda puedes nombrar?

3) Enumerar las partes principales de una oda tradicional. ¿Sobre qué deberías escribir en cada parte?

4) Nombra la oda más famosa a M.V. Lomonósov.

5) ¿Escribió M.V. ¿Odas espirituales de Lomonosov? ¿Sobre qué son?

Todos hemos oído hablar de un género literario como la oda. ¿Así que qué es lo? ¿Cuál es la historia de este género? ¿Quién es considerado el fundador de oda? ¿Qué es la teoría del género? Todas estas preguntas pueden responderse en este artículo.

Definición de "oda"

Una oda es una canción antigua sobre cualquier tema que era cantada en la antigua Grecia por un coro con acompañamiento musical. Posteriormente, esto comenzó a denominarse verso laudatorio dedicado a la glorificación de importantes hechos históricos o personajes destacados. A veces, la oda glorifica los majestuosos fenómenos naturales. El estilo de tales obras es especialmente solemne; está sostenido en un espíritu sublime con elementos de patetismo.

Traducido del griego antiguo ώδή (oide), oda es una canción. Los hubo elogiosos, danzantes y lamentables.

V. Dombrovsky, por ejemplo, definió el concepto de la siguiente manera: “Palabra " "oda" es lo mismo que nuestra "canción" en griego. Pero no toda canción es una oda; se suele dar este nombre a una canción en la que un poeta, tocado por algo elevado, inusual y digno de sorpresa, presenta un objeto con el que Se asocian valores humanos universales, intereses nacionales o públicos, expresa sus sentimientos con una palabra ardiente, utilizando todos los medios de pintoresquismo, expresión y melodía”.

Signos de una oda

Una característica destacada de una oda es el buen humor, un vuelo de fantasía audaz e incontrolable, un ardiente sentimiento de inspiración y una forma poética de expresión adaptada a esto. El canto de alabanza toma sus temas de glorificación y exaltación de la esfera de los elevados ideales, impulsos, deseos y competencias del hombre. La voluntad, el avance de la humanidad, el amor por la tierra natal, la lucha por la implementación en la vida de los altos gritos de libertad, verdad y hermandad, intenciones y competencias ideales, hazañas y hazañas heroicas, el poder invencible de la canción: todo esto puede dar lugar a una elevación del espíritu. Y todo esto puede glorificarse en una oda.

Historia

La oda es un género literario cuyo fundador fue el antiguo poeta griego Píndaro (siglo IV a. C.), autor de varias canciones de alabanza en honor a los dioses, las victorias griegas en las guerras y en los Juegos Olímpicos. Sus poemas laudatorios tenían una forma y composición métrica estricta (estrofa - antistrofa - epod). El letrista romano Horacio, que vivió en el siglo IV a. C., compuso odas en honor a Venus, Baco y también al emperador Augusto Octaviano. Durante el Renacimiento, el compositor de odas más famoso fue el francés P. Ronsard (mediados del siglo XVI). Sus odas cantaban sobre la naturaleza, que traía alegría y paz a la gente (“Al arroyo Bellera”). Algunas de las odas de Ronsard fueron escritas en honor al amor. Esta es una oda a una mujer (“Mi amiga, me llevó a vivir más cómodamente”).

Teoría del género de la oda.

La oda es un género que se desarrolló junto con obras panegíricas, principalmente himnos y ditirambos. Estas obras debían ir acompañadas de instrumentos musicales (arpa, arpa, etc.) y baile.

La oda adquirió la estructura de género canónica de la obra, en la que dominan claramente los motivos cívicos, en la obra de Malherbe, uno de los fundadores del clasicismo francés. Las Odas de Malherbe (principios del siglo XVII) defendieron la inviolabilidad de los principios del Estado absolutista, elogiando al monarca y sus familiares, altos dignatarios y generales.

El canto de alabanza recibió su justificación teórica en el tratado poético “Arte poético” de N. Boileau. Junto con la tragedia, la oda es un género literario que se consideraba elevado. N. Boileau formuló reglas para escribir odas relativas al lenguaje, la métrica y la tonalidad poética general. Composicionalmente, el canto de alabanza comienza con un coro, seguido de una presentación de “materia noble e importante”, que incluye varios episodios, digresiones y el llamado desorden lírico (“salto” del poeta de un motivo a otro). , y la oda termina con un final. Según N. Boileau, la oda logró conmover la imaginación del lector con su solemnidad estatal.

Los odógrafos destacados en la literatura del siglo XVIII fueron M. J. Chenier, Lebrun-Pindar (Francia), Klopstock, Schiller (Alemania), Lomonosov, Kantemir, Trediakovsky (Rusia). Este último introdujo el término "oda" en la poesía rusa. En la era del romanticismo, las canciones de alabanza ocuparon un lugar importante en las obras de Byron ("Oda a los autores del proyecto de ley contra los destructores de máquinas herramienta"), Shelley y Kuchelbecker.

En la literatura del siglo XX, la oda es extremadamente rara. Como ejemplos, vale la pena recordar la "Oda a la biblioteca" de S. Kryzhanovsky, su ciclo "Odas" ("Oda en honor al árbol", "Oda al hombre", "Oda a la velocidad"), "Oda a la Lenguaje humano” de I. Muratov, “Oda a la Revolución” "V. Mayakovsky, "Oda a la conciencia" de I. Drach.

Una cortina

De los cuentos y la teoría de género

Oda es uno de los principales géneros del clasicismo. Surgió en la literatura antigua y en aquella época era una canción con un amplio contenido lírico: podía glorificar las hazañas de los héroes, pero también podía hablar de amor o ser una canción alegre para beber.

La actitud hacia una oda como canción en un sentido amplio se conservó en el clasicismo francés. En la teoría rusa del clasicismo, el concepto de "oda" tiene un significado más específico y limitado. Sumarokov, Trediakovsky y, después de ellos, Derzhavin, cuando hablan de oda, se refieren a un poema lírico que glorifica a los héroes. En la poesía griega, la oda estuvo representada por Píndaro, en el clasicismo francés por Malherbe y en la literatura rusa por Lomonosov.

Afirman la oda como un género de lirismo heroico y civil, con el obligatorio contenido "elevado" y un estilo de expresión solemne y "elevado". Distinguen la canción en sí de la oda como un género de alto lirismo. Una canción, en su opinión, es un poema lírico dedicado únicamente al amor. No requiere un estilo oratorio y se caracteriza por la sencillez y la claridad.

La oda como género de poesía muy solemne recibe un desarrollo predominante en la literatura del clasicismo durante su apogeo. Esto se debe al hecho de que la época con la que se asoció el desarrollo del clasicismo proclamó el triunfo de los intereses comunes sobre los intereses personales. Desde la antigüedad, la oda solemne ha glorificado los acontecimientos más importantes de la vida exterior o interior del estado. Es por eso que el género de la gran oda correspondía más a las tareas de la era de la unidad nacional que, por ejemplo, el género de la canción de amor o de bebida. Las experiencias de una persona causadas por acontecimientos de su vida personal (amor, separación de sus seres queridos, su muerte) quedaron relegadas a un segundo plano. Sólo aquellas experiencias del poeta que reflejaban acontecimientos de escala nacional, nacional, podían despertar el interés general.

