Grabado calcográfico sobre metal. Historia del grabado en Rusia.

La tecnología para realizar formas de grabado sobre impresión calcográfica en metal es diversa. Pero esta variedad de técnicas se puede dividir en dos grupos basándose en el principio del grabado. El primer grupo incluye todas las formas de impresión obtenidas mecánicamente: grabado incisivo, punta seca, mezzotinta o grabado en negro, grabado con puntos (realizado con punzones o cintas métricas). El segundo incluye formas de impresión obtenidas mediante procesamiento químico de metal (grabado). Se trata de todos los tipos de grabado: grabado con aguja, barniz suave o barniz en tiras, aguatinta, lavis, grabado con puntos (obtenido mediante grabado), en sus variedades, estilo a lápiz, reserva y diversas técnicas técnicas de los artistas modernos, que a menudo se denominan medios mixtos. En el grabado calcográfico moderno también se utilizan diversos materiales no tradicionales, como cartón, papel de calco, plásticos y otros.

Grabado con cincel. El proceso de grabar con un cincel es el mismo que con un buril (cortador), que suele ser una varilla de acero tetraédrica con un extremo afilado oblicuamente, que tiene una sección transversal en forma de diamante, insertada en un mango especial en forma de hongo, los trazos del diseño están recortados sobre una superficie de metal suavemente pulida. Para ello se suele utilizar una placa de cobre de 2-3 mm de espesor. Además del cobre, para este fin se puede utilizar latón o acero.

El grabador crea una imagen utilizando combinaciones de líneas y puntos paralelos y que se cruzan cortados en el grosor del metal. Al imprimir, se rellenan de pintura. Para hacer esto, se llena toda la tabla con un hisopo de pintura y luego se lava con una gasa almidonada. La pintura queda sólo en los huecos. Presionado contra la plancha de impresión por los rodillos de la prensa metalográfica, el papel humedecido recibe la tinta de estos huecos.

Una plancha de cobre grabada con un cortador produce alrededor de 1000 impresiones completas, dependiendo de la calidad del cobre y la profundidad de los trazos. Para aumentar la circulación, la placa de cobre grabada se puede dejar galvanoplásticamente. El grabado en acero puede soportar varias decenas de miles de copias. A veces, para aumentar la circulación, se hacían copias galvanizadas a partir de la plancha de impresión original y la impresión se realizaba a partir de varias planchas de impresión idénticas.

Aguja seca. Esta técnica de grabado utiliza una aguja especial para aplicar una imagen a una placa de cobre o zinc. Alrededor de las líneas rayadas se forman rebabas llamadas bardos. Estas púas atrapan la tinta cuando se aplica a la plancha, creando un efecto especial en la impresión. Debido al hecho de que las líneas al grabar con una aguja suelen ser poco profundas y las púas se arrugan cuando se borra la tinta y la presión durante la impresión, la circulación de dichos grabados es pequeña: solo 20-25 impresiones.

Mezzotinta (estilo negro). A diferencia de otras técnicas de grabado mecánico, que crean imágenes mediante combinaciones de trazos y puntos, la mezzotinta produce transiciones tonales del negro intenso al blanco. Para ello, primero se cubre completamente la placa de cobre con frecuentes pequeñas depresiones y rebabas. Esto se hace con una herramienta especial llamada mecedora. Una mecedora es una placa de acero con una parte inferior redondeada, en la que se aplican pequeños dientes. Esta placa está fijada en el mango y toda la herramienta parece un cincel ancho y corto con una hoja arqueada. Al presionar los dientes sobre la superficie del metal y agitar la herramienta de lado a lado, pasan en diferentes direcciones por toda la superficie de la placa hasta que la futura forma de impresión queda cubierta con muescas frecuentes y uniformes. Si llena un tablero de este tipo con pintura, al imprimirlo obtendrá un tono negro uniforme y aterciopelado. El procesamiento posterior del tablero consiste en utilizar una plancha (una varilla de acero con un extremo redondeado en forma de cuchara) para alisar la veta del tablero en las áreas claras del patrón. Los lugares que estén completamente alisados ​​y sin rugosidades no retendrán la pintura y, al imprimir, darán un tono blanco en la impresión, donde la veta del tablero se alisa ligeramente, habrá un tono gris y los lugares no tocados; por la plancha le dará un tono negro. Esto crea una imagen de tono.

