Desarrollo temático en obras musicales. forma musical

Trimestre: III, semana 2.

Tema del trimestre: “Desarrollo de la música”.

Tema de la lección: “Tipos de desarrollo musical” (tempo, dinámica).

Objetivo: formar una comprensión de los distintos tipos de desarrollo musical.

– fomentar la motivación positiva en los estudiantes para percibir las obras de arte. Fomentar una cultura de escucha;
– dar el concepto de tempo y dinámica en la música, revelar el significado de forte y piano. Inculcar la capacidad de analizar una pieza musical;
– desarrollo de las capacidades creativas de los estudiantes, desarrollo de la entonación pura al cantar y del sentido del ritmo al tocar instrumentos musicales infantiles. Ampliar los horizontes musicales, desarrollar el pensamiento imaginativo de los estudiantes.

Tipo de lección: aprender material nuevo.

Forma de lección: conversación musical - razonamiento.

Configuración de lecciones profesionales:

– Tener en cuenta las peculiaridades de la percepción musical y psicológica de los niños pequeños al seleccionar la canción y el material musical adecuados;
– Involucrar a los estudiantes en diversos tipos de actividades musicales (forma colectiva - canto coral, escucha, ejecución de instrumentos musicales infantiles, actividad musical-rítmica, conversación frontal - musical - razonamiento, improvisación);

Despertar un fuerte interés entre los niños por la obra del compositor noruego E. Grieg escuchando un fragmento (“En la cueva del rey de la montaña”), así como interpretando obras musicales (“Los niños de toda la tierra son amigos, ” “¿Por qué el oso duerme en invierno”).

Esfuércese por comunicarse y colaborar con los estudiantes durante la lección.

Utilice equipo de reproducción de vídeo (proyector multimedia).

Equipo: grabadora, fonoteca, ilustraciones de canciones, términos musicales, retratos de compositores, instrumentos musicales para niños, sintetizador (piano) (proyector multimedia).

Material musical para la lección:

1. Marcha infantil. A. Serebrennikov – entrada al aula
2. saludo musical, conjunto de ejercicios vocales y corales.
3. Chicos diferentes. D. Kabalevsky - repetición de la canción
4. "¿Por qué duerme un oso en invierno?" L. Knipper – aprendiendo una canción
5. "En la Cueva del Rey de la Montaña". E. Grieg – escuchando un fragmento
6. "Kalinka". Canción popular rusa: tocar instrumentos musicales para niños.
7. "Los hijos de toda la tierra son amigos". D. Lvov-Kompaneets - interpretación de la canción.
8. “Marcha” de T. Khrennikov – saliendo del aula.

Org. momento

Entrada al aula de “Marcha” de A. Serebrennikov

Saludo musical.

durante las clases

1. Un minuto de notación musical.

2. Un conjunto de ejercicios vocales y corales.

A). ¿Cómo se llama el signo que nos revela la música? (violín, música llave)

b). ¿Cuántas notas hay en la música? (7) nombrarlos en orden.

V). Cantemos todos los sonidos, mostrando cada paso con las manos.

GRAMO). Recepción “eco” (hacer-re-hacer…….

d). Trabalenguas (dicción) – Andrey Sparrow...

mi). Trabaja en la respiración (inhalación silenciosa, exhalación lenta - estiramiento o varias exhalaciones cortas y abruptas): calentémonos las manos.

Repetición

Cantando “Diferentes chicos.

– La tocaré y recordaréis cómo es esta música, chicos (1-tranquilo, 2-inquieto)

Bien. Ahora hagámoslo: las niñas están tranquilas y los niños inquietos.

– ¿La música de este canto era igual o diferente?

– ¿Qué cambió en la música? (carácter, ritmo)

El cambio fue rítmico.

Cualquier cambio en la música se llama desarrollo.

Este es el tema de nuestra lección. (Diapositiva número 1)

“Desarrollo de la Música”

Hoy en la lección nos familiarizaremos con diferentes tipos de desarrollo musical.

Nuevo tema. Discurso de apertura del profesor.

Para comprender qué es el desarrollo de la música y qué tipos de desarrollo musical existen, es necesario escuchar atentamente la música y al profesor. (Diapositiva número 2)

Escucha el canto de los pájaros
Escucha la ola cantar
Como la lluvia golpeando tu ventana
La música se escucha en todas partes.

Son estas líneas del poema las que dicen: sería bueno que cada uno de ustedes fuera muy atento, muy sensible a la música.

La música es un arte que se revela al oyente en movimiento, gradualmente, paso a paso (sonido a sonido). Por lo tanto, no hay música sin desarrollo, incluso cuando se esfuerza por representar completa paz y quietud.

Pero, ¿observamos los cambios en la vida humana, en la naturaleza o simplemente a nuestro alrededor? (Sí)

– en la naturaleza: un grano brota, crece, cambia y se convierte en planta (diapositiva número 3)

– persona: el bebé crece, se desarrolla, se fortalece, se vuelve más inteligente, etc. ( diapositiva número 4)

El desarrollo es, ante todo, un cambio (diapositiva número 5) que ocurre constantemente y es observado por nosotros en la vida.

Si leemos (sin música) cualquier cuento de hadas, veremos que en él tienen lugar varios hechos, los personajes realizan diferentes acciones, su estado de ánimo cambia, entablan conversaciones amistosas entre ellos, luego discuten, etc. desarrollo.

Escuche una historia divertida y responda: ¿hay alguna novedad en ella? (diapositiva 7, 8, 9, 10)

Análisis por texto.

Sí. Hay desarrollo. Pero si tal desarrollo está en el texto del cuento de hadas, entonces también debe estar en la música.

La música cambia a través de los medios de expresión musical.

¿Qué medios de expresión musical conoces? ( diapositiva número 6)

Paso.

Dinámica.

Timbre.

Ritmo.

Melodía.

Bien hecho. Conoces bien todas las definiciones. Centrémonos en estos medios de expresión musical a través de los cuales se lleva a cabo el desarrollo de la música.

Elaboremos un plan para interpretar la canción nosotros mismos, utilizando los medios de expresión musical.

Tres versos diferentes son como tres imágenes de un bosque invernal: tranquilo, emocionado y tranquilo nuevamente. El primer verso pinta el cuadro de un bosque tranquilo; el oso regresa tranquilamente a su guarida. Mismo calma debe haber el sonido de la música. Pero al final del primer verso hay un incidente: el oso pisó la cola del zorro. En la vida de los habitantes del bosque hay conmoción, ruido, estrépito. La música debería sonar de la misma manera: Rápido, emocionado, ruidoso. En el tercer verso, el oso subió a la guarida, se durmió y el bosque se volvió más tranquilo: música en este verso. actuó más tranquila y calmadamente, que en el primer verso.

Entonces tú y yo hemos elaborado un plan según el cual cantaremos, cambiando el carácter de la música. Este cambio se llama desarrollo ejecutivo.

Aprendiendo una canción. Trabajo vocal y coral sobre frases (versos).

Plan de Desarrollo Ejecutivo : (diapositiva número 11)

Verso 1 – calma
Verso 2 – emocionado
Versículo 3 – calma.

Interpretar la canción íntegramente en el personaje (de pie, con movimientos posibles).

Bien hecho. Hiciste lo mejor que pudiste.

Sí, muchachos, el compositor compuso la misma música en tres versos, pero su interpretación le introdujo desarrollo, movimiento y un cambio de carácter. Cantaste más fuerte, más bajo, más lento, más rápido, etc. Esta canción es un ejemplo brillante del desarrollo interpretativo de la música.

Continuando con el tema de la lección, rastrearemos cómo un compositor desarrolla la música en una gran obra musical, utilizando el ejemplo de conocimiento de la obra de E. Grieg.

E. Grieg es un compositor noruego. Retrato (diapositiva número 12)

– Mira la cara de este hombre. Qué ojos inteligentes, amables y brillantes, una sonrisa escondida en las comisuras de los labios. Por eso, la música de Grieg está impregnada de calidez, sinceridad, amor por su tierra natal, por su dura naturaleza. Después de todo, Noruega es un país del norte donde siempre hace frío, hay mucha nieve y el sol brilla poco.

Los compositores a menudo recurrían en su trabajo al arte popular oral: cuentos de hadas, epopeyas. Los cuentos de hadas son el origen de grandes obras musicales serias ("Sadko", "La Bella Durmiente", etc.).

La Suite Peer Gynt es una de estas fabulosas obras. (Diapositiva No....)

(Una suite es una obra musical formada por varias pinturas diferentes conectadas por una trama).

Escuchar la trama de una pieza musical.

Peer Gynt es el nombre del joven, protagonista principal de la suite. Deja su casa en un largo viaje con la esperanza de hacerse rico y encontrar la felicidad. Pero sólo encontró la felicidad y el amor después de regresar a su tierra natal. En sus viajes, Per conoce a varios héroes, entre ellos la bailarina oriental Anitra, gnomos y habitantes de las cavernas de cuentos de hadas: los trolls. Aquí hay un incidente de su viaje. El héroe se encuentra en una cueva de cuento de hadas. Acuéstate a descansar. Justo cuando estaba a punto de quedarse dormido, escuchó un ligero movimiento, un susurro silencioso. Los trolls empezaron a asomarse por las grietas, varios agujeros y baches, cada vez eran más, lo rodeaban por todos lados, y ahora empezaron a alinearse en columnas con gritos guerreros, apareció el rey de la montaña.

– Determina por la música si los trolls se han reunido para bien o para mal.

– Se sentaron como oyentes. ¿Quién de vosotros oye más cambios adivinará mejor la intención del compositor? (diapositiva número 13 cueva)

Creí cuando fui por primera vez.
En las oscuras profundidades de la tierra:
Espíritus de oscuridad allí, en las profundidades,
El secreto de los secretos me será revelado.

Escuchando el fragmento “En la Cueva del Rey Montaña”.

– ¿Qué imaginabas con esta música?

– ¿Qué cambió en la música? (tempo: el movimiento de lento a rápido se transmite perfectamente, dinámica: de silencioso a fuerte,

Introduzca la grabación de tonos dinámicos: forte (fuerte) y piano (silencioso).

f y p son matices contrastantes en el habla musical. (diapositiva número 14)

p f , ---------– intensificación gradual del sonido en crescendo.

Timbre - de tranquilo a excitado, carácter - de enojado a agresivo, la melodía se repitió - una técnica de repetición, pero de una forma diferente).

– ¿Qué evolución de la música has podido determinar?

(Dinámica: de silencioso a fuerte, el compositor dibuja trolls, su procesión: de lejos - cerca,
tempo: la velocidad de ejecución varió,
timbre: de sonidos suaves a claros, abruptos, duros, agudos).

Todo esto creó una imagen de maldad.

Escucha repetida del fragmento (posiblemente usando movimientos)

El desarrollo ha hecho que la música sea interesante, los acontecimientos cambian y la música nos habla de ello.

Usando el ejemplo de la obra de E. Grieg "En la cueva del rey de la montaña", vimos claramente que, utilizando diversas técnicas para desarrollar la música, el compositor creó una imagen vívida de la rápida danza de criaturas fabulosas. La obra se basa en un tema invariablemente recurrente, pero a lo largo del sonido de la música observamos con interés su desarrollo: el cambio de carácter de cauteloso, oculto a emocionado, excitado; un aumento gradual de la dinámica desde un piano apenas audible hasta un fuerte atronador; acelerando el ritmo, de lento a rápido.

La misteriosa procesión se convierte gradualmente en una danza salvaje de gnomos y trolls, los habitantes de la cueva de cuento de hadas.

No podríamos, por ejemplo, escuchar el final de "En la cueva del rey de la montaña" si esta música no tuviera entonaciones brillantes y memorables, si nada se desarrollara en ella, pero se repitiera lo mismo todo el tiempo. .

Reconocemos y recordamos la música fácilmente si se basa en entonaciones brillantes y memorables, nos interesa escuchar música, entonces nos cautiva, cuando hay un desarrollo interesante en él.

Calentamiento musical. (Danza de los patitos) (esta música también tiene cambios, es decir, desarrollo. 1 – la parte es rápida, fácil, alegre

2 – parte suave, lenta, tranquila

Para seguir dominando prácticamente los cambios en la música, sugiero tocar instrumentos musicales para niños. Pero primero, adivina la canción popular rusa por su melodía. (reproducir fragmento)

- ¡Bien! r.n.p. “Kalinká”.