El poeta decembrista V. K. Kuchelbecker definió con mucha precisión las características de la gran oda y consideró la apelación al género como una medida de la ciudadanía del poeta. Escribió en uno de sus artículos: “En la oda, el poeta es desinteresado: no se regocija por los acontecimientos insignificantes de su propia vida, no se lamenta por ellos; difunde la verdad y el juicio de la Providencia, triunfa sobre la grandeza de su tierra natal, coloca a Peruns en sus adversarios, bendice a los justos, maldice al monstruo”. El poeta de la oda es portador de la conciencia nacional, exponente de los pensamientos y sentimientos de la época.

Esto es lo que lo convirtió en el género principal de la poesía civil del clasicismo, aunque conservó los rasgos de una obra de alabanza. En este sentido, la oda del clasicismo se hizo eco de la oda de los poetas antiguos.

La oda en el clasicismo era un género de forma estricta. Su rasgo obligatorio era el desorden lírico, que presuponía el libre desarrollo del pensamiento poético. Otros elementos constantes también se volvieron obligatorios para su estructura: “alabanzas a una determinada persona, argumentos moralizantes, predicciones, imágenes históricas o mitológicas, apelaciones del poeta a la naturaleza, musas, etc. Se incluyeron en la composición de la oda, independientemente de su tema principal y eran una característica no sólo de la oda rusa o francesa / También eran inherentes a las orientales, por ejemplo, a las árabes".

En este sentido, la oda se parecía a la oratoria: debería tener el mismo grado de evidencia e impacto emocional. Una oda, como el discurso de un orador, se construía a partir de tres partes obligatorias: un ataque, es decir, la introducción de un tema, un razonamiento en el que se desarrollaba este tema con la ayuda de imágenes de ejemplo y una conclusión breve pero emocionalmente fuerte. Cada una de las tres partes tenía sus propias características constructivas. Pero en cualquier caso, los argumentos a favor de la idea principal deben organizarse, según Lomonosov, “de tal manera que los fuertes estén al frente, los más débiles en el medio y los más fuertes al final”. .”

El esquema poético de la oda, desarrollado por los teóricos del clasicismo, se conservó durante todo su desarrollo, comenzando con la obra de Lomonosov y terminando con la obra de sus seguidores a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Y, sin embargo, la alta perfección de la oda rusa no estuvo determinada por el hecho de que sus autores siguieran estrictamente el esquema externo, o incluyeran o no ciertos elementos en su composición.

Un signo de verdadera poesía es la transmisión veraz por parte del autor de la emoción espiritual del geront. Y esto requiere que el poeta tenga un buen conocimiento de la psicología y la moral humanas, una comprensión de, como dijo Lomonosov, "de qué ideas e ideas surge cada pasión". Además, el oyente, según el mismo Lomonosov, estará imbuido del mismo estado de ánimo que el poeta sólo si este último “tiene la misma pasión que quiere despertar en los oyentes”1. Por tanto, una condición indispensable para el desarrollo del tema lírico en la oda, como, de hecho, en cualquier otro poema lírico, es la sinceridad del poeta, la autenticidad de sus sentimientos.

En cuanto a la construcción de la oda, el deleite del poeta no excluyó una cuidadosa consideración de sus motivos principales y las partes compositivas correspondientes a ellos. No descartó pensar en formas de influir en el oyente para evocar en él sentimientos recíprocos. Sin embargo, todo esto debería haber quedado fuera del texto de la oda.

La oda misma, dirigida a los oyentes, conservaba entre los verdaderos maestros el carácter de improvisación libre, cuando un pensamiento evocaba otro. La impresión de “desorden lírico” creada por este desarrollo del tema era externa. El poeta, pasando de un pensamiento a otro, subordinó la construcción de la oda a la divulgación de la idea principal, el sentimiento principal. Esto determinó la unidad compositiva de todas sus partes, como un drama o un poema. Por eso las odas de diferentes autores, que tenían mucho en común en su construcción, no se repetían. Su originalidad, su diferencia estaba determinada por la personalidad del poeta, su visión de la vida, su habilidad poética.

El origen del género de las altas odas en Rusia se remonta a finales del siglo XVI. En el siglo XVII, un hecho significativo de la literatura panegírica fue la colección “Rhythmologion”2 de Simeón de Pólotsk. El género de las odas fue desarrollado aún más a principios del siglo XVIII por F. Prokopovich. Feofan Prokopovich, importante figura de la iglesia, asociado de Pedro el Grande, ardiente patriota, cantó en sus odas los acontecimientos más importantes de la época: la victoria de Poltava, la apertura del canal Ladoga, etc. La formulación en la literatura del tema. Se asocia con él la imagen de Pedro el Grande como monarca ilustrado, constructor y héroe. Más tarde lo retomarán Kantemir, Lomonosov y otros poetas, hasta Pushkin con sus poemas "Poltava" y "El jinete de bronce".

La oda rusa al clasicismo se creó a partir de una fusión de experiencia / poesía rusa antigua, antigua y europea. Fue creado en relación con las condiciones y tareas de la vida nacional rusa en el siglo XVIII. Los ejemplos más estrictos del género pertenecen a Lomonosov. Sumarokov en sus odas solemnes siguió exteriormente a Lomonosov. Sin embargo, sus odas se distinguieron por una mayor sencillez y claridad de estilo y revelaron otras tendencias en el desarrollo de este género.

Considerando la historia de la oda rusa, Yu Tynyanov vio acertadamente dos direcciones en su desarrollo. A uno lo asoció con los nombres de Lomonosov, Petrov, Derzhavin y vio su peculiaridad en la presencia de un comienzo florido, el otro con los nombres de Sumarokov, Maykov, Kheraskov, Kapnist, que mostraban una desviación de las entonaciones oratorias. Al reconocer la existencia de diferentes tendencias estilísticas en la comprensión y el uso del género de la oda en el clasicismo ruso, Yu Tynyanov creía al mismo tiempo que “la introducción de medios de estilo marcadamente diferentes en la oda no destruyó la oda como forma elevada. , pero apoyó su valor”1. De hecho, la apelación al género de los poetas decembristas devolvió las entonaciones oratorias a la oda. Posteriormente, invariablemente conservó las características del género de la alta poesía.

- (del griego antiguo.oide - canción) es el género más antiguo de la poesía europea. En la Antigua Grecia, las odas eran originalmente canciones corales sobre diversos temas, acompañadas de música y danza. Poco a poco, primero en la poesía antigua y luego en las obras de los poetas clásicos europeos, la oda se convirtió en uno de los géneros más extendidos y estrictos de lirismo "elevado" y solemne en términos de contenido y forma. Los famosos odoscribores de la antigüedad fueron Píndaro y Horacio, quienes cantaban alabanzas a dioses y héroes.

El género de odas en Rusia apareció en XVIII c., en la época del clasicismo. Los autores de las primeras odas rusas fueron V.K. Trediakovsky y M.V. Los clasicistas consideraban que la oda era el género lírico más importante, capaz de glorificar a la "primera persona" del estado: el monarca, así como a los "hijos de la patria" destacados: los nobles reales y los generales. En las odas, los poetas expresaron su deleite patriótico y su inspiración religiosa y filosófica.

El género de las odas alcanzó su verdadero florecimiento y culminación clásica en la obra de G.R. Derzhavin, fueron sus obras las que influyeron en las primeras obras de A.S. Pushkin y otros poetas del principio; XIX v. El autor de la famosa oda social y filosófica "Libertad" es A.N.

La oda clasicista era un género oratorio solemne en el que se combinaban emociones fuertes con prudencia, deleite "piítico" con lógica fría. La característica significativa más importante de una oda es un tema "alto" (monarca, comandante, evento de importancia nacional, virtud pública, moral religiosa). Las características formales del género requerían el uso del tetrámetro yámbico y una estrofa que constaba de diez versos poéticos divididos en tres partes: la primera parte constaba de cuatro versos, la segunda y la tercera, de tres versos. Los diez versos de la estrofa ódica estaban unidos por un estricto sistema de rima: abab ccd eed.