Los tableros grabados con el método mezzotint producen solo entre 60 y 80 impresiones completas cuando se imprimen. Con una mayor replicación, la rugosidad de la forma de impresión se suaviza rápidamente y la imagen se vuelve gris y su contraste disminuye.

Grabado punteado. Este método de grabado consiste en que la imagen se crea mediante un sistema de puntos-huecos aplicados a una placa de cobre con punzones. Esta herramienta es una varilla de acero con una punta cónica en un lado. El extremo opuesto es romo y se golpea con un martillo de grabado. El punzón corta la superficie del metal y deja una hendidura que produce un punto negro cuando se imprime. A partir de una combinación de estos puntos, a veces densamente ubicados en lugares oscuros, a veces raramente en lugares claros, se obtiene una imagen.

Además de los punzones, en el grabado de puntos se utilizan cintas métricas, es decir, varias formas Ruedas con dientes montados en el mango. Con estas ruedas se aplica una tira completa de puntos dentados. La circulación de los grabados punteados es la misma que la de los grabados incisivos, es decir. alrededor de 1000 copias.

Grabando. Las técnicas de grabado son fundamentalmente diferentes de las anteriores. Su esencia es que en una placa de metal, las áreas de superficie que deberían convertirse en elementos de impresión se profundizan bajo la influencia del líquido de grabado. Los huecos se protegen del grabado con un barniz especial resistente a los ácidos. Para el grabado se utilizan soluciones de diversos ácidos y sales. Para el grabado se utilizan placas de cobre, latón, zinc o acero (hierro).

Grabado con aguja. La tecnología de este tipo básico de grabado consiste en rayar un diseño sobre una placa de cobre o zinc recubierta con barniz resistente a los ácidos con una aguja de grabado, exponiendo así el metal en los lugares por donde pasó la aguja. Después de esto, la placa se sumerge en un líquido de grabado, que generalmente consiste en una mezcla de soluciones de ácido nítrico y clorhídrico en agua. Al grabar en zonas no protegidas por barniz, el metal se corroe con ácido y el patrón se profundiza. Cuanto más fuerte sea la solución de grabado y mayor sea la duración del grabado, más profundas serán las líneas del diseño. El grabado se puede realizar por etapas en diferentes zonas de la imagen, obteniendo diferentes profundidades y anchos de grabado. En la impresión esto dará mayor o menor grosor de línea. Esto se logra cubriendo secuencialmente con barniz aquellos lugares que deberían ser más claros y suficientemente grabados, y luego grabando aún más las áreas de la imagen que deberían ser más oscuras. Cuando se completa el grabado, el tablero se lava con agua, el barniz resistente a los ácidos se retira con gasolina o trementina y el tablero está listo para imprimir.

De una tabla de cobre grabada profundamente se puede obtener la misma circulación que de un grabado con cincel, es decir. unos 1000 ejemplares. Si el grabado tiene líneas finas y poco profundas, entonces su circulación es de solo 300 a 500 copias completas. Se pueden obtener menos impresiones de los tableros de zinc que de los de cobre.

Acuatinta. Este tipo de grabado permite, al igual que la mezzotinta, transmitir una imagen tonal. Sólo que el veteado del tablero no se consigue mecánicamente, sino mediante grabado. Para ello, se cubre la superficie de la placa de metal con una fina capa de colofonia o polvo de asfalto muy fino. El tablero así espolvoreado se calienta, las partículas de polvo se funden y se adhieren al metal. Si se graba una placa de este tipo, los espacios más pequeños entre las partículas de polvo de colofonia se profundizarán y obtendremos una superficie de grano uniforme. Cuando se imprima, esta forma dará un tono uniforme, cuya intensidad dependerá de la profundidad del grabado.