Escuchamos e identificamos cambios.

Parte 1 (estribillo) – rápido, divertido, bailable….

Parte 2 (verso): lenta, suave, prolongada, más parecida a una canción….

Los chicos prestaron atención a los acentos de la música. Aplaudamos por separado sin música.

(para lograr la ejecución simultánea en la cuenta).

Reglas para tocar instrumentos:

– cómo sujetarlo correctamente;

– cómo producir sonido;

- cuándo jugar, en qué momento...

Juego en d.m.i. a la banda sonora (diapositiva número 15)

Análisis de la ejecución. ¿Qué pasó?

Bien hecho. Sentimos y transmitimos cambios en la música – contraste. La técnica del contraste es una técnica para desarrollar y cambiar la música.

Al final de la lección, interpretaremos una canción infantil familiar sobre la amistad (juego), con música que tenga desarrollo. (“Los hijos de toda la tierra son amigos”)

Repetir palabras de imágenes en la pizarra. (diapositiva número 16)

Concierto de carácter con cambio de género: el coro es danza, el verso es canción.

Resumen del tema de la lección.

Para resumir la lección, comprobando cómo domina un tema nuevo y complejo, le hago preguntas de control: ( diapositiva número 17)

– ¿Qué es el desarrollo? Di en una palabra...(cambiar)

- ¿Qué hemos aprendido hoy? (Determinar tipos de desarrollo)

– ¿Qué tipos de desarrollo y en qué obras o canciones u obras de teatro recuerdas? (Género – “Los niños de toda la Tierra son amigos”, tempo, dinámica – “En la cueva del rey de la montaña” de E. Grieg, interpretación – canción “Por qué el oso duerme en invierno” de L. Knipper, r.n.p. “Kalinka ”-tempo.

– ¿En las obras de qué compositor hubo un desarrollo sorprendente? (Grieg.) ¿Cómo se llamaba? (“En la Cueva del Rey de la Montaña”, dinámica, tempo)

Esto significa que la música se basa en la entonación y el desarrollo ( diapositiva número 18)

No hay música sin desarrollo

Tarea: – Te sugiero que hagas en casa algún dibujo de la obra que más te haya gustado para decorar la exposición de la siguiente lección.

Reflexión al final de la lección.

Levanten la mano en alto si………

– La lección fue interesante, aprendí muchas cosas nuevas.

Mano abajo si……..

- Todavía hay preguntas.

Gracias por su trabajo activo en clase. Calificación. Despedida musical.

Salida del aula para “Marcha” de T. Khrennikov.

Trimestre: III, semana 2.

Tema del trimestre: “Desarrollo de la música”.

Tema de la lección: “Tipos de desarrollo musical” (tempo, dinámica).

Objetivo: formar una comprensión de los distintos tipos de desarrollo musical.

– fomentar la motivación positiva en los estudiantes para percibir las obras de arte. Fomentar una cultura de escucha;
– dar el concepto de tempo y dinámica en la música, revelar el significado de forte y piano. Inculcar la capacidad de analizar una pieza musical;
– desarrollo de las capacidades creativas de los estudiantes, desarrollo de la entonación pura al cantar y del sentido del ritmo al tocar instrumentos musicales infantiles. Ampliar los horizontes musicales, desarrollar el pensamiento imaginativo de los estudiantes.

Tipo de lección: aprender material nuevo.

Forma de lección: conversación musical - razonamiento.

Configuración de lecciones profesionales:

– Tener en cuenta las peculiaridades de la percepción musical y psicológica de los niños pequeños al seleccionar la canción y el material musical adecuados;
– Involucrar a los estudiantes en diversos tipos de actividades musicales (forma colectiva - canto coral, escucha, ejecución de instrumentos musicales infantiles, actividad musical-rítmica, conversación frontal - musical - razonamiento, improvisación);

Despertar un fuerte interés entre los niños por la obra del compositor noruego E. Grieg escuchando un fragmento (“En la cueva del rey de la montaña”), así como interpretando obras musicales (“Los niños de toda la tierra son amigos, ” “¿Por qué el oso duerme en invierno”).

Esfuércese por comunicarse y colaborar con los estudiantes durante la lección.

Utilice equipo de reproducción de vídeo (proyector multimedia).

Equipo: grabadora, fonoteca, ilustraciones de canciones, términos musicales, retratos de compositores, instrumentos musicales para niños, sintetizador (piano) (proyector multimedia).

Material musical para la lección:

1. Marcha infantil. A. Serebrennikov – entrada al aula
2. saludo musical, conjunto de ejercicios vocales y corales.
3. Chicos diferentes. D. Kabalevsky - repetición de la canción
4. "¿Por qué duerme un oso en invierno?" L. Knipper – aprendiendo una canción
5. "En la Cueva del Rey de la Montaña". E. Grieg – escuchando un fragmento
6. "Kalinka". Canción popular rusa: tocar instrumentos musicales para niños.
7. "Los hijos de toda la tierra son amigos". D. Lvov-Kompaneets - interpretación de la canción.
8. “Marcha” de T. Khrennikov – saliendo del aula.

Org. momento

Entrada al aula de “Marcha” de A. Serebrennikov

Saludo musical.

durante las clases

1. Un minuto de notación musical.

2. Un conjunto de ejercicios vocales y corales.

A). ¿Cómo se llama el signo que nos revela la música? (violín, música llave)

b). ¿Cuántas notas hay en la música? (7) nombrarlos en orden.

V). Cantemos todos los sonidos, mostrando cada paso con las manos.

GRAMO). Recepción “eco” (hacer-re-hacer…….

d). Trabalenguas (dicción) – Andrey Sparrow...

mi). Trabaja en la respiración (inhalación silenciosa, exhalación lenta - estiramiento o varias exhalaciones cortas y abruptas): calentémonos las manos.

Repetición

Cantando “Diferentes chicos.

– La tocaré y recordaréis cómo es esta música, chicos (1-tranquilo, 2-inquieto)

Bien. Ahora hagámoslo: las niñas están tranquilas y los niños inquietos.

– ¿La música de este canto era igual o diferente?

– ¿Qué cambió en la música? (carácter, ritmo)

El cambio fue rítmico.

Cualquier cambio en la música se llama desarrollo.

Este es el tema de nuestra lección. (Diapositiva número 1)

“Desarrollo de la Música”

Hoy en la lección nos familiarizaremos con diferentes tipos de desarrollo musical.

Nuevo tema. Discurso de apertura del profesor.

Para comprender qué es el desarrollo de la música y qué tipos de desarrollo musical existen, es necesario escuchar atentamente la música y al profesor. (Diapositiva número 2)

Escucha el canto de los pájaros
Escucha la ola cantar
Como la lluvia golpeando tu ventana
La música se escucha en todas partes.

Son estas líneas del poema las que dicen: sería bueno que cada uno de ustedes fuera muy atento, muy sensible a la música.

La música es un arte que se revela al oyente en movimiento, gradualmente, paso a paso (sonido a sonido). Por lo tanto, no hay música sin desarrollo, incluso cuando se esfuerza por representar completa paz y quietud.

Pero, ¿observamos los cambios en la vida humana, en la naturaleza o simplemente a nuestro alrededor? (Sí)

– en la naturaleza: un grano brota, crece, cambia y se convierte en planta (diapositiva número 3)

– persona: el bebé crece, se desarrolla, se fortalece, se vuelve más inteligente, etc. ( diapositiva número 4)

El desarrollo es, ante todo, un cambio (diapositiva número 5) que ocurre constantemente y es observado por nosotros en la vida.

Si leemos (sin música) cualquier cuento de hadas, veremos que en él tienen lugar varios hechos, los personajes realizan diferentes acciones, su estado de ánimo cambia, entablan conversaciones amistosas entre ellos, luego discuten, etc. desarrollo.

Escuche una historia divertida y responda: ¿hay alguna novedad en ella? (diapositiva 7, 8, 9, 10)

Análisis por texto.

Sí. Hay desarrollo. Pero si tal desarrollo está en el texto del cuento de hadas, entonces también debe estar en la música.

La música cambia a través de los medios de expresión musical.

¿Qué medios de expresión musical conoces? ( diapositiva número 6)

Paso.

Dinámica.

Timbre.

Ritmo.

Melodía.

Bien hecho. Conoces bien todas las definiciones. Centrémonos en estos medios de expresión musical a través de los cuales se lleva a cabo el desarrollo de la música.

Elaboremos un plan para interpretar la canción nosotros mismos, utilizando los medios de expresión musical.

Tres versos diferentes son como tres imágenes de un bosque invernal: tranquilo, emocionado y tranquilo nuevamente. El primer verso pinta el cuadro de un bosque tranquilo; el oso regresa tranquilamente a su guarida. Mismo calma debe haber el sonido de la música. Pero al final del primer verso hay un incidente: el oso pisó la cola del zorro. En la vida de los habitantes del bosque hay conmoción, ruido, estrépito. La música debería sonar de la misma manera: Rápido, emocionado, ruidoso. En el tercer verso, el oso subió a la guarida, se durmió y el bosque se volvió más tranquilo: música en este verso. actuó más tranquila y calmadamente, que en el primer verso.

Entonces tú y yo hemos elaborado un plan según el cual cantaremos, cambiando el carácter de la música. Este cambio se llama desarrollo ejecutivo.

Aprendiendo una canción. Trabajo vocal y coral sobre frases (versos).

Plan de Desarrollo Ejecutivo : (diapositiva número 11)

Verso 1 – calma
Verso 2 – emocionado
Versículo 3 – calma.

Interpretar la canción íntegramente en el personaje (de pie, con movimientos posibles).

Bien hecho. Hiciste lo mejor que pudiste.

Sí, muchachos, el compositor compuso la misma música en tres versos, pero su interpretación le introdujo desarrollo, movimiento y un cambio de carácter. Cantaste más fuerte, más bajo, más lento, más rápido, etc. Esta canción es un ejemplo brillante del desarrollo interpretativo de la música.

Continuando con el tema de la lección, rastrearemos cómo un compositor desarrolla la música en una gran obra musical, utilizando el ejemplo de conocimiento de la obra de E. Grieg.

E. Grieg es un compositor noruego. Retrato (diapositiva número 12)

– Mira la cara de este hombre. Qué ojos inteligentes, amables y brillantes, una sonrisa escondida en las comisuras de los labios. Por eso, la música de Grieg está impregnada de calidez, sinceridad, amor por su tierra natal, por su dura naturaleza. Después de todo, Noruega es un país del norte donde siempre hace frío, hay mucha nieve y el sol brilla poco.

Los compositores a menudo recurrían en su trabajo al arte popular oral: cuentos de hadas, epopeyas. Los cuentos de hadas son el origen de grandes obras musicales serias ("Sadko", "La Bella Durmiente", etc.).

La Suite Peer Gynt es una de estas fabulosas obras. (Diapositiva No....)

(Una suite es una obra musical formada por varias pinturas diferentes conectadas por una trama).

Escuchar la trama de una pieza musical.

Peer Gynt es el nombre del joven, protagonista principal de la suite. Deja su casa en un largo viaje con la esperanza de hacerse rico y encontrar la felicidad. Pero sólo encontró la felicidad y el amor después de regresar a su tierra natal. En sus viajes, Per conoce a varios héroes, entre ellos la bailarina oriental Anitra, gnomos y habitantes de las cavernas de cuentos de hadas: los trolls. Aquí hay un incidente de su viaje. El héroe se encuentra en una cueva de cuento de hadas. Acuéstate a descansar. Justo cuando estaba a punto de quedarse dormido, escuchó un ligero movimiento, un susurro silencioso. Los trolls empezaron a asomarse por las grietas, varios agujeros y baches, cada vez eran más, lo rodeaban por todos lados, y ahora empezaron a alinearse en columnas con gritos guerreros, apareció el rey de la montaña.

– Determina por la música si los trolls se han reunido para bien o para mal.

– Se sentaron como oyentes. ¿Quién de vosotros oye más cambios adivinará mejor la intención del compositor? (diapositiva número 13 cueva)

Creí cuando fui por primera vez.
En las oscuras profundidades de la tierra:
Espíritus de oscuridad allí, en las profundidades,
El secreto de los secretos me será revelado.

Escuchando el fragmento “En la Cueva del Rey Montaña”.