Un aspecto importante de la forma de la oda es la composición, que le da al poema armonía, integridad semántica y persuasión. Como regla general, la oda comenzaba con una introducción (una o dos estrofas), en la que el poeta hablaba sobre el tema que le servía de fuente de su deleite poético. Las primeras estrofas también podrían contener un llamamiento a la musa. Luego vino la parte central, de mayor volumen y más importante en contenido, de la oda. El poema termina con una estrofa-conclusión moralizante final. En él, el poeta expresó un juicio generalizador, a menudo directamente relacionado con el "héroe" de la oda.

El patetismo de la oda requería un estilo especial. Se logró mediante el uso de un vocabulario elevado y libresco, principalmente arcaísmos, perífrasis metonímicas y alegorías. La entonación y los medios sintácticos jugaron un papel muy importante: exclamaciones y preguntas retóricas, inversiones, construcciones sintácticas inusuales.

Derzhavin ya violó audazmente los cánones de género de la oda. Odas de los poetas XIX y XX siglos (K.F. Ryleeva, V.Ya. Bryusov, V.V. Mayakovsky) no corresponden al esquema estricto de los clasicistas. Pushkin, el autor de “Libertad”, tampoco lo cumplió. Las tradiciones de la oda, sustantivas y estilísticas, cobraron vida en las obras de los poetas que escribieron sobre temas civiles. El género de la oda, firmemente asociado con la poesía del clasicismo, desarrolló las antiguas tradiciones del discurso poético "elevado", cercano a la retórica, el arte de la influencia directa y abierta en la mente y los sentimientos de los oyentes.

Derzhavin es un poeta innovador. La evolución del género de las odas en el último tercio del siglo XVIII

Gavrila Romanovich Derzhavin (1743-1816) vivió una vida larga y difícil, llena de altibajos, nombramientos honoríficos para altos cargos y tormentosas disputas con nobles y reyes. Hijo de un oficial pobre, comenzó su servicio como soldado raso y se convirtió en uno de los estadistas más importantes de Rusia en el siglo XVIII. Pero lo que se hizo inmortal a lo largo de los siglos no fue Derzhavin el funcionario, secretario de Estado, senador, ministro, sino Derzhavin el poeta.

Derzhavin es grande, ante todo, como el primer poeta realista ruso y como un brillante poeta-artista en general. Fue el primero de los escritores rusos en reconocerse como un poeta nacional ruso: ruso no sólo en el lenguaje, sino, lo más importante, en el pensamiento, "filosofía", como él mismo dijo. Los orígenes de la “mentalidad rusa” de la mente y la creatividad de Derzhavin tienen sus raíces en las condiciones en las que tuvo lugar su formación como persona y artista. Para la poesía de la década de 1760 y principios de la de 1770. Se caracteriza por un gran interés por la historia y el folclore nacionales. En los primeros poemas de Derzhavin se puede notar la fuerte influencia de las canciones de A.P. Sumarokov, el poeta lírico más destacado de mediados de siglo, que creó una serie de talentosas estilizaciones literarias de canciones populares. Por otro lado, las obras satíricas de Sumarokov, así como la línea satírica de la literatura popular de los siglos XVII-XVIII, que Derzhavin conocía bien, tuvieron una gran influencia en su desarrollo. La obra de M.V. tuvo una influencia significativa en la formación de Derzhavin como poeta. Lomonosov, aunque en uno de los primeros poemas del programa, "Idilio", Derzhavin renunció por completo a la poesía "alta":

Nunca pienso en perseguir a Píndaro.

Y elevarse como un torbellino tormentoso hacia el sol,

temeroso de que “con el calor no me quemaría en mi medio siglo,

no se resquebrajaría por el fuego"

Pero, confirmando esta afirmación con sus canciones y otros poemas de géneros “ligeros”, y al mismo tiempo en varias obras se levantó “hacia el sol” en un “torbellino tormentoso”. Al mismo tiempo, en muchas odas, Derzhavin no se guió por Lomonosov, sino por Sumarokov con su periodismo abierto. Tal orientación hacia un "modelo" era necesaria para un poeta clasicista, ya que uno de los principios fundamentales de la teoría y la práctica del clasicismo era el principio de "imitación de modelos".

Siguiendo a Lomonosov, el joven Derzhavin reproduce diligentemente no sólo el "educacionalismo" programático, sino también la forma misma de las odas "modelo", introduciendo una gran cantidad de préstamos y citas directas de los poemas de Lomonosov. Imitando a Sumarokov, Derzhavin escribe obras periodísticas marcadas, de forma mucho más original, reproduce el estilo cívico del "modelo", pero casi no tiene préstamos directos de Sumarokov.

El diferente enfoque de Derzhavin al problema de la imitación, hecho dependiente de cómo el poeta, por quien Derzhavin se guió en esta obra, resolvió este problema; tal enfoque indica claramente el significado y la conciencia de sus búsquedas, su conciencia de la esencia de lo literario. y disputas teóricas de la época. Sin embargo, la inmensa mayoría de los poemas del primer período de la obra de Derzhavin no se distinguen por grandes méritos: son imitativamente tradicionales, lentos y pesados.

Derzhavin ayudó a "encontrarse a sí mismo" en la poesía acercándose al "círculo de Lvov", un grupo de jóvenes poetas, compositores y artistas, conectados por relaciones amistosas y una búsqueda común de nuevos caminos en la literatura y el arte. El círculo incluía a personajes tan famosos como los poetas N.A. Lvov, M.N. Muravyov, I.I. Khemnitser, V.V. Kapnist, compositores E.I. Fomín, D.S. Bortnyansky, V.A. Pashkevich, artistas D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky y otros ya.B. Knyazhnin y D.I. Fonvizina; algunas relaciones (hasta ahora no reveladas) estaban relacionadas con el círculo de A.N. Radishcheva. Fue en el círculo donde se formó la dirección que en la historia de la literatura rusa recibió más tarde el nombre de "preromanticismo".

En las obras de los prerromanticistas, la individualidad humana y el mundo objetivo-real, concreto-sensorial que la rodea pasan a primer plano; Habiendo rechazado la teoría de la "imitación de modelos", los prerromanticistas llegaron al concepto romántico del genio y la inspiración como fuente de creatividad poética. Y de aquí surgió inevitablemente una nueva visión poética del mundo; la idea del valor del individuo, atención a los problemas éticos, cuestiones de moralidad del individuo y de la sociedad; la vida privada de una persona privada y la consiguiente ruptura total de los sistemas figurativos y de género existentes; rechazo de la normatividad tanto clasicista como sentimental en general, y de las “reglas” en particular; la imagen del autor, incluida orgánicamente en las obras: intentos de crear características individuales de las personas; una gran cantidad de sugerencias específicas; atención a los detalles cotidianos, la encarnación de la vida cotidiana en imágenes pictóricas y plásticas: una audaz combinación de prosaísmos y lengua vernácula con un alto vocabulario arcaico; experimentos que van en una dirección en el campo de la métrica, las estrofas, las rimas; buscar una forma individual de una obra; gran interés por el problema del contenido nacional y la forma nacional, es decir, el reconocimiento del hecho de que en diferentes épocas y personas de diferentes nacionalidades había diferentes "gustos"; en otras palabras, el rechazo del criterio del "gusto elegante", uniforme. para todos los tiempos y pueblos, y una salida a la idea del condicionamiento histórico y nacional del hombre, de los pueblos y de las literaturas.