Para obtener una imagen, sobre un tablero cubierto, como se describe anteriormente, con diminutas gotas de colofonia endurecida, se cubren las zonas que deberían ser blancas con barniz líquido resistente a los ácidos. Luego se graba el tablero y nuevamente se cubre con barniz en los lugares que deben tener un tono claro, y nuevamente se graban las áreas del tablero que no están cubiertas con barniz. Mediante estos grabados sucesivos se obtienen varios tonos. Con cada grabado, se forman áreas cada vez más oscuras de la imagen. A continuación se retiran la colofonia y el barniz con gasolina y se imprime el tablero de la forma habitual.

La tirada de la plancha de aguatinta es pequeña: aproximadamente 250-300 copias.

Lavis. Esta técnica de grabado, al igual que la aguatinta, proporciona una reproducción de las relaciones tonales de la imagen. Se basa en el hecho de que el metal, que tiene una estructura granular heterogénea, cuando se graba da una superficie ligeramente rugosa que retiene la pintura. Todo el proceso consiste en aplicar un líquido decapante (normalmente una solución de ácido nítrico al 20-30%) directamente sobre la superficie de la placa de metal con un cepillo de fibra de vidrio. El tono de la pincelada depende de la duración del grabado.

Otro tipo de lavis tiene una técnica similar a la del aguatinta. En este caso se realizan los mismos cortes y grabados sucesivos que en aguatinta, pero sin espolvorear la tabla con colofonia.

En la impresión, el grabado lavis produce pinceladas de tono suave y rellenos ligeros.

En el grabado moderno, lavis es una técnica que combina las técnicas de aguatinta y lavis. Se aplica un líquido decapante a una tabla cubierta con polvo de colofonia con un pincel, como se hace en Lavis.

Lavis se puede utilizar como complemento de otras técnicas de grabado. Hay muchas variedades de esta técnica, que a veces sus autores mantienen en secreto, pero su esencia es la misma: el impacto directo de la solución de grabado sobre la superficie de la futura forma de impresión y el uso de una pincelada para crear la imagen. . La tirada de Lavis es muy pequeña, sólo 20-30 ejemplares.

Barniz suave o barniz lagrimal. La superficie de la placa de metal se recubre con un barniz especial resistente a los ácidos mediante un hisopo o un rodillo, que contiene manteca de cordero o manteca de cerdo, lo que le confiere suavidad y pegajosidad. El tablero así imprimado se cubre con una hoja de papel, preferiblemente de textura grande y no demasiado gruesa. Dibuja en papel con un lápiz. Cuando presionas el lápiz, el barniz se pega a la parte posterior del papel. Cuando el dibujo esté terminado, retiramos con cuidado el papel y junto con él el barniz adherido, dejando así al descubierto el metal en aquellos lugares donde hubo trazos de lápiz. Después de esto, se graba el tablero. El resultado es un grabado que transmite la textura del diseño sobre el papel.

La tirada de esta técnica es de unos 300-500 ejemplares, dependiendo de la textura del papel y del grosor de los trazos.

Estilo lápiz y línea de puntos. Esta técnica consiste en procesar una placa metálica recubierta con barniz resistente a los ácidos mediante herramientas que perforan el barniz. Para ello se utilizan cintas métricas, manojos de agujas, cepillos de alambre y un matuar (una herramienta con una bola con dientes al final). Con todas estas herramientas se aplica una imagen utilizando diferentes grupos de puntos. El grabado se puede realizar revelando áreas brillantes en etapas. Después del grabado, en el lugar de los pinchazos del barniz, aparecerán pequeñas depresiones en la superficie del metal, que en la impresión darán varias combinaciones de puntos que forman la imagen. Si imitas una marca de lápiz en un torchon o en cualquier otra textura de papel de esta manera, tendrás la ilusión completa de un dibujo a lápiz o carboncillo. Por eso, este tipo de grabado se llama estilo lápiz.