– ¿Qué imaginabas con esta música?

– ¿Qué cambió en la música? (tempo: el movimiento de lento a rápido se transmite perfectamente, dinámica: de silencioso a fuerte,

Introduzca la grabación de tonos dinámicos: forte (fuerte) y piano (silencioso).

f y p son matices contrastantes en el habla musical. (diapositiva número 14)

p f , ---------– intensificación gradual del sonido en crescendo.

Timbre - de tranquilo a excitado, carácter - de enojado a agresivo, la melodía se repitió - una técnica de repetición, pero de una forma diferente).

– ¿Qué evolución de la música has podido determinar?

(Dinámica: de silencioso a fuerte, el compositor dibuja trolls, su procesión: de lejos - cerca,
tempo: la velocidad de ejecución varió,
timbre: de sonidos suaves a claros, abruptos, duros, agudos).

Todo esto creó una imagen de maldad.

Escucha repetida del fragmento (posiblemente usando movimientos)

El desarrollo ha hecho que la música sea interesante, los acontecimientos cambian y la música nos habla de ello.

Usando el ejemplo de la obra de E. Grieg "En la cueva del rey de la montaña", vimos claramente que, utilizando diversas técnicas para desarrollar la música, el compositor creó una imagen vívida de la rápida danza de criaturas fabulosas. La obra se basa en un tema invariablemente recurrente, pero a lo largo del sonido de la música observamos con interés su desarrollo: el cambio de carácter de cauteloso, oculto a emocionado, excitado; un aumento gradual de la dinámica desde un piano apenas audible hasta un fuerte atronador; acelerando el ritmo, de lento a rápido.

La misteriosa procesión se convierte gradualmente en una danza salvaje de gnomos y trolls, los habitantes de la cueva de cuento de hadas.

No podríamos, por ejemplo, escuchar el final de "En la cueva del rey de la montaña" si esta música no tuviera entonaciones brillantes y memorables, si nada se desarrollara en ella, pero se repitiera lo mismo todo el tiempo. .

Reconocemos y recordamos la música fácilmente si se basa en entonaciones brillantes y memorables, nos interesa escuchar música, entonces nos cautiva, cuando hay un desarrollo interesante en él.

Calentamiento musical. (Danza de los patitos) (esta música también tiene cambios, es decir, desarrollo. 1 – la parte es rápida, fácil, alegre

2 – parte suave, lenta, tranquila

Para seguir dominando prácticamente los cambios en la música, sugiero tocar instrumentos musicales para niños. Pero primero, adivina la canción popular rusa por su melodía. (reproducir fragmento)

- ¡Bien! r.n.p. “Kalinká”.

Escuchamos e identificamos cambios.

Parte 1 (estribillo) – rápido, divertido, bailable….

Parte 2 (verso): lenta, suave, prolongada, más parecida a una canción….

Los chicos prestaron atención a los acentos de la música. Aplaudamos por separado sin música.

(para lograr la ejecución simultánea en la cuenta).

Reglas para tocar instrumentos:

– cómo sujetarlo correctamente;

– cómo producir sonido;

- cuándo jugar, en qué momento...

Juego en d.m.i. a la banda sonora (diapositiva número 15)

Análisis de la ejecución. ¿Qué pasó?

Bien hecho. Sentimos y transmitimos cambios en la música – contraste. La técnica del contraste es una técnica para desarrollar y cambiar la música.

Al final de la lección, interpretaremos una canción infantil familiar sobre la amistad (juego), con música que tenga desarrollo. (“Los hijos de toda la tierra son amigos”)

Repetir palabras de imágenes en la pizarra. (diapositiva número 16)

Concierto de carácter con cambio de género: el coro es danza, el verso es canción.

Resumen del tema de la lección.

Para resumir la lección, comprobando cómo domina un tema nuevo y complejo, le hago preguntas de control: ( diapositiva número 17)

– ¿Qué es el desarrollo? Di en una palabra...(cambiar)

- ¿Qué hemos aprendido hoy? (Determinar tipos de desarrollo)

– ¿Qué tipos de desarrollo y en qué obras o canciones u obras de teatro recuerdas? (Género – “Los niños de toda la Tierra son amigos”, tempo, dinámica – “En la cueva del rey de la montaña” de E. Grieg, interpretación – canción “Por qué el oso duerme en invierno” de L. Knipper, r.n.p. “Kalinka ”-tempo.

– ¿En las obras de qué compositor hubo un desarrollo sorprendente? (Grieg.) ¿Cómo se llamaba? (“En la Cueva del Rey de la Montaña”, dinámica, tempo)

Esto significa que la música se basa en la entonación y el desarrollo ( diapositiva número 18)

No hay música sin desarrollo

Tarea: – Te sugiero que hagas en casa algún dibujo de la obra que más te haya gustado para decorar la exposición de la siguiente lección.

Reflexión al final de la lección.

Levanten la mano en alto si………

– La lección fue interesante, aprendí muchas cosas nuevas.

Mano abajo si……..

- Todavía hay preguntas.

Gracias por su trabajo activo en clase. Calificación. Despedida musical.

Salida del aula para “Marcha” de T. Khrennikov.

musica prehistorica

Prehistórica, o primitiva, es el nombre que se le da a una tradición musical oral.

El término "prehistórico" se aplica generalmente a la tradición musical de los antiguos pueblos europeos, y en relación con la música de representantes de otros continentes, se utilizan otros términos: folklore, tradicional, popular.

Los primeros sonidos musicales son la imitación humana de las voces de animales y pájaros durante la caza. Y el primer instrumento musical de la historia es la voz humana. Con la fuerza de las cuerdas vocales, una persona ya podía reproducir magistralmente sonidos en una amplia gama: desde el canto de pájaros exóticos y el chirrido de insectos hasta el rugido de un animal salvaje.

El primer instrumento musical prehistórico cuya existencia está confirmada oficialmente por los arqueólogos es la flauta. En su forma primitiva era un silbato. El silbato adquirió agujeros para los dedos y se convirtió en un instrumento musical de pleno derecho, que poco a poco fue mejorando hasta adquirir la forma de una flauta moderna. Se descubrieron prototipos de flauta durante excavaciones en el suroeste de Alemania, que datan del período 35-40 mil años antes de Cristo.

Música del mundo antiguo.

La era prehistórica termina con la transición a una tradición musical escrita.

La canción más antigua conocida grabada en una tablilla cuneiforme se encontró en las excavaciones de Nippur y data del año 2000 a.C. mi. La tablilla fue descifrada por el profesor A. D. Kilmer de la Universidad de Berkeley, y también se demostró que estaba compuesta en tercios y utilizaba la escala pitagórica.

Trompetas dobles, como las que usaban, por ejemplo, los antiguos griegos, y gaitas antiguas, así como una revisión de dibujos antiguos en jarrones y paredes, y escrituras antiguas (ver, por ejemplo, Los Problemas de Aristóteles, Libro XIX.12) , que describe las técnicas musicales de esa época apuntan a la polifonía. Un tubo en el aulos probablemente sirvió de fondo, mientras que el otro tocaba pasajes melódicos. En la civilización del valle del Indo se han encontrado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda.

Se pueden encontrar menciones de la música clásica india (marga) en las escrituras sagradas Vedas. El Sama Veda, uno de los cuatro Vedas, describe la música en detalle. La historia de la música en Irán (Persia) se remonta a la era prehistórica. Al legendario gran rey Jamshid se le atribuye la invención de la música. La música en Irán se remonta a los días del Imperio Elamita (2500-644 a. C.). Documentos fragmentarios de distintos períodos de la historia del país muestran que los antiguos persas tenían una extensa cultura musical. El período sasánida (226-651 d.C.), en particular, nos dejó amplia evidencia que indica la presencia de una vibrante vida musical en Persia. Se conservan los nombres de algunos músicos importantes, como Barbod, Nakissa y Ramtin, así como los títulos de algunas de sus obras.

En las paredes de las pirámides, en papiros antiguos, en las colecciones "Textos de las Pirámides" y "Libro de los Muertos", hay líneas de himnos religiosos. “Pasión” y “misterio” se encuentran. Una trama popular era la “pasión” de Osiris, que moría y resucita cada año, así como las canciones de lamento de las mujeres por el muerto Osiris. La interpretación de canciones podría ir acompañada de escenas dramáticas.

Los instrumentos musicales más antiguos de los egipcios eran el arpa y la flauta. Durante el Imperio Nuevo, los egipcios tocaban campanas, panderetas, tambores y liras importadas de Asia. Los ricos celebraron recepciones invitando a músicos profesionales.

Se cree que fue en la Antigua Grecia donde la música alcanzó su mayor florecimiento en la cultura del Mundo Antiguo. La palabra "música" en sí es de origen griego antiguo. En la antigua Grecia se observó por primera vez una conexión natural entre el tono y el número, cuyo descubrimiento la tradición atribuye a Pitágoras.

El crecimiento de las ciudades, que acogieron grandes fiestas religiosas y civiles, propició el desarrollo del canto coral con acompañamiento de un instrumento de viento. Junto con los aulos, se empezó a utilizar el tubo de metal. Las guerras constantes estimularon el desarrollo de la música militar. Al mismo tiempo, también se desarrolló la poesía lírica, que se cantaba con acompañamiento de instrumentos musicales. Entre los compositores famosos se encuentran Alcaeus, Archilochus y Safo.

El poeta y músico Píndaro se convirtió en un clásico del lirismo coral, autor de himnos, odas de bebida y victoria, que se distinguen por una variedad de formas, riqueza y ritmos caprichosos. Sobre la base de los himnos de Píndaro, se desarrollaron ditirambos, interpretados en festivales dionisíacos (alrededor del 600 a. C.).

La música era una parte integral de las representaciones teatrales. La tragedia combinó teatro, danza y música. Los autores de tragedias: Esquilo, Sófocles, Eurípides, como los antiguos poetas líricos griegos, también fueron creadores de música. A medida que se desarrolló la tragedia, se introdujeron las partes musicales de las luminarias y actores.

Eurípides en sus obras limitó la introducción de partes corales, centrándose principalmente en las partes solistas de actores y luminarias, siguiendo el modelo del llamado nuevo ditirambo, que se distinguía por una gran individualización, emotividad y un carácter móvil y virtuoso.

Los creadores del estilo del nuevo ditirambo fueron Filoxeno de Citera y Timoteo de Mileto. Los autores de las comedias griegas antiguas a menudo utilizaban cítaras de varias cuerdas para acompañar los textos literarios e introducían melodías de canciones populares en la interpretación.

Música de la Edad Media

La música de la Edad Media es un período de desarrollo de la cultura musical, que abarca un período de tiempo comprendido aproximadamente entre los siglos V y XIV d.C.

Europa

Durante la Edad Media, surgió en Europa un nuevo tipo de cultura musical: la feudal, que combinaba el arte profesional, la creación musical amateur y el folclore.

Dado que la iglesia domina en todos los ámbitos de la vida espiritual, la base del arte musical profesional es la actividad de los músicos en iglesias y monasterios.

El arte profesional secular estuvo inicialmente representado únicamente por cantantes que creaban y representaban cuentos épicos en la corte, en las casas de la nobleza, entre los guerreros, etc. (bardos, escaldos, etc.).

Con el tiempo, se desarrollaron formas amateurs y semiprofesionales de composición musical de caballería: en Francia, el arte de los trovadores y trouvères (Adam de la Halle, siglo XIII), en Alemania, los minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Siglos XII-XIII), así como artesanos urbanos. En los castillos y ciudades feudales se cultivan todo tipo de canciones, géneros y formas de canciones (épica, “alba”, rondó, le, virele, baladas, canzones, laudas, etc.).

Nuevos instrumentos musicales están apareciendo en la vida cotidiana, incluidos los que vinieron de Oriente (viola, laúd, etc.), y están surgiendo conjuntos (de composición inestable). El folclore florece entre los campesinos. También hay "profesionales populares": narradores, artistas sintéticos itinerantes (malabaristas, mimos, juglares, shpilmans, bufones).

La consolidación, preservación y difusión de tradiciones y estándares (pero también su actualización gradual) se vio facilitada por la transición de los neumas, que indicaban sólo aproximadamente la naturaleza del movimiento melódico, a la notación lineal (Guido d'Arezzo, siglo XI), que hizo posible registrar con precisión el tono de los tonos y luego su duración.