El prerromanticismo planteó como centrales los problemas del historicismo, la filosofía de la historia, la dependencia del carácter nacional de la historia, etc. Sólo el realismo podía resolver plenamente estos problemas, pero un paso importante que dieron los prerromanticistas fue la formulación misma de estos problemas en la filosofía y la literatura. Los poetas prerrománticos de diferentes países de Europa plantearon con especial urgencia la cuestión de las formas nacionales de poesía, los sistemas nacionales de versificación, recurriendo al folclore en busca de ayuda como fuente, en primer lugar, de ritmos específicamente nacionales y, en segundo lugar, de medios de expresión artística peculiar. sólo a un pueblo determinado, un arsenal de imágenes, una fuente de mitología antigua, etc. El mismo propósito tenía un atractivo para las mitologías de varios pueblos de Occidente y Oriente. Así, por ejemplo, Derzhavin, además del ruso antiguo ("eslavo") y el antiguo, utilizó imágenes y motivos de la mitología "varega-rusa" (escandinava), hebrea (bíblica), china e india.

En la formación de la ideología y la estética del prerromanticismo, el papel más importante en Europa lo desempeñaron Rousseau, Jung y especialmente Herder, y en la poesía rusa, el círculo de Lvov, con el que Derzhavin se hizo cercano a principios de 1779. Aparentemente, fue N / A. Lvov, uno de los poetas más originales del siglo y una persona con educación enciclopédica, le presentó las ideas de Rousseau y Jung sobre la creatividad original, y los poemas de M. N. Muravyov, que desde 1775 encontró su camino en la poesía, mostraron la posibilidad práctica. de realización individual del talento poético.

Liberado de las cadenas de la normatividad, las “reglas” y la “imitación de modelos” que lo encadenaban, el raro talento individual de Derzhavin se desarrolló a la velocidad del rayo y con un enorme poder poético.

En septiembre del mismo 1779, apareció en la revista "St. Petersburg Bulletin" la "Oda a la muerte de K. M. k***", es decir, "Sobre la muerte del príncipe Meshchersky", y luego, uno tras otro, tales. Siguieron obras magníficas como "La llave", "Poemas para el nacimiento de un joven nacido de pórfido en el Norte", "Al primer vecino", "A los gobernantes y jueces", etc. Derzhavin tuvo acceso a las páginas de la revista. De nuevo gracias a la taza: uno de los editores del “Boletín de San Petersburgo” fue YO HARÍA. Knyazhnin.

Ya en la oda "Sobre la muerte del príncipe Meshchersky", que comienza el segundo período de la obra de Derzhavin, surgieron claramente nuevos rasgos de la poesía de Derzhavin y surgieron claramente muchos aspectos del talento maduro de Derzhavin. Lo que también fue nuevo fue que Derzhavin dedicó una oda a la muerte no de un noble todopoderoso, ni de un estadista, ni de un comandante, sino de un particular, su conocido; y el hecho de que el poeta se dirigiera al amigo del fallecido S.V. Perfilyev, tampoco un hombre noble. En este poema, el lector ruso por primera vez (Muravyov casi nunca logró publicar sus nuevos poemas) vio la imagen de una persona privada: el autor, el propio Derzhavin. Cuando Lomonosov decía "yo" en sus odas, este "yo" no se refería al verdadero M.V. Lomonosov y “piita” en general son una especie de voz generalizada de la nación. Y para Derzhavin, "yo" es una persona viva completamente concreta, el propio Derzhavin, con sus penas y alegrías personales, con su vida privada, sus pensamientos y sus acciones.

Gracias a la inclusión de motivos autobiográficos, un poema sobre un tema filosófico general adquirió un carácter individual e inusualmente personal.

Como un sueño, como un dulce sueño,

Mi juventud también ha desaparecido;

La belleza no es muy tierna

No es tanta la alegría lo que deleita,

La mente no es tan frívola,

No soy tan próspero...

Un “piit” convencional nunca podría decir semejantes palabras. Así lo dice el propio Gavrila Derzhavin, un hombre impactado por la noticia de la muerte repentina de un amigo, que pensó en su propia vida y llegó a la conclusión:

Este día o mañana para morir,

Perfilyev! Por supuesto que debemos -

¿Por qué debería uno estar atormentado y afligido?

¿Que tu amigo mortal no vivió para siempre?

La vida es un regalo instantáneo del cielo;

Arreglala para tu paz

Y con tu alma pura

Bendito sea el golpe del destino.

El poema fue escrito de la mano de un maestro maduro. La imagen de un reloj, que simboliza el inevitable paso del tiempo, fue creada mediante una magnífica grabación sonora:

¡Verbo de tiempos! ¡sonidos metálicos!

La ilusión de un repique rítmico y medido del reloj se logra repitiendo las sonoras “l” y “n” al final de cada pie. Hasta cierto punto, ya en este poema se puede ver una mezcla de pensamientos e imágenes “altos” y solemnes con imágenes cercanas a la vida, “bajas” y cotidianas, por ejemplo, un discurso solemne al reloj:

¡Verbo de tiempos! ¡sonidos metálicos!

Tu terrible voz me confunde;

Me llama, llama tu gemido,

Él llama - y lo acerca al ataúd -

es reemplazada por una imagen de la muerte, dibujada en tonos ligeramente reducidos, imágenes tomadas de la vida cotidiana real:

Apenas vi esta luz,

La muerte ya rechina los dientes.

Como un rayo, la guadaña brilla

Y mis días son cortados como grano.

La figura de la muerte (¡la muerte!) es muy concreta y visualmente tangible. Las imágenes artísticas en sí están tomadas de la vida cotidiana rusa: la muerte corta a una persona con una guadaña, como un campesino cosechando centeno. Además, esta “vitalidad” se refuerza aún más:

Y la muerte pálida mira a todos...

(La gran mayoría de los poetas, contemporáneos de Derzhavin, dirían "ve")

Y afila la hoja de su guadaña...

De aquí no queda lejos una imagen completamente “cotidiana” de la muerte:

Y la muerte nos mira a través de la valla...

("Invitación a cenar")

“Su sílaba es tan grande”, escribió N.V. Gogol, señalando una de las características principales de la poesía de Derzhavin, “como ninguno de nuestros poetas. Si la abres con un cuchillo anatómico, verás que esto proviene de la extraordinaria combinación de los elementos. palabras más altas en un tono muy bajo y simple, que nadie se habría atrevido a hacer, excepto Derzhavin. ¿Quién, excepto él, se habría atrevido a expresarse como él lo expresó?

La idea de la grandeza de los simples sentimientos humanos, así como la fragilidad de todo lo terrenal, impregna la oda "Sobre la muerte del príncipe Meshchersky". Es muy típico que Derzhavin dedique una oda a uno de sus conocidos, cuyo nombre habría pasado a la historia si el poeta no hubiera escrito sobre su muerte. El autor parece querer decir: la vida divide a las personas en ricos y pobres, bien alimentados y hambrientos, reyes y súbditos, y la muerte iguala a todos:

Mira a todos, y a los reyes,

Para quien el mundo es demasiado pequeño para el poder;

Mira a los magníficos ricos,

¿Cuáles son los ídolos de oro y plata?

Mira el encanto y la belleza,

Mira la mente sublime,

Mira las lágrimas con valentía

Y afila la hoja de la guadaña.