La tirada de tableros grabados de esta forma es pequeña, 250-300 ejemplares.

Reservar. Este método de grabado consiste en dibujar sobre la superficie del metal con un bolígrafo o un pincel utilizando una tinta especial que contiene azúcar y pegamento disuelto en agua. Cuando el dibujo está terminado, se cubre con una capa uniforme de barniz resistente a los ácidos. Luego, la tabla se baja al agua. El agua disuelve el azúcar y el pegamento en la tinta y el barniz sobre el diseño se hincha. Los movimientos cuidadosos del hisopo de algodón eliminan el barniz hinchado y exponen así el metal. En el caso de un dibujo a lápiz, la tabla está grabada, como en un grabado con aguja normal. Cuando se trabaja con un pincel, la superficie del metal expuesto se espolvorea con polvo de colofonia y luego se graba, como si fuera aguatinta. Esta técnica se caracteriza por transmitir directamente la obra del artista sobre la tabla.

Existen otras técnicas para esta técnica, pero básicamente se reducen a lo mismo: la capacidad de reproducir un dibujo directo en una impresión.

El grabado calcográfico sobre metal apareció en Europa aproximadamente al mismo tiempo que el grabado en madera, es decir, a finales del siglo XIV y principios del XV y, obviamente, también está relacionado con la llegada del papel a Europa. Esta técnica se originó en talleres de joyería y armas. Desde la antigüedad, los productos metálicos se decoraban con adornos o algún tipo de imágenes, grabadas con cincel o mediante aguafuerte. A partir de estos grabados, a menudo se hacían impresiones en papel o pergamino para uso interno de los maestros, como muestras para trabajos posteriores y simplemente por el deseo de preservar el trabajo exitoso para ellos mismos. En la práctica de los museos, estas impresiones se denominan niel.

El grabado en metal, en el sentido estricto de la palabra, comenzó su desarrollo con el grabado con cincel. El grabado apareció más tarde. Los primeros grabados tenían las mismas funciones que las primeras xilografías, es decir. para reproducir imágenes de santos o naipes.

Si la xilografía es de finales del siglo XV. sirvió principalmente a editoriales de libros y estuvo firmemente conectado con el libro, luego el grabado desde el momento de su aparición se volvió independiente, como un grabado de caballete.

Los primeros grabados con cincel se caracterizan por un predominio del contorno con modelado mediante trazos finos, rectos y pequeños.

En contraste con el anonimato de los primeros grabados en madera, los grabados son más individuales, y si no conocemos a los primeros maestros por su nombre, su caligrafía individual permite identificar a autores individuales, como el “Maestro de los naipes”, el “Maestro de el Gabinete de Amsterdam”, y varios otros.

Grabado del norte de Europa en el siglo XV. Todavía estaba fuertemente influenciado por el gótico. Los maestros más importantes de esa época pueden considerarse grabadores alemanes: los maestros “E.S.” (trabajó hasta 1467) y especialmente Martin Schongauer (c. 1450-1491), quien comenzó a utilizar sombreados ordenados en lugar del caos de líneas que lo precedía.

En Italia en esta época el arte del grabado se vio afectado por la influencia de la cultura antigua. De particular importancia para el desarrollo del grabado (y no solo el italiano) fueron Antonio Pallaiolo (1429-1498) y Andrea Mantegna (1431-1506).

El arte del grabado del siglo XVI. estrechamente asociado con el nombre de Alberto Durero (1471-1528). Todos los logros en este ámbito dependieron en un grado u otro del genio de Durero. Lo nuevo en la técnica de Durero fue principalmente que la forma en sus grabados se transmitía mediante trazos ordenados, suaves y suavemente curvados, cada uno de los cuales tiene su propio significado y belleza.