En Europa occidental desde los siglos VI-VII. Estaba surgiendo un sistema estrictamente regulado de música religiosa univocal (monódica) basado en modos diatónicos (canto gregoriano), que combinaba recitación (salmodia) y canto (himnos).

A principios del primer y segundo milenio, la polifonía comenzó a surgir. Se están formando nuevos géneros vocales (corales) y vocales-instrumentales (coro y órgano): organum, motete, dirección y luego misa. En Francia, en el siglo XII, se formó la primera escuela de compositores (creativos) en la catedral de Notre Dame (Leonin, Perotin).

A principios del Renacimiento (estilo ars nova en Francia e Italia, siglo XIV) en la música profesional, la monofonía es reemplazada por la polifonía, la música comienza a liberarse gradualmente de funciones puramente prácticas (servicio de los ritos de la iglesia), la importancia de los géneros seculares. , incluidas las canciones, aumenta en él (Guillaume de Masho).

Europa del Este y Asia

En Europa del Este y Transcaucasia (Armenia, Georgia) se están desarrollando sus propias culturas musicales con sistemas independientes de modos, géneros y formas.

En Bizancio, Bulgaria, Kievan Rus y más tarde Novgorod, floreció el canto de culto Znamenny (canto Znamenny), basado en un sistema de voces diatónicas, limitado únicamente a géneros puramente vocales (troparia, stichera, himnos, etc.) y utilizando un sistema especial. de notación (ganchos).

Al mismo tiempo, en Oriente (califato árabe, países de Asia Central, Irán, India, China, Japón) se estaba formando una cultura musical feudal de un tipo especial. Sus signos son la amplia difusión del profesionalismo secular (tanto cortesano como popular), la adquisición de un carácter virtuoso, la limitación de la tradición oral y las formas monódicas (melodía sin acompañamiento), que, sin embargo, alcanzan una gran sofisticación en términos de melodía y ritmo, la creación. de sistemas nacionales e internacionales muy estables de pensamiento musical que combinan tipos de modos, géneros, entonación y estructuras compositivas estrictamente definidos (mughams, maqams, ragas, etc.).

musica renacentista

La música renacentista es un período en el desarrollo de la música europea entre aproximadamente 1400 y 1600.

Música del Renacimiento (1534-1600)

En Venecia, desde aproximadamente 1534 hasta aproximadamente 1600, hay un impresionante policoral con un estilo desarrollado que dio a Europa algunas de las melodías más grandes y sonoras hasta ese momento, con varios coros de cantantes, metales y cuerdas en diversas ubicaciones espaciales del Basílica de San Marco Di Venezia (escuela veneciana).

La Escuela Romana fue un grupo de compositores principalmente de música religiosa en Roma, que abarca las épocas del Renacimiento tardío y del Barroco temprano. El compositor más famoso de las escuelas romanas fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo nombre se asocia desde hace cuatrocientos años con la perfección polifónica suave, clara.

El madrigal alcanzó un breve pero intenso florecimiento musical en Inglaterra, principalmente entre 1588 y 1627, así como los compositores que lo dieron origen. Los madrigales ingleses son a capella, predominantemente en luz y estilo, y en general, comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría de ellos obtuvo de tres a seis votos.

Musica reservata es un estilo o práctica de interpretación a capella de música vocal, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que incluye el refinamiento y la intensa expresión emocional de los textos cantados.

Además, muchos compositores demostraron una división en sus obras entre Prima Pratica (música en el estilo polifónico del Renacimiento) y Seconda Pratica (música en el nuevo estilo) durante la primera mitad del siglo XVII.

musica barroca

La música barroca es un período en el desarrollo de la música clásica europea entre aproximadamente 1600 y 1750.

La música barroca apareció a finales del Renacimiento y precedió a la música de la época clásica.

Las técnicas de composición e interpretación del período barroco se convirtieron en una parte integral y significativa del canon musical clásico.

Conceptos como la teoría musical, la tonalidad diatónica y el contrapunto imitativo han recibido un fuerte desarrollo. La ornamentación musical se volvió muy sofisticada, la notación musical cambió mucho y se desarrollaron formas de tocar instrumentos. Se amplió la gama de géneros, aumentó la complejidad de la interpretación de obras musicales y apareció un tipo de composición como la ópera. En la actualidad todavía se utilizan una gran cantidad de términos y conceptos musicales de la época barroca.

La época barroca vio el nacimiento de obras tan brillantes como las fugas de Johann Sebastian Bach, el coro Aleluya del oratorio Mesías de George Frideric Handel, Las Estaciones de Antonio Vivaldi y Las Tardes de Claudio Monteverdi.

La creación por parte del compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) de su estilo recitativo y el desarrollo constante de la ópera italiana pueden considerarse el punto de transición convencional entre las épocas del Barroco y el Renacimiento. El inicio de las representaciones de ópera en Roma y especialmente en Venecia supuso ya el reconocimiento y la difusión del nuevo género por todo el país.

Los compositores del Renacimiento prestaron atención a la elaboración de cada parte de una obra musical, sin prestar prácticamente atención a la comparación de estas partes. Por separado, cada parte podía sonar excelente, pero el resultado armonioso de la adición fue más una cuestión de casualidad que de regularidad.

La aparición del bajo figurado indicó un cambio significativo en el pensamiento musical, es decir, que la armonía, que es "la unión de partes en un todo", era tan importante como las partes melódicas de la polifonía mismas. Cada vez más, la polifonía y la armonía parecían dos caras de la misma idea de componer música eufónica: al componer, se prestaba la misma atención a las secuencias armónicas que a los tritonos para crear disonancia.

Italia se convierte en el centro del nuevo estilo. El papado, aunque atrapado en la lucha contra la Reforma, pero poseyendo enormes recursos financieros repuestos por las campañas militares de los Habsburgo, buscó oportunidades para difundir la fe católica mediante la expansión de la influencia cultural.

Uno de los centros importantes del arte musical fue Venecia, que en ese momento estaba bajo el patrocinio tanto secular como eclesiástico.

Barroco temprano

Una figura significativa del período barroco temprano, cuya posición estaba del lado del catolicismo, oponiéndose a la creciente influencia ideológica, cultural y social del protestantismo, fue Giovanni Gabrieli. Sus obras pertenecen al estilo “Alto Renacimiento” (el apogeo del Renacimiento). Sin embargo, algunas de sus innovaciones en el campo de la instrumentación (asignar tareas propias y específicas a un determinado instrumento) indican claramente que fue uno de los compositores que influyó en el surgimiento de un nuevo estilo.

Uno de los requisitos impuestos por la iglesia a la composición de música sacra era que los textos de las obras vocales fueran legibles. Esto requirió un alejamiento de la polifonía hacia técnicas musicales donde las palabras pasaban a primer plano. Las voces se volvieron más complejas y floridas en comparación con el acompañamiento. Así se desarrolló la homofonía.

Monteverdi se convirtió en el más destacado de una generación de compositores que percibieron la importancia de estos cambios para la música secular. En 1607, su ópera Orfeo se convirtió en un hito en la historia de la música, demostrando muchas de las técnicas que más tarde se asociaron con la nueva escuela de composición llamada seconda pratica, en contraposición a la vieja escuela o prima pratica. Monteverdi, que compuso motetes de alta calidad al estilo antiguo, que fueron un desarrollo de las ideas de Luca Marenzio y Giaches de Wert, fue un maestro de ambas escuelas. Pero fueron las obras que escribió en el nuevo estilo las que descubrieron muchas técnicas que eran reconocibles incluso en la época del Barroco tardío.

El compositor alemán Heinrich Schütz (1585-1672), que estudió en Venecia, hizo una gran contribución a la difusión de nuevas técnicas. Utilizó nuevas técnicas en sus obras mientras se desempeñaba como director de coro en Dresde.

Música del Barroco maduro (1654-1707)

El barroco maduro se diferencia del barroco temprano en la amplia difusión del nuevo estilo y en la mayor separación de formas musicales, especialmente en la ópera. Al igual que en la literatura, la capacidad de transmitir obras musicales ha llevado a una audiencia más amplia; Se intensificó el intercambio entre centros de cultura musical.

En teoría musical, el barroco maduro se define por el enfoque de los compositores en la armonía y los intentos de crear sistemas coherentes de instrucción musical. En los años siguientes, esto provocó la aparición de numerosos trabajos teóricos. Un ejemplo notable de tal actividad es la obra del período barroco tardío: "Gradus ad Parnassum" (en ruso: Pasos al Parnassus), publicada en 1725 por Johann Joseph Fux (1660-1741), un teórico y compositor austríaco. Esta obra, que sistematizó la teoría del contrapunto, fue la herramienta más importante para el estudio del contrapunto casi hasta finales del siglo XIX.

Un destacado representante de los compositores de la corte de Luis XIV fue Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Ya a la edad de 21 años recibió el título de “compositor de música instrumental de la corte”. La obra creativa de Lully estuvo estrechamente relacionada con el teatro desde el principio. Tras la organización de la música de cámara de la corte y la composición de “airs de cour”, comenzó a escribir música de ballet. El propio Luis XIV bailaba ballets, que entonces eran el entretenimiento favorito de la nobleza de la corte. Lully era una excelente bailarina. Tuvo la oportunidad de participar en producciones, bailando con el rey. Es conocido por su colaboración con Moliere, para cuyas obras escribió música. Pero lo principal en la obra de Lully seguía siendo escribir óperas. Sorprendentemente, Lully creó un tipo completo de ópera francesa; la llamada tragedia lírica en Francia (tragedie lyrique francesa), y alcanzó una indudable madurez creativa en los primeros años de su trabajo en la ópera. Un elemento integral de su trabajo fue la atención a la armonía y al instrumento solista.

El compositor y violinista Arcangelo Corelli (1653-1713) es famoso por su trabajo sobre el desarrollo del género del concerto grosso. Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar e interpretar sus obras en toda Europa. Al igual que las obras operísticas de Lully, el género del concierto grosso se basa en fuertes contrastes; Los instrumentos se dividen en los que participan en el sonido de una orquesta completa y en un grupo solista más pequeño. La música se basa en transiciones bruscas de partes ruidosas a partes tranquilas, los pasajes rápidos se contrastan con los lentos. Entre sus seguidores se encontraba Antonio Vivaldi, quien más tarde compuso cientos de obras basadas en las formas favoritas de Corelli: trío sonatas y conciertos.

En Inglaterra, el Barroco maduro estuvo marcado por el brillante genio de Henry Purcell (1659-1695). Murió joven, a la edad de 36 años, habiendo escrito un gran número de obras y siendo ampliamente conocido durante su vida. Purcell trabajó en una amplia gama de géneros; desde simples himnos religiosos hasta música de marcha, desde obras vocales de gran formato hasta música escénica. Su catálogo contiene más de 800 obras. Purcell se convirtió en uno de los primeros compositores de música para teclado, cuya influencia se extiende hasta los tiempos modernos.

A diferencia de los compositores antes mencionados, Dietrich Buxtehude (1637-1707) no fue un compositor de la corte. Buxtehude trabajó como organista, primero en Helsingborg (1657-1658), luego en Elsinore (1660-1668) y luego, a partir de 1668, en la iglesia de St. María en Lübeck. No ganó dinero publicando sus obras, sino interpretándolas, y prefirió componer música basada en textos de la iglesia e interpretar sus propias obras para órgano bajo el patrocinio de la nobleza. Lamentablemente, no todas las obras de este compositor han sobrevivido. La música de Buxtehude se basa en gran medida en la escala de sus planes, la riqueza y la libertad de la imaginación, una inclinación por el patetismo, el drama y una entonación algo oratoria. Su obra tuvo una fuerte influencia en compositores como J. S. Bach y Telemann.

Música del Barroco tardío (1707-1760)

La línea precisa entre el barroco maduro y el tardío es un tema de debate; se encuentra en algún lugar entre 1680 y 1720.

Un hito importante puede considerarse la primacía casi absoluta de la tonalidad como principio estructurante de la composición musical. Esto es especialmente notable en las obras teóricas de Jean Philippe Rameau, quien reemplazó a Lully como principal compositor francés. Al mismo tiempo, con la aparición de las obras de Fuchs, la polifonía renacentista sentó las bases para el estudio del contrapunto. La combinación del contrapunto modal con la lógica tonal de las cadencias creó la sensación de que hay dos estilos de composición en la música: homofónico y polifónico, con técnicas de imitación y contrapunto.