Es interesante que en años muy diferentes, en poemas muy diferentes, el poeta irrumpa en el tema de la muerte.

Y V.G. habló bien de la impresión artística que causó el poema en el lector. Belinsky: “Qué terrible es su oda “Sobre la muerte de Meshchersky”: la sangre corre fría por tus venas, el cabello, en palabras de Shakespeare, se eriza sobre tu cabeza como un ejército alarmado, cuando la batalla profética del verbo de los tiempos es ¡Se oye en tus oídos, cuando en tus ojos y manos se ve el terrible esqueleto de la muerte con guadaña! Derzhavin era un hombre valiente; no rehuyó la ira ni del zar ni de los nobles.

Pero su capacidad para vivir y sentir plenamente, para vivir apasionadamente la vida en palabras, no le permitió apartar la vista de la muerte. En su asombrosa oda "Dios", habla de su comprensión de la vida, la muerte y la inmortalidad, dirigiéndose al Creador:

Tu verdad la necesitaba

Para que pase el abismo de la muerte

Mi ser inmortal:

Para que mi espíritu se vista de mortalidad

Y para que por la muerte regrese,

¡Padre! A Tu inmortalidad.

Reflexionando sobre la vida y la muerte, el poeta en su búsqueda llegó a comprender la verdad a través de la fe en el Salvador. Deja palabras de esperanza para sí mismo y para los demás de consuelo:

Y con tu alma pura,

Bendito sea el golpe del destino."

Y no es casualidad que Derzhavin haya escrito muchas obras sobre alegrías y tristezas terrenales, que son cercanas a todas las personas sin excepción. Estos son “Declaración de Amor”, “Separación”, “Cupido”, “Vinos Diferentes” y otros. Su estilo es muy simple, brillante y accesible incluso para el lector del siglo XX, así como son accesibles las experiencias de tristeza, amor y alegría de la amistad. Para el poeta era muy importante establecer en la mente de sus lectores estos valores eternos del alma humana en contraposición a las ya familiares prioridades que subordinan al individuo al Estado.

Aún más obvios que en la oda "Sobre la muerte del príncipe Meshchersky" son los elementos innovadores de los poemas "La llave" y "Sobre el nacimiento de un joven de pórfido en el norte". En "La llave", por primera vez en la poesía rusa, la naturaleza apareció como un objeto de representación independiente, un valor estético independiente y, al mismo tiempo, como una fuente de inspiración poética. Es cierto que "La llave" comienza con una personificación en el espíritu antiguo, pero luego el poeta desarrolló una serie de magníficas imágenes prerrománticas de la verdadera llave Grebenevsky tal como se ve en diferentes momentos del día. Particularmente interesante es la séptima estrofa, en la que Derzhavin, según la correcta observación del investigador A.V. Zapadov, “esbozó no sólo los elementos esenciales del paisaje nocturno, entonces tan difundidos en la poesía sentimental y romántica, sino también un vocabulario con las expresiones “agradable”, “pálido”, “dormido”, “colinas”, “arboledas”. ”, “silencio”. A decir verdad, poco se añadió a este diccionario en el futuro."

Los poemas "Sobre el nacimiento de una juventud porfirítica en el norte" están dedicados al nacimiento del nieto de Catalina II, el futuro Alejandro I. El nacimiento de un niño en la familia real siempre ha sido tema de odas solemnes. y Derzhavin adoptó la forma característica de los poemas ligeros, los llamados "anacreónticos". Sin embargo, la obra de Derzhavin no es una oda anacreóntica. Se trata de una "composición alegórica" ​​con elementos de una trama de cuento de hadas, similar en contenido al comienzo de "La Bella Durmiente" de Charles Perrault. Está surgiendo una nueva unidad artística que no entra en ninguna de las categorías de género previamente existentes. La trama, orientada hacia la poesía ligera francesa y los cuentos de hadas, requería la introducción de nuevos personajes, genios que en el futuro se convertirían en atributos obligatorios del romanticismo. Aún más interesantes e importantes son los cambios que sufrieron los personajes mitológicos tradicionales en los poemas de 1779. Particularmente curiosa es la metamorfosis que sufrió Derzhavin Borey.

D.D. Blagoy señaló que Derzhavin, sin duda, partió de la imagen de Lomonosov ("Donde el congelado Boris agita sus estandartes con sus alas"), y ciertos detalles fueron tomados de la descripción del viento del sur, traducida de Ovidio en "Retórica" ​​de Lomonosov. La imagen se actualiza seleccionando cuidadosamente detalles específicos del paisaje invernal. Sin embargo, al complementar la descripción de las acciones de Borey y su "retrato" con muchos detalles, Derzhavin descartó un detalle, y esta pérdida es muy característica: el Borey de Derzhavin no tiene alas. Como resultado, al dejarle a su personaje un nombre antiguo, el poeta lo convierte en el "anciano apuesto" de los cuentos populares rusos, en el predecesor directo de "Moroz el Voevoda" de Nekrasov. Y en el contexto de Bóreas, transformado en un Papá Noel de cuento de hadas, los antiguos sátiros, reunidos "alrededor de las hogueras" para "calentarse las manos", son percibidos como campesinos rusos corrientes alrededor de las hogueras, y las ninfas, quedándose dormidas ". por aburrimiento entre cuevas y juncos”, se perciben como campesinas en la cabaña cubierta de nieve. Con estas ninfas y sátiros comienza la segunda vida de las imágenes antiguas en la poesía rusa.

Los personajes mitológicos en la poética clásica siempre tienen un cierto significado alegórico y al mismo tiempo conservan conexiones claras con la antigüedad y contienen un elemento de comparación con un mito específico. En la poética del tipo de Derzhavin, la imagen mitológica pierde su carácter alegórico y se convierte en sinónimo de un concepto abstracto y generalizado o en un sustantivo común de un fenómeno cotidiano ruso, de un tipo humano determinado. En este caso, las constantes y obligatorias conexiones lógicas "literarias" se destruyen, pero el significado poético asociativo-emocional de la palabra-nombre, a menudo determinado por el contexto dado, se expande. Una imagen poética se vuelve polisemántica a partir de una de un solo valor, y al mismo tiempo más concreta, ya que se construye a partir de una selección de numerosos rasgos, conexiones, asociaciones de una cosa, a veces inesperada, pero decisiva en un contexto determinado, al mismo tiempo. preservando otras conexiones, otros matices.

La oda "Al primer vecino", escrita en 1780, se basa en una serie de imágenes de este tipo, y ninguna de ellas tiene la más mínima relación con la antigüedad, con la mitología (en el sentido literal de la palabra) y con la Al mismo tiempo no es una alegoría. Por ejemplo, una "ninfa tierna" es una mujer mantenida, una belleza italiana es una cantante y una "parca" es simplemente la muerte. O en "El noble": "musa" - la poesía de Derzhavin) "ninfas" que "cantan en las arboledas en pleno invierno" - cantantes, y tal vez - un coro de siervos (otro, ya tercer significado de la palabra, en comparación con "Poemas para el nacimiento en el Norte" y "Al primer vecino"); "Circe" - belleza, amante. Pero, como en ejemplos anteriores, el significado poético de las imágenes de Derzhavin es mucho más amplio que la interpretación literal. El nombre Circe también es necesario para caracterizar el carácter moral de un noble, definiendo su forma de vida bestial (moral). El deseo de individualización del conjunto artístico, del desarrollo original de la imagen, llevó naturalmente a Derzhavin a abandonar los clichés figurativos y verbales. Para el mismo tema, motivo, situación, Derzhavin encuentra diferentes encarnaciones, incluso en obras cronológicamente cercanas.