Además de los artistas que aprendieron en el taller de Durero, se puede decir con seguridad que los maestros de su época en todos los países europeos experimentaron su influencia. En la propia Alemania aparecieron muchos maestros maravillosos que trabajaron en la técnica del grabado: en primer lugar, A. Altdorfer, G. Aldegrever, G. Z. Beham y su hermano B. Beham, G. Penz. A estos artistas se les suele llamar Kleinmasters por el predominio del pequeño formato en sus impresiones.

A principios del siglo XVI. El grabado apareció por primera vez. El primero en utilizar este método de grabado, alrededor de 1504, fue evidentemente el maestro de Augsburgo Daniel Heufer (esclavo 1493-1536). El primer grabado fechado en 1513 pertenece al artista suizo Urs Graf (hacia 1485-1528, Durero también realizó cinco grabados en el período de 1515 a 1518. Todos los grabados de esta época fueron realizados sobre hierro). En el siglo 16 Esta técnica no interesó a los artistas y las cosas no fueron más que unos pocos experimentos.

En Italia, cabe destacar al contemporáneo de Durero, Marcantonio Raimondi (alrededor de 1480 - después de 1527). Este maestro al comienzo de su obra estuvo muy influenciado por Durero, pero técnicamente desarrolló un estilo de grabado puramente italiano con un pequeño trazo plateado. Raimondi trabajó mucho con las composiciones de Rafael y otros maestros del Alto Renacimiento. Desde entonces, quizás, el objetivo principal del grabado italiano haya sido la reproducción de pinturas y dibujos de pintores italianos. Poco después de Raimondi, la reproducción favure en Italia adquirió un carácter artesanal y comercial, satisfaciendo la demanda de reproducciones de pinturas de grandes artistas italianos.

La necesidad de los artistas de transmitir ellos mismos sus ideas quedó satisfecha con las posibilidades del grabado, y por tanto a mediados del siglo XVI. Esta técnica se está desarrollando rápidamente en Italia.

Uno de los primeros artistas de esta época en utilizar el grabado fue Francesco Mazzola (Parmigianino, 1503-1540). Sus dibujos libres y aparentemente fluidos con una aguja de grabado atrajeron la atención de muchos otros artistas. Nombramos aquí a F. Primaticcio, P. Farinatti, J. Palma el Joven.

Los éxitos del grabado introdujeron una corriente vivificante en la reproducción del favure artesanal con cincel. Pero la verdadera revolución en este ámbito la hicieron los hermanos Carracci, especialmente Agostino Carracci (1557-1602), quien una vez más elevó la reproducción italiana del favure a una altura digna de Marcantonio Raimondi.

En los Países Bajos en el primer tercio del siglo XVI. Trabajó el mayor maestro del Renacimiento del Norte, Lucas de Leiden (1489 o 1494-1533). Sin evitar la influencia de Durero al comienzo de su carrera creativa, introdujo en el favure norteño los logros característicos del enfoque de Raimondi.

Hendrik Goltzius (1558-1617) fue un verdadero virtuoso en sus obras con cincel. En sus obras los restos de la influencia gótica ya han sido completamente superados y dominan las formas de la antigüedad. Goltzius prefiere las líneas enérgicas, con fuertes engrosamientos, dispuestas según la forma. Goltzius dejó numerosos alumnos y seguidores, como J. Müller, J. Matam, J. Sanredam, J. de Gein.

Si en el siglo XVI. Alemania y en parte Italia pueden considerarse el centro del arte del grabado, desde donde se extendió la influencia vivificante de la cultura antigua, ya en el siglo XVII. Este centro ciertamente se trasladó a los Países Bajos, o más precisamente, a Flandes y Holanda, que en ese momento ya estaban divididas. En estos países, el desarrollo del grabado siguió caminos diferentes. En Flandes se desarrollaron principalmente grabados de reproducción.

El propio gran artista flamenco Rubens no se dedicó directamente al grabado. Aunque, quizás, poseía varios grabados, que eran más bien experimentos para familiarizarse con el material. Sin embargo, se pueden nombrar pocos artistas que hayan tenido tanta importancia para el desarrollo del grabado.