Las formas descubiertas por el período anterior alcanzaron madurez y gran variabilidad; concierto, suite, sonata, concerto grosso, oratorio, ópera y ballet ya no tenían características nacionales claramente definidas. Los patrones de obras generalmente aceptados se encuentran en todas partes: la forma repetida de dos partes (AABB), la forma simple de tres partes (ABC) y el rondó.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - compositor italiano, nacido en Venecia. En 1703 fue ordenado sacerdote católico. El primero de diciembre del mismo año, se convirtió en maestro de violín en el orfanato veneciano "Pio Ospedale della Pieta" para niñas. La fama de Vivaldi no provino de sus conciertos ni de sus conexiones en la corte, sino de la publicación de sus obras, que incluían sus sonatas en trío, sonatas para violín y conciertos. Fueron publicados en Amsterdam y distribuidos ampliamente por toda Europa. Fue a estos géneros instrumentales, en ese momento todavía en desarrollo (sonata barroca y concierto barroco), a los que Vivaldi hizo su contribución más significativa. La música de Vivaldi se caracteriza por ciertas técnicas: una forma cíclica de tres partes para el concerto grosso y el uso del ritornello en movimientos rápidos. Vivaldi compuso más de 500 conciertos. También puso títulos programáticos a algunas de sus obras, como las famosas "Estaciones". La carrera de Vivaldi muestra una mayor oportunidad para que el compositor exista de forma independiente: de los ingresos de las actividades de concierto y de la publicación de sus obras.

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue uno de los principales compositores e intérpretes para teclados de su tiempo. Inició su carrera como compositor de la corte; primero en Portugal, y desde 1733 en Madrid, donde pasó el resto de su vida. Su padre, Alessandro Scarlatti, es considerado el fundador de la escuela de ópera napolitana. Domenico también compuso óperas y música religiosa, pero su fama (después de su muerte) estuvo asegurada por sus obras para teclados. Escribió algunas de estas obras para su propio placer y otras para sus nobles clientes.

Pero quizás el compositor de la corte más famoso fue George Frideric Handel (1685-1759). Nació en Alemania, estudió durante tres años en Italia, pero en 1711 abandonó Londres, donde comenzó su brillante y comercialmente exitosa carrera como compositor de ópera independiente, cumpliendo encargos para la nobleza. Poseedor de una energía incansable, Handel reelaboró ​​el material de otros compositores y reelaboró ​​constantemente sus propias composiciones. Por ejemplo, es conocido por reelaborar tantas veces el famoso oratorio "Mesías" que ahora no existe ninguna versión que pueda llamarse "auténtica". Aunque su fortuna financiera tuvo altibajos, su fama creció gracias a las obras publicadas para teclados, música ceremonial, óperas, concerto grossos y oratorios. Después de su muerte, fue reconocido como un destacado compositor europeo y fue estudiado por músicos de la época clásica. Handel mezcló las ricas tradiciones de improvisación y contrapunto en su música. El arte de la decoración musical alcanzó en sus obras un altísimo nivel de desarrollo. Viajó por toda Europa para estudiar la música de otros compositores y, por tanto, tenía un círculo de amistades muy amplio entre compositores de otros estilos.

Entre los compositores de Francia destaca Otteter, autor del famoso tratado sobre tocar la flauta (1707), un tratado sobre improvisación (1719) y un manual para tocar la musette (1737), excelente flautista. Las obras más famosas de Otteter son suites para flauta y bajo, piezas para flauta solista y dos flautas, sonatas en trío.

En 1802, Johann Nikolai Forkel publicó la primera biografía más completa de Johann Sebastian Bach. En 1829, Felix Mendelssohn interpretó la Pasión según San Mateo de Bach en Berlín. El éxito de este concierto despertó un enorme interés por la música de Bach en Alemania y luego en toda Europa.

Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania. Durante su vida compuso más de 1.000 obras de diversos géneros, excepto ópera. Pero durante su vida no logró ningún éxito significativo. Tras mudarse muchas veces, Bach fue reemplazando un puesto no muy alto tras otro: en Weimar fue músico de la corte del duque de Weimar Johann Ernst y luego se convirtió en cuidador del órgano de la iglesia de San Petersburgo. Bonifacio en Arnstadt, unos años más tarde aceptó el puesto de organista en la iglesia de St. Blasius en Mühlhausen, donde trabajó sólo aproximadamente un año, tras lo cual regresó a Weimar, donde ocupó el puesto de organista de la corte y organizador de conciertos. Permaneció en este cargo durante nueve años. En 1717, Leopoldo, duque de Anhalt-Köthen, contrató a Bach como director de banda y Bach comenzó a vivir y trabajar en Köthen. En 1723 Bach se trasladó a Leipzig, donde permaneció hasta su muerte en 1750. En los últimos años de su vida y tras la muerte de Bach, su fama como compositor comenzó a decaer: su estilo se consideraba anticuado en comparación con el floreciente clasicismo. Era más conocido y recordado como intérprete, profesor y padre de los Bach más jóvenes, especialmente de Carl Philipp Emmanuel, cuya música era más famosa.

Sólo la interpretación de la Pasión según San Mateo de Mendelssohn, 79 años después de la muerte de J. S. Bach, reavivó el interés por su obra. Ahora J. S. Bach es uno de los compositores más populares de todos los tiempos (por ejemplo, en la votación "Mejor Compositor del Milenio" realizada en Cultureciosque.com, Bach ocupó el primer lugar).

Otros compositores destacados del barroco tardío: Georg Philipp Telemann (1681-1767) y Jean Philippe Rameau (1683-1764).

Música del periodo clásico.

Música del período clásico: un período en el desarrollo de la música europea aproximadamente entre 1730 y 1820

El concepto de clasicismo en la música está firmemente asociado con la obra de Haydn, Mozart y Beethoven, llamados los clásicos vieneses y que determinaron la dirección del desarrollo posterior de la composición musical.

Fue durante este período que finalmente se formó la forma sonata, basada en el desarrollo y oposición de dos temas contrastantes, y se determinó la composición clásica de los movimientos sonata y sinfónicos.

Durante el clasicismo apareció un cuarteto de cuerda formado por dos violines, una viola y un violonchelo, y la composición de la orquesta se amplió significativamente.

Romanticismo

Romanticismo: el período de desarrollo de la música desde 1820 hasta principios del siglo XX.

El romanticismo es un movimiento ideológico y artístico en la cultura europea y americana de finales del siglo XVIII y la primera mitad del XIX.

En la música, el romanticismo surgió en la década de 1820. y mantuvo su importancia hasta principios del siglo XX. El principio rector del romanticismo es el marcado contraste entre la vida cotidiana y los sueños, la existencia cotidiana y el mundo ideal más elevado creado por la imaginación creativa del artista.

Inicialmente, el romanticismo actuó como un oponente de principios del clasicismo. El arte de la Edad Media y de países lejanos y exóticos se oponía al ideal antiguo. El romanticismo descubrió los tesoros del arte popular: canciones, cuentos, leyendas. Sin embargo, la oposición del romanticismo al clasicismo sigue siendo relativa, ya que los románticos adoptaron y desarrollaron aún más los logros de los clásicos. Muchos compositores estuvieron muy influenciados por la obra del último clásico vienés: L. Beethoven.

Los principios del romanticismo fueron afirmados por destacados compositores de diferentes países. Se trata de K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin, F. Schubert F. Liszt. R. Wagner G. Verdi

Para un músico romántico, el proceso es más importante que el resultado, más importante que el logro. Por un lado, gravitan hacia las miniaturas, que a menudo incluyen en un ciclo de otras obras, normalmente diferentes; por otro lado, afirman composiciones libres, en el espíritu de los poemas románticos. Fueron los románticos quienes desarrollaron un nuevo género: el poema sinfónico. La contribución de los compositores románticos al desarrollo de la sinfonía, la ópera y el ballet fue enorme.

Entre los compositores de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX, en cuya obra las tradiciones románticas contribuyeron al establecimiento de ideas humanistas, se encuentran J. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, E. Grieg, B. Smetana, A. Dvorak y otros.

En Rusia, casi todos los grandes maestros de la música clásica rusa rindieron homenaje al romanticismo. El papel de la cosmovisión romántica en las obras del fundador de los clásicos musicales rusos M.I. Glinka, especialmente en su ópera "Ruslan y Lyudmila", es excelente.

En la obra de sus grandes sucesores, de orientación realista general, el papel de los motivos románticos fue significativo. Se reflejaron en una serie de óperas fantásticas y de cuentos de hadas de N. A. Rimsky-Korsakov, en los poemas sinfónicos de P. I. Tchaikovsky y los compositores de "Mighty Handful".

El elemento romántico impregna las obras de A. N. Scriabin y S. V. Rachmaninov.

musica del siglo 20

La música del siglo XX es una designación general para un grupo de movimientos artísticos de finales del siglo XIX y principios. siglo XX, en particular el Modernismo, que se erige bajo el lema de modernidad e innovación. Estos movimientos también incluyen el Expresionismo, el Constructivismo, el Neoclasicismo, así como la Dodecafonía, la música electrónica, etc.

Modernismo

La música en el periodo 1910 - 1960.

El siglo XX es una época en la que la tecnología cambió el mundo. La música, como parte integral de la vida humana, también ha sufrido cambios globales. Los compositores cambiaron muchas de las reglas musicales del pasado y encontraron temas nuevos y audaces y nuevas formas de expresarlos.

Una de las figuras importantes que cambió la música en la primera mitad del siglo fue Arnold Schoenberg, un compositor, director y musicólogo austriaco y luego estadounidense. El grupo de músicos que dirigía decidió que la música tonal (la construcción lógica de acordes proporcionales) se había agotado y propuso la llamada música atonal y un sistema de composición de 12 tonos (conocido como “dodecafonía” o “técnica serial”). Esa música dejó de ser melódica y armoniosa; no todos los compositores aceptaron sus ideas.

Expresionismo

Expresionismo: formado en la primera década del siglo XX.

El expresionismo en la música se formó en la primera década del siglo XX; Varios de sus elementos aparecieron en las últimas obras de G. Mahler ("Canción de la Tierra", 1908; novena, 1909 y décima sinfonía inacabada) y óperas. R. Strauss ("Salomé", 1905; "Electra", 1908).

Sin embargo, en mayor medida se asocia con la obra de los llamados compositores. la nueva escuela vienesa: A. Schoenberg (director de la escuela), A. Berg y A. Webern. Schoenberg, que comenzó su carrera con obras cercanas al romanticismo tardío, llegó a rechazar los ideales románticos, que fueron reemplazados por estados de ánimo de ansiedad inexplicable, miedo a la realidad, pesimismo y escepticismo.

Los compositores de este movimiento desarrollaron una variedad de medios especiales de expresión musical; abandonaron la melodía amplia y melodiosa y las bases tonales claras; el principio de atonalidad contribuyó a la expresión de estados mentales inestables y de una ansiedad vaga e inexplicable.

Muchas obras se distinguen por el laconismo, dando sólo indicios de alguna imagen o experiencia emocional (en el ciclo de Webern "5 piezas para orquesta", 1910, algunas partes duran menos de 1 minuto)

Las obras escritas en técnica dodecafónica se basan en varios tipos de repeticiones de las llamadas. serie, que, según los representantes de esta escuela, es el desarrollo de los principios de la música formativa del barroco y del clasicismo temprano. Uno de los primeros ejemplos típicos es el monodrama "Esperando" de Schoenberg (1909).

En la obra de Webern, E. renace en una formación estilística diferente, donde domina el principio constructivo abstracto-racionalista. Por tanto, fue Webern quien fue reconocido como el fundador del vanguardismo musical de posguerra.

Música atonal (del griego a - partícula negativa; literalmente - música extratonal), concepto que se refiere a la música que no tiene una organización tonal de sonidos. Se originó a principios del siglo XX. y estuvo asociado con la obra de compositores de la nueva escuela vienesa (A. Schoenberg, A. Berg, A. Webern). La característica principal de A. m. es la ausencia de una relación unificadora de tonos con el centro principal del modo: la tónica. De ahí el carácter amorfo del habla musical, la desintegración de las funciones estructurales de la armonía, el nivel disonante del sonido, etc.