Pasemos al tema de la llegada del invierno en varios poemas de Derzhavin. "Poemas para el nacimiento en el norte" contenía el primer paisaje invernal ruso en la poesía de Derzhavin, encarnado en la imagen del "viejo apuesto" Borey. En 1787-1788 el poeta crea tres cuadros del mismo tipo en contenido y al mismo tiempo completamente diferentes en estructura emocional y artística. En el poema "Winter's Wish", el cambio de estaciones se describe en tonos francamente ásperos y "áreas". Una imagen similar, pero expresada de manera muy concisa y bastante “seria”, aparece bajo la pluma de Derzhavin el año siguiente, 1788, en el poema “A Euterpe”. Y en el mismo 1788, como compitiendo consigo mismo, en “Otoño durante el asedio de Ochakov” el poeta encuentra palabras completamente diferentes, diferentes colores para un mismo cuadro; El lacónico boceto, que consta de sólo 4 versos, se despliega en un amplio lienzo de 6 estrofas.

Hablando al final de su vida sobre su obra, Derzhavin vio en los fracasos al imitar a Lomonosov una de las razones para emprender un nuevo camino en la poesía. El poeta explicó estos fracasos por el hecho de que no podía mantener constantemente con un "hermoso conjunto de palabras" el "esplendor y pompa" característicos únicamente de Lomonosov. A Derzhavin le quedó una cosa de Lomonosov: la afirmación de un ideal positivo mostrando un ejemplo positivo; Además, Derzhavin inicialmente busca su ideal en el mismo lugar donde buscaron casi todos los escritores del siglo XVIII: en la teoría del absolutismo ilustrado.

El hecho es que la lucha contra los abusos de los nobles, la nobleza y los funcionarios por el bien de Rusia fue una característica definitoria de las actividades de Derzhavin como estadista y como poeta. Una fuerza capaz de dirigir el estado con dignidad, llevando a Rusia a la gloria. , a la prosperidad, a la "bienaventuranza", Derzhavin sólo vio una monarquía ilustrada. De ahí la aparición en su obra del tema de Catalina II - Felitsa. Este tema, un hilo rojo que recorre la obra de Derzhavin de los años 80, une muchas de sus obras: “Felitsa”, “Gratitud a Felitsa”, “Reshemysl”, “Visión de Murza”, etc.

Como ya se señaló, las odas de Derzhavin están dedicadas principalmente a la emperatriz Catalina la Grande. Pero la heroína del más famoso de ellos es llamada por el poeta Felitsa, que significa "feliz", y no grande y "sabia", como cabría esperar. El nombre en sí, Felitsa, fue tomado prestado por la autora de "El cuento del príncipe Cloro", escrito por Catalina para sus nietos. A principios de los 80. Derzhavin aún no conocía de cerca a la emperatriz. Al crear su imagen en las odas de estos años, la poeta utilizó historias sobre ella, de cuya difusión se ocupó la propia Catalina, un autorretrato pintado en sus obras literarias, ideas predicadas en sus "Instrucciones" y decretos. Al mismo tiempo, Derzhavin conocía muy bien a muchos nobles prominentes de la corte de Catalina, bajo cuyo mando tuvo que servir. Por tanto, la idealización de Derzhavin de la imagen de Catalina II se combina con una actitud crítica hacia sus nobles.

Los altos méritos poéticos de la oda "Felitsa", creada en 1782, le dieron gran popularidad en ese momento en los círculos del pueblo ruso más avanzado. UN. Radishchev, por ejemplo, escribió: "Si reescribes muchas estrofas de la oda a Felitsa, y especialmente donde Murza se describe a sí mismo, casi la poesía se quedará sin poesía". "Todos los que saben leer ruso lo encuentran en sus manos", testificó O.P. Kozodavlev, editor de la revista donde se publicó la oda.

Y, de hecho, esta "princesa de la horda Kirguistán-Kaisatsky" es grande precisamente porque es feliz y humana. Su dignidad es que camina y come alimentos sencillos, lo que le permite pensar de forma independiente y decir la verdad. Parece que, como para enfatizar su sencillez, el autor también dibuja junto a él “su propio retrato”, del que, según sus palabras, “es como el mundo entero”:

Derzhavin oda mitológica humanista

Y yo, habiendo dormido hasta el mediodía,

Fumo tabaco y tomo café;

Transformar la vida cotidiana en vacaciones,

Mis pensamientos giran en quimeras...

Cabe señalar que en sus odas G. Derzhavin se apartó en gran medida de las reglas del clasicismo. En primer lugar, en la oda "Felitsa", el escritor mezcló diferentes géneros en una sola obra, combinó la oda con la sátira, contrastando marcadamente la imagen positiva de la reina con las imágenes negativas de sus nobles. Bajo la pluma del gran maestro, la oda se acercaba a una obra que describía con sinceridad y sencillez la realidad.

Violando las estrictas reglas del clasicismo, Derzhavin rechazó la teoría de los tres estilos de Lomonosov, establecida en la literatura. Así, llevó a cabo una especie de “simplificación”, “rebajada” de la sílaba alta, adaptándola a las normas del lenguaje coloquial, lejos de la sofisticación del salón noble secular.

Muy colorido N.V. Gogol caracteriza este rasgo del estilo de Derzhavin de mezclar estilo alto con bajo: “Su sílaba (la de Derzhavin) es tan grande como la de cualquiera de nuestros poetas, si la abres con un cuchillo anatómico, verás que proviene de la extraordinaria combinación de las palabras más altas con las más bajas y simples”.

Al denunciar a la “sociedad” y a la nobleza cortesana, el poeta señala que los representantes de este círculo están sumidos en la vanidad, la diversión y el entretenimiento, la inercia y la falta de ilustración. Con asombrosa franqueza y agudeza, ridiculiza a los nobles que se jactan de su alta posición, sin tener ningún mérito para el país y el pueblo.

Así, por ejemplo, en la oda "Noble" Derzhavin escribe:

Un burro seguirá siendo un burro.

Aunque lo colmes de estrellas,

¿Dónde se debe actuar con la mente?

Él simplemente mueve las orejas.

Lo que fue fundamentalmente nuevo fue que desde las primeras líneas de la oda el poeta describe a la emperatriz rusa (y en Felitsa, los lectores adivinaron fácilmente que era Catalina) principalmente desde el punto de vista de sus cualidades humanas:

Sin imitar a tus Murzas,

caminas a menudo

Y la comida es la más sencilla.

Sucede en tu mesa...

La virtuosa Felitsa se contrasta con el noble vicioso "Murza", un retrato satírico colectivo de los nobles más importantes: G.A. Potemkina, P.I. Panina, A.A. Vyazemsky, A.G. Orlova, S.K. Narishkin y otros.

Hay que decir que en la poesía de Derzhavin la palabra "hombre", asociada con la exigencia de una alta moralidad y ciudadanía, era el mayor elogio y criterio. "¡Sé un hombre en el trono!" - el poeta instó al futuro zar Alejandro I (“Por los nacimientos en el Norte...”). "Había un noble", escribió Derzhavin sobre el antiguo mecenas de las artes y las ciencias, I. I. Shuvalov ("Epistola a I. I. Shuvalov", versión borrador, 1777).

La mente y el corazón humanos

fueron mi genio

El poeta destacó en el poema “Confesión”, que consideró “una explicación de todos sus escritos”.