En 1922, Schoenberg inventó un método de composición “con 12 tonos correlacionados sólo entre sí” (más tarde llamado dodecafonía), cuya tarea era introducir un orden estricto en la anarquía de la música. A. m. se encuentra en la base de muchos sistemas de composición incluidos en el arsenal del arte de vanguardia. Los principios estéticos del arte están estrechamente relacionados con el expresionismo. El método, las técnicas y los elementos de la composición musical se encuentran entre compositores de diversos movimientos (C. Ive, B. Britten, B. Bartok, A. Honegger y otros).

Constructivismo

El constructivismo encuentra expresión en la combinación de consonancias rígidas y marcadamente disonantes, figuras rítmicas sincopadas y rotas. La música constructivista suele utilizar sonidos de jazz. A pesar de la controversia que surgió en torno a esta tendencia, el constructivismo, como estilo, está vivo hasta el día de hoy y goza de un merecido respeto. Un movimiento extremo en el arte del siglo XX, que se desarrolló especialmente ampliamente después de la Primera Guerra Mundial.

El constructivismo está marcado por el culto a la máquina, despersonaliza a la persona, menosprecia o niega por completo el contenido ideológico y emocional del arte. Cuando se aplica a la música, reduce la creatividad a la “construcción” de formas sonoras, la combinación de varios elementos de la música.

Neoclasicismo

El neoclasicismo es un movimiento en la creatividad musical del siglo XX, que busca revivir las imágenes artísticas, formas y técnicas estilísticas de la música del período clásico, que en este caso incluye varias escuelas de música del siglo XVIII. y siglos anteriores.

El neoclasicismo en la música fue una tendencia del siglo XX, particularmente relevante en el período entre las dos guerras mundiales, durante el cual los compositores buscaron volver a los preceptos estéticos asociados con el concepto ampliamente definido de "clasicismo", es decir, orden, equilibrio, claridad, economía. y moderación emocional.

Como tal, el neoclasicismo fue una reacción contra el emocionalismo desenfrenado y sintió la informe del romanticismo tardío, así como una "llamada al orden" después del fermento experimental de las dos primeras décadas del siglo XX.

En cuanto a forma y técnica temática, la música neoclásica a menudo se inspiró en la música del siglo XVIII, aunque el canon inspirador perteneció con mucha frecuencia al Barroco e incluso a períodos anteriores al Clásico, por esta razón la música que se inspira específicamente en el Barroco es a veces llamado neobarroco.

El neoclasicismo tuvo dos líneas nacionales distintas de desarrollo, la francesa (origen influenciado por Erik Satie y representada por Igor Stravinsky) y la alemana (origen del "Nuevo Objetivismo" por Ferruccio Busoni y representada por Paul Hindemith). que un movimiento organizado; Incluso muchos compositores no suelen pensar en cómo los "neoclásicos" absorbieron elementos del estilo.

Discursos
Tema musical, formas de presentarlo. Imagen musical. Determinar la conexión entre la imagen musical y el escenario teatral. La conexión entre la imagen y la intención programática del compositor. (Transmitir sus impresiones sobre el sonido del tema, apoyándose en los medios del lenguaje musical).

Tareas prácticas: un cuestionario sobre el material musical estudiado en 1er grado con repetición de conceptos básicos; crucigramas sobre términos musicales.

Material musical:

N. Rimsky-Korsakov. "El Gallo de Oro", introducción

S. Prokófiev. “Música infantil”, Mañanas

R.Schumann. "Carnaval" (No. 2 y No. 3);

obras de E. Grieg, R. Schumann (“Álbum para jóvenes”), M. Mussorgsky (“Cuadros de una exposición”), terminadas en 1er grado.

Tarea: Determinar la imagen musical en obras de su repertorio interpretativo, a partir del análisis de los elementos del lenguaje musical.

Medios de lenguaje musical para crear una imagen musical.

Cómo los géneros primarios, la textura, el modo, el tempo, los trazos, el patrón rítmico, la métrica y el timbre intervienen en la creación de una imagen musical. Observación de un cambio en las imágenes musicales al cambiar de material temático por tipo de comparación, adición, fortalecimiento del anterior. ¿Cómo cambian los elementos del habla musical, qué medios de expresividad se vuelven especialmente importantes en un nuevo tema?

Material musical:

S. Prokófiev. Ballet "Romeo y Julieta", Julieta la niña

S. Prokófiev. "Música Infantil", Lluvia y Arcoiris

P. Chaikovski. "Álbum infantil", Vals

E. Grieg. "Peer Gynt", Canción de Solveig.

Además: M. Glinka. Ópera "Ruslan y Lyudmila", Marcha de Chernomor;

J. Bizet. Ópera "Carmen", obertura.

Tarea: Diga qué elementos del lenguaje musical juegan un papel decisivo en la creación de imágenes de obras musicales familiares.
Tema 2.Técnicas básicas de desarrollo en la música.(conceptos de frase, motivo, punto).
Técnicas básicas de desarrollo en música: repetición (exacta e imprecisa), secuencia, contraste.

El concepto de unidad estructural (frase, motivo).

Tarea: Encuentre ejemplos de las tres formas particulares en su propio repertorio interpretativo.

Forma de rondó

Forma de rondó. Tema-estribillo (retorno múltiple), el significado del retorno del tema-estribillo en diferentes ejemplos. Episodios (tipo de desarrollo, contrastantes).

tarea practica: transmitir la trama de un cuento de hadas en forma de un diagrama de dibujo correspondiente a la forma de un rondó (por ejemplo, "Kolobok").

Material musical:

J.-F. Ramo. Pandereta

D. Kabalevsky. Rondó Tocata

Sr. Glinka. Ópera "Ruslan y Lyudmila", Rondo Farlafa

S. Prokófiev. Ópera "El amor por las tres naranjas", la niña Julieta, marzo

VIRGINIA. Mozart. Ópera "Las bodas de Fígaro", aria de Fígaro "El niño juguetón"

A. Vivaldi. "Estaciones"

A. Borodin. Romance "La Princesa Durmiente".

Tarea: Elija un cuento de hadas que pueda corresponder al esquema rondó.

Forma de variación

Variaciones. Variaciones de la música folklórica. Basso ostinato (chacona, pasacalle). Variaciones clásicas (estrictas). Soprano ostinato (Glinkinsky). Al analizar, es recomendable no explicar primero la estructura de las obras, sino determinarla junto con los estudiantes, luego se debe arreglar el esquema y sacar conclusiones junto con los niños (sobre el contenido y la forma, sobre la intención del compositor). .

Material musical:

G.-F. Händel. Chacona

VIRGINIA. Mozart. Ópera "La Flauta Mágica", variaciones sobre el tema de las campanas.

M. Glinka, Ópera “Ruslan y Lyudmila”, coro “Oh tú, Svet-Lyudmila” y “coro persa”

Sr. Glinka. Ópera "Ivan Susanin", coro "Gloria".

forma sonata

Concepto general del ciclo de la sonata. Forma sonata.

tarea practica: Análisis de sonatinas del repertorio de los estudiantes.

Material musical:

J.Haydn. Sonata en re mayor 1 movimiento.

Al finalizar el tercer año de estudios se han formado los siguientes conocimientos, habilidades y destrezas. El estudiante debe:

Conocer las características del arte popular y los principales géneros de canciones populares;

Conocer géneros musicales cotidianos y de concierto;

Familiarizarse con las formas musicales básicas: período, formas simples de dos y tres partes; Rondó, variaciones, sonata.

III. Requisitos para el nivel de preparación del estudiante.
El contenido del programa de la asignatura “Escuchar Música” asegura la educación artística, estética y moral de la personalidad del estudiante, el desarrollo armonioso de las habilidades musicales e intelectuales de los niños.

El resultado de la formación es un conjunto formado de conocimientos, destrezas y habilidades, que reflejan la memoria y el oído musical del estudiante, la percepción y el pensamiento musical, el gusto artístico, el conocimiento de los estilos musicales, el dominio de la terminología musical y una determinada perspectiva musical y cultural general. .

Los resultados del aprendizaje son:

Conocimiento:

• 
  conocimiento primario sobre el papel y la importancia del arte musical;
• 
  conocimiento inicial de la música como forma de arte, sus principales componentes, incluidos instrumentos musicales, grupos escénicos (corales, orquestales);
• 
  conocimiento, de acuerdo con los requisitos del programa, de obras musicales de compositores nacionales y extranjeros de diversos estilos (con ejemplos);
• 
  conocimiento, de acuerdo con los requisitos del programa, de información básica sobre el trabajo de compositores nacionales y extranjeros de diversos estilos;
• 
  conocimiento de géneros y formas musicales de acuerdo con los requisitos del programa;

Habilidades:

• 
  analizar el contenido de la música, la forma, el lenguaje musical sobre una base entonación-figurativa;
• 
  descubrir conexiones asociativas con otros tipos de arte;
• 
  distinguir y comprender el contenido realista de obras musicales de diferentes géneros; distinguir entre imágenes musicales líricas, épicas y dramáticas;
• 
  Trabajar con un libro y un texto musical.

Habilidades:

• 
  expresar verbalmente sus pensamientos sobre la pieza musical que escuchó;
• 
  identificar (reconocer) de oído fragmentos de obras musicales estudiadas;
• 
  percepción de una obra musical;
• 
  manifestaciones de empatía emocional en el proceso de percepción de una obra musical;

IV . Formas y métodos de control, sistema de calificación.

La ciencia musical nombra los siguientes principios para el desarrollo de material en la forma:

1) repetición,

2) repetición modificada,

3) desarrollo,

4) contraste derivado,

5) comparación contrastiva.

La repetición tiende a crear simetría, pero incluso la repetición exacta ocurrirá en un momento diferente y, por lo tanto, romperá la simetría. La percepción de un mismo material o elemento cambia durante las repeticiones que los compositores utilizan al construir una composición. Esta característica, un cambio en la percepción durante las repeticiones, era bien conocida por los compositores del pasado. Las formas que existían en la música antigua con bajo continuo se componían de tal manera que la atención del oyente no se centraba en el tema del ostinato, sino que se desplazaba hacia otras voces, lo que permitía preservar la actitud inicial hacia el tema. Al mismo tiempo, se permite la repetición controlada, en particular la molesta repetición de la misma entonación, para cambiar la actitud hacia ella. Esta técnica fue utilizada por M. Ravel en Bolero y por D. Shostakovich en el desarrollo del primer movimiento de la Séptima Sinfonía.

La repetición en la música puede ser exacta, alterada o variada. La repetición, como la simetría, es esencial para la música. Se repiten acentos métricos y figuras rítmicas, tipos de acordes y estructuras sintácticas, motivos, fórmulas texturales y secciones de composición. La repetición variada es posible sobre la base de la variación y sobre la base de la variación. La variación implica un nivel de cambio en el que la esencia semántica inicial de la construcción no cambia. La variación suele afectar a uno de los componentes de la entonación, aunque también son posibles cambios significativos en el sistema de variación, por ejemplo, cambiando motivos específicos manteniendo su similitud semántica con los principales. La variación implica, por un lado, un cambio en la repetición de varios componentes de la entonación original y, por otro, la repetición de una estructura ampliada y desarrollada sintácticamente. La variación presupone un nivel más profundo de cambios semánticos (hasta transformaciones). En un alto nivel de cambios semánticos, se pueden crear las condiciones para una transición a un significado semántico diferente, es decir, puede surgir derivatividad, lo que significa la aparición de una entonación diferente basada en una repetición reconocible de algún material original. Cualquier repetición, exacta o variada, está asociada a un método extenso de elaboración del material musical. Cualquier reprise da capo es una repetición con el mismo y diferente significado, porque el hecho mismo de tal repetición después del contraste significa "finalización del edificio" y un regreso al material, que ahora puede evaluarse como el principal basado en en comparación.

Por el contrario, se encuentra un desarrollo mucho más eficaz e intensivo. El contraste es una diferencia profunda reconocida por el oído. Como “evento de entonación” reconocible, el contraste cumple varias funciones en la forma de composición. En primer lugar, es la acumulación de “eventos”, introduciendo un elemento de sorpresa, construyendo la “intriga” de la forma. En segundo lugar, el contraste sirve a menudo como impulso para el desarrollo de la forma. Así, en la forma sonata hay todo un sistema de contrastes: entre la parte principal y secundaria, entre exposición y desarrollo, dentro de la parte principal, entre secciones de la exposición, etc. En tercer lugar, el contraste puede desempeñar una función final en la forma cuando se introduce al final de una sección de la forma o de toda la composición como una nueva cualidad, un nuevo significado al que ha llegado el desarrollo de la forma. Este contraste puede introducirse abruptamente, pero también puede crecer gradualmente a lo largo del formulario. En cuarto lugar, es posible una función divisoria y unificadora de contraste en la forma. Las llamadas formas compuestas de contraste se basan en la función articuladora del contraste.