Esta idea humanista de Derzhavin es plenamente compartida por los miembros del círculo de Lvov y por su cercano Fonvizin, quien escribió en "Nedorosl": "Ten corazón, ten alma y serás un hombre". veces." Sólo la insuficiencia de la humanidad fue comprendida por el joven contemporáneo de Derzhavin y Fonvizin, A.N. Radishchev, quien tuvo la idea de la inevitabilidad de la revolución.

Pero la exigencia de una alta moralidad, el llamado a la humanidad "en todo momento" llevó a la siguiente generación de nobles a oponerse abiertamente a la servidumbre y la autocracia. El hecho es que cuando Derzhavin, por ejemplo, escribió sobre un ejecutor del poder sabio y justo ("El tiempo", 1804):

Ni siquiera el tiempo tiene control sobre él.

Abajo no hay oro ni plata;

A él le importa el orden de las cosas,

Ama el bien común;

Escapar de tonterías exuberantes

Y cositas brillantes

Tiene el rango de fiscales,

Todos los nobles, jueces, reyes.

Honra solo a la persona

Y él mismo quiere serlo.

Luego, tales pensamientos elevaron la idea de la humanidad y del hombre a una altura absolutamente ajena a la autocracia, ya que “el principio de la monarquía en general es una persona despreciada, despreciable y deshumanizada. De ahí el enorme poder educativo de las ideas humanistas progresistas. Derzhavin y Fonvizin son claros: escritores que subjetivamente están lejos de los sentimientos revolucionarios e incluso hostiles a la revolución, pero que objetivamente contribuyeron mucho a la formación espiritual y moral de la primera y noble generación de revolucionarios rusos.

También es importante otra cosa: la esperanza para el corazón y el alma humanos, la búsqueda moral incansable: esto es lo que une a escritores tan distantes en el tiempo y tan aparentemente diferentes como Derzhavin y Fonvizin, y a Gogol, Dostoievski, Tolstoi (y otros, Radishchev, Griboyedov, Chernyshevsky y Nekrasov están incluidos en esta búsqueda)...

Los poemas filosóficos de Derzhavin están relacionados con el otro lado del problema humano: "el hombre y el universo". La mayor de ellas es la oda “Dios”, terminada en 1784, un himno inspirado a la omnipotencia de la mente humana:

Mi cuerpo se está convirtiendo en polvo.

Mando el trueno con mi mente,

Soy un rey, soy un esclavo; Soy un gusano, ¡soy un dios! -

y al mismo tiempo, el reconocimiento de que el hombre es sólo un eslabón de una cadena común de seres (y, sin embargo, la religión enseñaba que el hombre es una creación completamente excepcional de Dios y Dios creó todo lo demás para el hombre).

Derzhavin introduce en su poema las ideas de la ciencia contemporánea sobre la pluralidad de mundos; Dios adquiere de él las características inherentes a la materia: "el espacio infinito, la vida continua en el movimiento de la materia y el flujo interminable del tiempo". Esencialmente, estas disposiciones contradicen las ideas religiosas: la iglesia enseñaba que la Tierra era el centro del universo y que el Sol fue creado únicamente por Dios; La religión cristiana negaba el movimiento continuo como propiedad principal de la materia, porque supuestamente el espacio y el tiempo tenían un “principio” y tendrán un “fin”.

No sorprende, por tanto, que la oda de Derzhavin provocara una protesta decisiva de los fanáticos de la ortodoxia y del clero. Pero el poema se convirtió en la primera obra de la literatura rusa que alcanzó verdadera fama mundial...

Defendiendo al "hombre", fue precisamente la inhumanidad de reyes y nobles lo que Derzhavin expuso en sus obras satíricas más fuertes: "A los gobernantes y jueces", "Sobre la astucia", "Sobre la felicidad" y "El hombre noble".

El centro organizador de la poesía de Derzhavin es cada vez más la imagen del autor, que permanece uniforme en todas las obras. Se trata de una persona concreta de carne y hueso que transmite su actitud personal hacia el mundo, las cosas y las personas, independientemente de su estatus social. Y como persona, y no como un "piit" convencionalmente abstracto, ve las deficiencias cotidianas de los nobles, las "miradas celestes" y la "pluma apresurada" de Catalina. Junto con la imagen del autor, la poesía de Derzhavin incluye un coloquialismo bastante natural en boca de una persona: un lenguaje coloquial vivo, lo que el propio poeta llamó más tarde "una sílaba rusa divertida".

La oda "Felitsa", en la que Derzhavin combinó principios opuestos: positivo y negativo, patético y sátiro, ideal y real, finalmente consolidó en la poesía de Derzhavin lo que comenzó en 1779: mezclar, romper y eliminar el estricto sistema de género. En una obra suele combinar sátira y elegía, una oda patética y un mensaje amistoso. Sin importarle mucho la terminología, Derzhavin llamó a los mismos poemas a veces "odas", a veces "canciones" y a veces "poemas líricos". Y al final de su vida, reflexionando sobre su camino creativo, el poeta declaró directamente la inutilidad de las gradaciones de género: “Si los nombres no respetan las cosas sin su dignidad directa, entonces debo estar de acuerdo conmigo en que ellos, es decir, aquellos Los nombres, o secciones especiales de las canciones, se deben más a la astucia o a la arrogancia de los profesores en el conocimiento de su antigüedad, que a una necesidad directa." Hablando en contra de las "secciones pedantes de los poemas líricos" (es decir, en contra de su división de géneros), Derzhavin argumentó que un poeta puede hablar de todo en una "oda social". En otro lugar, Derzhavin llamó a este género común a toda la poesía lírica “oda mixta”.

M.N. encontró una definición ingeniosa de los poemas de Derzhavin. Muravyov - "confusión". Al tener esencialmente el mismo contenido que el término "oda mixta" de Derzhavin, la "mezcla" de Ant es quizás más precisa, porque, con bastante razón, saca el trabajo de Derzhavin de la corriente principal de cualquier tipo de descripción, por un lado, y por el otro, No abarca no sólo una mezcla de géneros en sí, sino también una mezcla de temas emocionales y temáticos, estilísticos, figurativos, etc.

Derzhavin no admiró a Catherine como hombre por mucho tiempo. Ya a finales de los 80. Felitsa se convierte en la imagen de un estadista, y sólo ("Imagen de Felitsa"). Y cuando el poeta se encontró en la corte, cuando “vio de cerca al ser humano original con grandes debilidades”, el tema de Felitsa en su poesía se extinguió por completo. La decepción con Catalina que se produjo a principios de los años 90 no pudo dejar de reflejarse en la autoestima del poeta. Esto planteó a Derzhavin la pregunta sobre el significado de su propia actividad poética, sobre su derecho a la inmortalidad. A partir de este momento, el tema de la poesía y el poeta, la evaluación de la propia creatividad se convierte en uno de los principales en la obra de Derzhavin.

Derzhavin siempre habló del gran papel de la poesía y del poeta en la vida de la sociedad, viendo su derecho a la inmortalidad precisamente en la actividad poética. Pero la idea de exactamente qué aspectos de su poesía harían inmortal su nombre cambió. Anteriormente, Derzhavin vio el derecho a la inmortalidad en la práctica de la poesía misma, luego durante algún tiempo creyó que viviría en la memoria de la posteridad como cantante de las hazañas de Catalina II.