Hay dos tipos principales de contraste: contraste-contraste y contraste derivado. En comparación, el material contrastante no revela una conexión abiertamente reconocible con lo que lo precedió; el contraste derivado supone una profunda degeneración, reentonación y una transición a una semántica diferente del material anterior.

La repetición y el contraste son dos fuerzas principales en el desarrollo de la forma compositiva. Están dialécticamente relacionados. El predominio de un principio u otro en las formas estándar dio a B. Asafiev una razón para diferenciar las formas según este criterio. Incluye fuga y variaciones entre las formas en las que prevalece el principio de identidad, y entre aquellas donde el principio de contraste es principal se encuentran el tripartito y la sonata. Sin embargo, Asafiev registró solo los prerrequisitos genéticos para varios principios de morfogénesis, ya que cualquiera de los principios anteriores puede materializarse en una forma del tipo opuesto. Así, la fuga y las variaciones pueden contener un contraste de enorme fuerza, y los esquemas sonatas, rondales o tripartitos pueden expresarse en un extenso desarrollo de la forma basado en la derivatividad, que no logra un fuerte contraste.

Tareas:

1. En obras de teatro de álbumes para niños (opcional), analizar las funciones de las secciones que las componen.

2. Realiza diagramas de letras de las estructuras en las siguientes obras: W. Mozart. Final de la Sonata para piano n.° 5 en sol mayor; L. Beethoven. Rondo G-dur “Ira por un centavo perdido”; P. Chaikovski. "Dumka"; S. Rachmaninov. "Elegía".

GENEROS MUSICALES

Los géneros musicales, o tipos de obras musicales, se dividen en primario Y secundario. El primero se originó en el arte popular y las acciones rituales antiguas. Estos incluyen canto, danza, coral, recitación y recitación (sus precursores en el folclore son lamentos, lamentos y salmodias). Los géneros primarios se dividen en géneros específicos. Entonces la canción podría ser lírico, baile redondo, constante, colectivo, solo etc.

Los géneros secundarios surgen en la obra de los compositores. Por ejemplo, las mazurcas y polonesas de Chopin son géneros secundarios en relación con la música folclórica. Normalmente estos géneros son autónomos y están conectados con los primarios a través de un fondo de vocabulario. Su función social es satisfacer las necesidades estéticas de las personas; estos son géneros musicales artísticos.

El género más complejo es la sinfonía, que puede incluir canto, declamación, danza y coral.

Los géneros secundarios se dividen en genéricos y específicos. Los géneros genéricos de más alto nivel incluyen:

1) música vocal,

2) música instrumental,

3) música vocal e instrumental,

4) música para teatro (desde ópera y ballet hasta música para representaciones dramáticas y películas),

5) música electroacústica,

6) música instrumental electrónica,

7) géneros audiovisuales (el llamado teatro instrumental).

Los géneros genéricos tienen subtipos. Así, la música instrumental puede ser sinfónica, de conjunto, solista, piano, etc.

Los límites de género son bastante fluidos. Así, la música del ballet "Romeo y Julieta" (género teatral) de S. Prokofiev, interpretada en un concierto, se percibe como una suite instrumental de programa. El vals (música para piano) de F. Chopin, utilizado en el ballet "Chopiniana", se percibe como música de teatro aplicada. Así se producen las transformaciones de género.

Si los géneros primarios son relativamente estables, entonces los géneros secundarios son mucho más cambiantes. Entre los géneros secundarios se encuentran verdaderos "hígados largos". Así, el género del oratorio, que se formó a principios del siglo XVII, aún vive hoy, y los géneros que surgieron un siglo después. cenefa, concierto de partes han dejado de usarse hace mucho tiempo. Los géneros se desarrollan de diferentes maneras. Su transformación histórica es más obvia. Un ejemplo es el género de la sonata para teclado y piano. Fue abordado por I.S. Bach, D. Scarlatti, I. Durante, D. Grazioli, J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert, F. Chopin, F. Liszt, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Kabalevsky, A. Schnittke y otros. En este género se produjeron cambios en el tipo de sonata y los fundamentos del drama. En otros casos, se puede observar estratificación, división del género. Así, el vals, que apareció en Austria y el sur de Alemania en la segunda mitad del siglo XVII, se convirtió en el antepasado vals de salón, Vals-Boston, vals de jazz. Además, en la historia de la música hay muchos ejemplos de interacción de géneros, síntesis de géneros independientes ya establecidos. Por ejemplo, L. Beethoven, G. Mahler, D. Shostakovich y otros compositores introdujeron un coro y vocalistas solistas en sus sinfonías, enriqueciendo el género con las características de una cantata.

La evolución de los géneros continúa de forma continua, dando lugar a nuevos tipos, tipos y variedades de obras musicales.

Para comprender la forma de una pieza musical, es necesario escucharla hasta el final. Para comprender el género musical, los primeros compases suelen ser suficientes. Esto sucede porque la música está, por así decirlo, imbuida de las propiedades de su género en toda su duración. Al mismo tiempo, ningún medio musical puede definir inequívocamente un género. El sello distintivo de un género es un complejo de múltiples componentes, que incluye ciertos elementos, aunque heterogéneos. Este complejo es bastante estable, aunque permite algunas variaciones. Por ejemplo, el complejo tempo-metro-textural de un vals incluye un tempo moderadamente móvil, un compás de tres tiempos y una figura de acompañamiento formada por un bajo armónico en el primer tiempo y dos acordes idénticos en el segundo y tercer tiempo. Un complejo de estos medios está presente en el vals de J. Strauss "Sobre el hermoso Danubio azul", en el "Vals" del "Álbum infantil" de P. Tchaikovsky, en el "Vals lírico" de "Danzas de muñecas" de D. Shostakovich. En otros casos, uno de los elementos del complejo puede sufrir cambios que no violen la percepción holística del género. Así, en la Sexta Sinfonía de P. Tchaikovsky, el segundo movimiento del vals está escrito en 5/4.

El tempo, la métrica, el ritmo y la textura son los medios musicales más esenciales para caracterizar el género. Menos relacionados con el género están la línea melódica, la armonía y el timbre, aunque estos medios musicales también pueden reflejar tendencias significativas del género.

Tareas:

1. Determine el género de las obras del "Álbum infantil" de A. Khachaturian.

2. Describe el complejo de géneros de marcha, tarantela, nocturno, minueto.

TEXTURA

En la literatura moderna, junto con el concepto de "textura", se utilizan los conceptos relacionados de "tejido musical", "presentación" y "almacén". Al mismo tiempo, el almacén suele entenderse como la forma de pensar del compositor, que se refleja en las peculiaridades de la presentación del material musical y la elección de uno u otro tipo de textura. La textura generalmente se asocia con la correlación de coordinación de los componentes del tejido musical, su interacción funcional y la estructura funcional interna de la presentación musical.

La definición más completa, en la que la textura aparece como categoría de espacio musical y sonoro, la dio V. Nazaikinsky: “ Textura – Se trata de una configuración musical-espacial tridimensional del tejido sonoro, diferenciando y combinando vertical, horizontal y profundamente todo el conjunto de componentes"[cursiva mía. – M.Ch . ].

El parámetro vertical de la textura está determinado por las relaciones de tono y la distribución de los sonidos en el espacio. Por ejemplo, el acorde inicial de la “Sonata Patética” de L. Beethoven ofrece una disposición cercana del acorde, que se asocia con algo opresivo y pesado.

Acompañado de Nocturno op. 27 No. 2 Des-dur de F. Chopin, el efecto es exactamente el contrario: la eliminación de los sonidos de los acordes en un movimiento figurativo y en una disposición amplia introduce una sensación de aire y volumen espacial.

La coordenada horizontal determina la vida de la fórmula de textura en el tiempo, su variación, que puede ser del mismo tipo o contrastante, continua o discreta, y también determina la vida episódica de los complejos de texturas individuales.

La coordenada de profundidad está asociada a la relación entre figura y fondo, determina la división en profundidad, crea perspectiva en sonido, planos sonoros. Un ejemplo interesante del uso figurativo de un parámetro profundo lo da el comienzo de la cantata "Alexander Nevsky" de S. Prokofiev:

Ejemplo 10:

El sonido escaso y vacío de los instrumentos orquestales se asocia con la imagen de un espacio helado sin fin. Un efecto tan expresivo se consigue en gran medida mediante la presentación. En el ejemplo sólo hay tres voces que difieren en tono. Es de destacar su distribución dispersa del registro de tesitura: las voces externas están ubicadas a una distancia de cuatro octavas, y el intervalo de duplicación de la melodía es una octava, cuyos sonidos están máximamente fusionados y, como resultado, suenan vacíos, creando un sensación de espacio vacío.

La textura tiene muchas variedades, que están asociadas con diferencias de mentalidad. La ciencia musical distingue las siguientes variedades:

1. Textura monódica. Existió hasta el siglo IX en Europa y hasta el siglo XVII en Rusia. En la música oriental, la estructura monódica sigue siendo la principal hoy en día, lo que provocó el desarrollo de la textura monódica.

· Textura tipo organum.

· Textura polifónica:

a) heterofonía: tipos antiguos de polifonía popular y la refracción de la heterofonía en el siglo XX, comenzando con los estratos de Stravinsky;

c) contrapuntístico;

d) imitativo-contrapuntístico;

e) polifonía sonora complementaria, superpolifonía;

e) polifonía rítmica.

· Textura acorde-armónica.

· Textura homofónica con varios tipos de contenido figurativo.

· Homofonía que implica duplicaciones.

· Polifonía de capas.

· Textura puntillista y aleatoria.

· Complejos de texturas de música electrónica que no se registran mediante grabación.

En la práctica, a menudo nos encontramos con un tipo de textura mixta, en la que las voces del tejido musical desempeñan funciones tanto polifónicas como homofónicas. Entonces, junto con la melodía, aquí se pueden colocar un eco, un contrapunto, una imitación de una voz, así como un bajo, voces armónicas, que es típico de las obras de P. Tchaikovsky y S. Rachmaninov.

El desarrollo de la textura en una obra musical está determinado por su contenido entonativo. Una forma pequeña, que expresa un solo estado, a menudo se basa en un tipo de textura. Si hay contraste, entonces el formulario contiene varios tipos de textura. Las propiedades formativas de la textura musical se manifiestan en sus desplazamientos y cambios en los detalles de la presentación. Los cambios en los detalles de la presentación diseccionan el tejido de la obra musical y resaltan los momentos más importantes del desarrollo (cadencias, clímax).

La textura vive en el tiempo, se desarrolla internamente. Si la fórmula de textura se repite exactamente o se varía, entonces se trata de una fórmula de iniciativa, que suele denominarse celda texturizada. La presencia de una celda texturizada da lugar a estereotipos texturizados de vals, tango, muestras de folclore, etc. A partir de una celda de textura, la textura crece de diferentes maneras. Construido sobre el principio de germinación de células texturizadas. monotematismo.

Si durante el desarrollo de la forma hay un cambio en el tipo de textura, esto generalmente se debe a modulación de textura. Puede ocurrir como una comparación o una transición. La técnica de transición es siempre individual. En el caso de la transición, el viejo estereotipo se destruye y nacen las condiciones previas para uno nuevo. Por ejemplo, en los primeros compases de la sonata para piano n.° 18 de L. Beethoven hay una transición de la presentación coral-armónica a la homofónica-armónica.

Ejemplo 11:

En la música del siglo XX, el concepto de célula texturizada se agudizó y los conceptos contraste texturizado, transición de textura, repetición texturizada, microvarianza, larga duración.

Los elementos de la técnica texturizada adquieren independencia y pasan a primer plano donde dominan la sonoridad, los efectos electrónicos y los métodos puntillistas, aleatorios y seriales de diseño de entonación.

Tareas:

1. Determinar el tipo de textura en las siguientes obras: G. Purcell. "Nuevo terreno"; ES. Llevar una vida de soltero. Invenciones C-dur, a-moll; A. Lyadov Preludio h-moll; G. Sviridov. Álbum de obras de teatro para niños. "Tenaz." "Chico con acordeón"; P. Chaikovski. Álbum infantil. “El organillero canta”; S. Rachmaninov. Preludio cis-menor.

2. Encuentre dos ejemplos, cada uno con textura polifónica, homofónica y mixta.

3. Nombra tres coordenadas de textura que se usan comúnmente en el análisis e ilústralas con ejemplos.

FIGURACIÓN Y DUPLICACIÓN

Figuración– este es un fenómeno texturizado asociado con 1) varias técnicas de operación con figuras pequeñas para formar un patrón texturizado o decorar una base texturizada simple; 2) saturación de las voces del tejido musical de la obra con pequeños elementos (figuras) melódicos, cordales o rítmicos, que de alguna manera (exactamente, de forma variada o como invariantes, en una u otra modificación combinatoria, etc.) se repiten periódicamente ; 3) enriquecimiento colorista de la textura con complejos sonoros basados ​​en movimientos específicamente intensos (principalmente de naturaleza vibratoria) a lo largo de consonancias, que pueden crear efectos coloridos (sonorantes) en el sonido.

Figura (en figuración)- aislado del flujo general, un elemento repetitivo característico de movimiento melódico, armónico, rítmico, mixto o complejo en las voces de la textura.

Varios autores utilizan los términos “figura”, “dibujo”, “configuración” como sinónimos. Al mismo tiempo, el concepto de “configuración” resulta más amplio que el concepto de “dibujo”. La configuración suele entenderse como una impresión sujeto-espacial de los elementos del tejido musical. Patrón texturizado, por regla general, se denominan acabados figurados, tipos de relaciones de textura, cortes de perfil en una celda texturizada. El concepto " patrón texturizado de voces"incorpora varios fenómenos y se vuelve importante para construir una teoría de la textura. Las figuras son las unidades más pequeñas de un diseño texturizado, sus elementos constitutivos. Las figuras pueden variar o sufrir transformaciones combinatorias, es decir, aparecer en inversión, rakhod, inversión rakhod, truncamiento, extensión; Son posibles modificaciones rítmicas de las figuras. En varios estilos, junto con las figuras principales, se utilizan sus invariantes. Una lista tan simple indica la inagotabilidad de las técnicas que componen la escritura figurativa en varios estilos compositivos.

Las figuras o elementos mismos, unidos en algún tipo de figuración, son neutrales fuera del contexto musical. Este es sólo un "material de construcción" utilizado en la formación de texturas. El resultado de recurrir a ciertas figuras será la encarnación del plan del compositor en ciertos patrones texturizados. El papel auxiliar de las figuras se expresa en el hecho de que adquieren semántica en una serie asociativa asociada a los rasgos estilísticos de la obra, como la temática, el lenguaje armónico, el tempo-ritmo, los rasgos tímbricos, la presencia de designaciones verbales figurativas (en el título de la obra, en el programa publicado, en instrucciones adicionales del compositor, etc.). Son estas características las responsables del hecho de que las mismas figuras se utilicen para crear diferentes asociaciones figurativas. Otra forma de leer el significado de la figuración es la interpretación escénica de la obra, revelando el significado figurativo inherente al texto musical. La relación entre el intérprete y el texto de la obra, la posibilidad de interpretación individual de la notación musical en la historia de la música se ha convertido repetidamente en tema de acalorados debates. Además, las obras del autor han sido en más de una ocasión motivo de la creación de diversos arreglos, tratamientos y transcripciones. En este caso, los intérpretes virtuosos decoraron la base textual existente con pasajes y adiciones figurativas.

La diferencia entre formaciones figurativas y melódicas a nivel sintáctico se expresa en el grado de protagonismo y disección de los elementos constitutivos. Una melodía se caracteriza por una combinación de construcciones principales y subordinadas y su subordinación; para la figuración: el alineamiento-ostinatismo de las unidades constituyentes, la habitual falta de división y equivalencia interna de las construcciones, su deseo de convertirse en algún tipo de flujo sonoro: acompañamiento, pasaje, temático o integrado.

Duplicación Se crea condensando sonidos melódicos con algunas consonancias o acordes, y dos parámetros son esenciales, a saber: duplicación interválica o cordal de la melodía y constancia o variabilidad de la duplicación. Puede haber duplicaciones real, es decir, con un tono y un valor de paso constantes, o tonal, es decir, corregido por tonalidad en magnitud tonal. Complicar construcciones figurativas con duplicaciones da figuradamente-duplicar dibujando voces de textura.

Cuando se forman líneas o capas duplicadas, una movimiento del cinturón. En la música para piano, las más utilizadas son las cintas de octava, tercera, sexta o combinadas (con intervalos variables). Una cinta que consta de tres o más sonidos se llama integral. En varios estilos, las armonías paralelas son normativas. La búsqueda de un sonido colorido bajo el predominio del sistema clásico mayor-menor llevó a restricciones en el tipo de cintas, ya que las cintas compuestas de intervalos disonantes eran inaceptables. Los impresionistas introdujeron coloridas duplicaciones de segundas, cuartas y quintas en la música de piano. La duplicación en un intervalo disonante se convirtió en la norma en la escritura para piano del siglo XX debido al establecimiento de un estilo disonante en armonía.

Veamos dos ejemplos, uno usando cintas reales y el otro usando cintas tonales complejas. En la segunda escena del tercer acto de la ópera "La historia de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia", el tema de la invasión tártara, que suena inicialmente como una melodía monofónica de origen armónico, aparece en la presentación en paralelo disminuido. acordes.

Ejemplo 12:

Las líneas de una sola voz incluidas en el complejo son idénticas en todos los detalles (intervalo, ritmo, timbre), se diferencian entre sí solo en el nivel de sonido. La relación y el movimiento conjunto de voces, que se duplican entre sí con la máxima precisión y solo difieren en altura, debe caracterizarse como un caso de máximo paralelismo melódico, en el que el oído da inmediatamente a una de las voces (generalmente la superior) el significado de la línea melódica protagonista, y todo en conjunto. Al resto de voces se les asigna el papel de elemento, completamente subordinado y puesto al servicio de la melodía principal. Este elemento, la cohesión de voces que han perdido contraste y significado independiente, forma un engrosamiento-duplicación de la voz principal, su carga dinámica y colorista, dando un relieve especial y una plenitud compleja característica a la melodía polifónica.

En la parte principal del final de la sonata para piano op. 2 No. 3 utiliza una cinta tonal compleja, en la que la composición de los acordes se ajusta según las características modales, en este caso, la estructura del modo mayor.

Ejemplo 13:

El trepidante tema despega como un cohete bajo las miradas de admiración de los presentes en el festival. Una cinta tonal figurativa, junto con los medios de línea y tempo, crea un complejo que tiene las funciones de diseño colorido y dinamización del sonido.

En la música de la segunda mitad del siglo XX, la figuración y la duplicación pierden su significado por diversas razones y dan paso a nuevos fenómenos en la formación de texturas. En primer lugar, la armonía clásica ha dado paso a nuevos tipos en los que los límites entre sonidos cordales y no cordales se desdibujan, y esto es precisamente lo que constituye la base de la figuración melódica. Además, el acorde perdió su significado anterior, lo que limitó el uso de la figuración armónica. En segundo lugar, la creciente importancia de las superposiciones polifónicas ha neutralizado el patrón texturizado asociado con la homofonía. En tercer lugar, tipos de presentación como puntillismo, donde no se puede formar un patrón texturizado, una célula texturizada debido a la dispersión de las unidades de textura y a la concesión de significado semántico a los sonidos individuales, lo que elimina la repetibilidad de las revoluciones individuales, así como super polifonía, donde el patrón texturizado se disuelve en una enorme masa de voces. Finalmente, los conceptos mismos de textura y pulso rítmico en una composición se vuelven no idénticos al material sonoro reproducido durante la ejecución de la obra, por lo que, como consecuencia, la uniformidad-ostinatismo de las figuraciones es reemplazada por una vibración sonora libre, y debido a al difuminarse los contornos, la presentación ornamental, el patrón melódico y cualidades similares del tejido musical pierden su significado original. Sin embargo, en la música de los compositores tradicionalistas, la figuración sigue viviendo y desarrollándose libremente.

Hay tres tipos principales de figuración: rítmica, melódica y armónica. La figuración rítmica se refiere a la repetición de un sonido, intervalo o acorde en un ritmo ostinato. Por ejemplo, un tono de bajo que pulsa rápidamente en un ritmo de triplete. antes contribuye a crear una atmósfera alarmante en el sonido del siguiente fragmento de la “Appassionata” de Beethoven.

Ejemplo 14:

La figuración armónica es un movimiento repetido a lo largo de los sonidos de un acorde, monofónico o polifónico, ascendente o descendente, directo y multidireccional. Uno de los tipos de figuración armónica más comunes son los “bajos albertianos”.

Ejemplo 15:

El ejemplo presentado de una encarnación textural de la fórmula está tomado de la segunda parte de la famosa sonata para piano de J. Haydn en do mayor. Aquí se colocan bajos albertianos como acompañamiento, típico de las obras creadas en una estructura homofónico-armónica.

Melódico La figuración se entiende como un movimiento lineal o combinado a lo largo de sonidos acordes y no acordes en las voces de la textura. Los sonidos que se desvían de los tonos de los acordes de apoyo se denominan sonidos figurativos. Según la naturaleza de la conexión de los sonidos figurativos con los tonos de acordes de apoyo anteriores y posteriores, se distinguen seis métodos de figuración melódica: detención, pasar notas, notas auxiliares, cambiata, elevar, notas armónicas. Estas técnicas se estudian en el curso de armonía. La figuración melódica existe en los siguientes cuatro tipos: melodioso, pasaje, melodioso-polifónico, melodioso-ornamental.

A menudo se combinan diferentes tipos de figuración, surgen variedades rítmico-melódicas, rítmico-armónicas y melódico-armónicas. Como ejemplo, imaginemos un fragmento de la ópera "El cuento del zar Saltan" de N. Rimsky-Korsakov, cuya textura combina figuración armónica en el bajo y movimiento de cinta melódica en el registro superior.

Ejemplo 16:

La figuración es un medio texturizado específico para decorar y colorear tejidos musicales. Las técnicas de presentación figurativa permiten diversificar los patrones texturizados y dinamizar el desarrollo del material musical. Además, la figuración puede crear coloridas pinturas sonoras. El ruido del bosque en la pieza para piano del mismo nombre de F. Liszt, el movimiento de las olas en el vasto océano en la introducción orquestal a la ópera "Sadko" de Rimsky-Korsakov, el sonido de acordeones y balalaikas en un festival de feria en Piezas del ballet “Petrushka” de I. Stravinsky: todo esto y mucho más representado en la música de diversas formas.

Tareas:

1. Determinar los tipos de figuración, la naturaleza del sonido de la textura y su papel en la creación de una imagen musical en las siguientes obras: E. Grieg. Romance “En el transbordador”; K. Debussy “Fuegos artificiales”, “Heather”; P. Chaikovski. “Mi jardín de infancia”, “Reina el día”; D. Kabalevsky. Preludio h-moll.

2. Encuentre ejemplos para cada uno de los tres tipos principales de figuración, así como variedades mixtas.

3. Encuentre ejemplos de varias duplicaciones en obras de álbumes infantiles.

PEQUEÑAS FORMAS HOMOFÓNICAS

La teoría nombra tres variedades principales de formas pequeñas en la estructura homofónico-armónica: período, simple de dos partes Y tripartito simple formas. Una composición pequeña suele entenderse como una obra relativamente breve, subordinada a un único estado figurativo, donde la profundidad del contraste está limitada por los parámetros de la forma. Los parámetros de forma pequeños no significan de ninguna manera menos profundidad de la música en comparación con una forma grande. En el ámbito de las miniaturas musicales se han creado auténticas obras maestras del arte mundial.

Para una composición pequeña en la historia de la música europea, también se podrían utilizar otras formas menos comunes, que incluyen: un tema con variación (con dobles), el rondó más simple y las variedades más simples de la antigua forma de sonata. Sin embargo, la apelación predominante es a dos y tres partes, cuyas modificaciones son la base para la diversidad de encarnaciones de la forma pequeña.