Su nueva visión del significado de su obra la describió más plenamente en la oda "Mi ídolo". Tiene la forma de una conversación-monólogo dirigida al escultor Rachette, que trabajó en el busto de Derzhavin. El poeta rechaza inmediatamente la idea de la fama por las "cosas ordinarias": "mi bagatela". Derzhavin, que aprecia mucho sus odas dedicadas a Felitsa, cree que es digno de fama por ellas. ¿Pero sus descendientes le honrarán por esto? Y, adivinando proféticamente el futuro, el poeta da una respuesta negativa. Rechazando el derecho a la inmortalidad para glorificar a Felitsa, Derzhavin afirma que la posteridad honrará su memoria como cantante de Rusia, del pueblo ruso, de sus líderes y héroes, por el hecho de que siempre fue un campeón de la verdad y la verdad, defendió la virtud. . Según Derzhavin, un gran poeta-patriota, un poeta-ciudadano no es menos digno de la inmortalidad que un gran comandante. Lleva a cabo esta idea colocando su nombre junto al nombre del mariscal de campo Rumyantsev (“Los ídolos de tu cincel” son bustos de Rumyantsev y Derzhavin, esculpidos por Rachette).

Sin embargo, en la vida real, decirle la verdad a los reyes no era tan fácil. En su segunda carta a Khrapovitsky (1797), Derzhavin señaló directamente el poder opresivo de la autocracia, que encadena la palabra poética. Por lo tanto, tuvo que decir la verdad "con una sonrisa", en forma humorística, o encubrirla con referencias a la autoridad del monarca, o disfrazarla con insinuaciones, alegorías y alegorías, y el propio poeta escribió sobre esto más de una vez.

Estrechamente relacionados con la lucha por el “bien común” están los temas del “bien personal”, que sólo es posible bajo la condición del bien común: conciencia tranquila, contentamiento con poco, moderación, “paz”, etc. sólo puede ser feliz cuando “desea el bien común” y lucha activamente por él. Quien se preocupa sólo por sí mismo, sin preocuparse por Rusia, no puede ser verdaderamente feliz, argumentó Derzhavin.

En las obras de 1790 - principios de 1800. Derzhavin da un nuevo paso al representar a una persona. En poemas dedicados a G.A. Potemkin (“Anacreonte en la Asamblea”, “Cascada”), L.A. Naryshkin (“Sobre el nacimiento de la reina Gremislava”), A.G. Orlov (“El caballero ateniense”), A.V. Suvorov ("Sobre la estancia de Suvorov en el Palacio Tauride", "Sobre el cruce de las montañas alpinas", etc.; especialmente "El camachuelo"), Derzhavin intenta dibujar a las personas en toda su complejidad, representando sus lados positivos y negativos ( esto es especialmente cierto Potemkin y Naryshkin).

Derzhavin dividió toda la poesía en dos partes: "oda" y "canción". Si para un poema lírico, una "oda", Derzhavin propuso la inspiración como una propiedad definitoria y creía que los "errores" son excusables, "como las manchas en el sol", entonces el rasgo distintivo de una "canción", según Derzhavin, es habilidad poética. Y, hay que decirlo, la habilidad del poeta Derzhavin en anacreóntica se manifiesta con especial claridad, porque en estos breves poemas no hay absolutamente ningún lugar ni para el periodismo detallado ni para la retórica asociada a él. La extraordinaria economía de medios artísticos, la extrema precisión y claridad, el refinamiento del lenguaje y del verso hacen de muchos de los poemas de este ciclo pequeñas obras maestras. Pero sería un error creer que Derzhavin compuso estos poemas sólo para demostrar su habilidad poética; no, se propuso objetivos mucho más serios. “Por amor a la palabra rusa”, enfatizó el poeta, lanzando la colección de “Canciones anacreónticas” como una edición separada en 1804, “quería mostrar su abundancia, flexibilidad, ligereza y, en general, la capacidad de expresar lo más tierno. sentimientos que difícilmente se encuentran en otros idiomas". Los lectores, que ya conocían bien al héroe lírico de Derzhavin, un poeta-ciudadano, un luchador por la verdad, ahora vieron en toda su versatilidad la misma imagen desde el lado de su vida privada, sus preferencias personales, inclinaciones e incluso "bromas".

Y, finalmente, ambos aspectos del héroe lírico de Derzhavin se fusionaron completamente en un personaje realista y puro en la obra más importante del último período de la obra de Derzhavin: el poema "La vida de Zvanskaya" (1807).

Este poema es una especie de respuesta a la elegía romántica de V.A. Zhukovsky "Tarde". Derzhavin entró en una extensa disputa con Zhukovsky sobre lo que debería representar un poeta, quién debería ser el héroe de una obra poética, cómo debería tratarse la vida en general y cómo representar la naturaleza y los personajes humanos. Se trataba de una disputa sobre las formas de desarrollo de la poesía moderna.

Derzhavin consideró que la nueva dirección podría alejar a los poetas y lectores de la participación activa en la vida a una profundización exclusiva en sus propias experiencias. Para él, un hombre con una biografía tormentosa y compleja, el principio mismo de escapar de la vida real era inaceptable. Decidió responder a Zhukovsky y hacerlo en la misma forma que había elegido el joven poeta. “La vida de Zvanskaya” está escrita en el mismo tamaño y en la misma estrofa que el poema de Zhukovsky. Derzhavin tiene la misma composición, el mismo héroe-poeta.

Derzhavin contrasta el paisaje melancólico y en gran medida convencional de Zhukovsky con un paisaje concreto y real, característico específicamente de Rusia central. Al héroe de Zhukovsky, un joven triste, decepcionado y sufriente, completamente inmerso en recuerdos y pensamientos de muerte inminente, se le opone el alegre anciano de Derzhavin. Aunque su edad ya está cerca del borde de la tumba, lo percibe todo vívidamente y se interesa por todo sin excepción: desde la comida y los objetos del trabajo campesino hasta acontecimientos a escala europea, cuestiones de historia y reflexiones filosóficas. En contraste con la romántica "poesía del sufrimiento", Derzhavin propuso la poesía de la "vida real". Antes de "Eugene Onegin" de Pushkin, "La vida de Zvanskaya" de Derzhavin es la obra más sorprendente que eleva la vida cotidiana humana a la categoría de poesía. Derzhavin demostró que la poesía no sólo existe en la naturaleza o en las experiencias sublimes: también se puede encontrar en las “cosas” cotidianas, en la lectura de periódicos y revistas, en el té junto al fuego de la tarde y en la distribución de pretzels a los niños campesinos.

El personaje principal del poema es a la vez un tipo y un individuo brillante: en última instancia, es el propio Derzhavin, pero al mismo tiempo un terrateniente típico de cierto tipo, que vive en circunstancias típicas, con sus propios intereses e inclinaciones individuales claramente expresados. hábitos, forma de pensar, valoraciones, actitud ante el mundo, etc. Esta combinación de lo individual y lo típico, dada en determinadas circunstancias típicas, es evidencia de que el realismo nació en ruso, y nació como resultado de una larga evolución. de la creatividad de Derzhavin.

Es muy importante que Derzhavin intentara aprender lo más valioso del método creativo de Zhukovsky: la atención al mundo interior de una persona. Es cierto que la descripción del mundo interior para Zhukovsky es una profundización en experiencias emocionales complejas aisladas del mundo exterior y asociadas con recuerdos. El mundo interior del héroe de Derzhavin son las experiencias de una persona que nacen de la comunicación constante con el mundo exterior. Pero Derzhavin aprendió de Zhukovsky el principio mismo de representar el mundo interior de una persona, así como el propio Zhukovsky aprendió de él la atención a la pintura individual y colorida de la naturaleza.

Referencias

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