Rubens creó un taller de los mejores grabadores con cincel de la época para reproducir sus obras y las de sus alumnos: Van Dyck, Snyders, Jordaens. Rubens no sólo proporcionó temas para los grabados, sino que también supervisó el proceso creativo de creación de grabados.

Entre los grabadores de su taller cabe nombrar, en primer lugar, a L. Worstermann (1595-1667), P. Pontius (1603-1658), los hermanos Boethius Bolsvert (1580-1633) y Schelte Adams Bolsvert (1586-1659). ), P. de Jode el Joven (1606-1674).

En el campo del grabado, lo mejor que se creó en el Flandes del siglo XVII fueron varios retratos realizados por Van Dyck para su “iconografía”, una colección de retratos de sus contemporáneos. La mayoría de ellos los entregó a otros maestros para que los terminaran de grabar con un cincel. Sólo ha sobrevivido un pequeño número de impresiones realizadas antes de la publicación, pero se publicaron cuatro hojas sin cambios.

En Holanda del siglo XVII. El papel principal lo jugó el grabado del autor. Y aquí los grabados de Rembrandt (1606-1669) tienen una importancia excepcional. Desarrolló su propia técnica y un enfoque especial del grabado, logrando transiciones tonales increíblemente ricas desde sombras profundas hasta luces brillantes. Rembrandt utilizó la punta seca en su obra junto con el aguafuerte, y en el último período de su creatividad la punta seca pasó a predominar en sus grabados.

Además de Rembrandt, en Holanda muchos pintores trabajan en el grabado. Al igual que en la pintura, se especializan en determinados géneros. Así, los grabados de paisajes son de J. Ruisdael (1628/29-1682), G. Svaneveld (1620-1655), A. Waterloo (hacia 1610-1690), A. van Everdingen (1621-1675), grabados de género de A. van Ostade (1610-1685), K. Bega (1620-1664), animalista - N. Berchem (1620-1683), C. Dujardin (1622-1678), A. van de Velde (1635-1672), P. Potter (1625-1654) y muchos otros.

En Francia en el siglo XVII. Trabajó el mayor maestro del grabado, Jean-Jacques Callot (1592/93-1635). Callot es famoso por sus obras un tanto fotescas de pequeño formato, aunque también tuvo muchas obras de gran tamaño. Obviamente, fue el primero en utilizar el grabado paso a paso, revelando áreas más claras. En ocasiones, Callot utilizó el cincel junto con el grabado, logrando un efecto único al combinar una línea de grabado libre con enérgicos trazos rectos del cincel.

El retrato incisal favure es de particular importancia en Francia.

Un gran virtuoso en este ámbito fue Klodt Mellan (1598-1688). Logró resultados sorprendentes modelando transiciones tonales sólo con grosor de línea. Él, obviamente, en aras de una especie de garbo, interpretó el favor de "El vestido de Santa Verónica". La cabeza de Cristo en este favure se representa como una línea espiral continua, que comienza en la punta de la nariz y recorre toda la imagen a la misma distancia, y solo cambiando el grosor de la línea se crea el relieve del rostro.

Son muy famosos los retratos de Robert Nanteuil (1623-1678) y Gerard Edelink (1640-1707) realizados con cincel.

Hay que decir que en el siglo XVII. En todos los países europeos el grabado en metal se está introduciendo en los libros y está sustituyendo a las ilustraciones que antes se realizaban con xilografía.

En el siglo 17 La técnica del mezzotint fue inventada por un alemán de nacionalidad, Ludwig Siegen (1609 -1680?), que vivía en Amsterdam. Su primer grabado datado en esta técnica data de 1643. El grabador holandés Abraham Blotelling (1634-1687) mejoró esta técnica utilizando tablas oscilantes para el veteado.

Mezzotint recibió un reconocimiento especial en Inglaterra. Aquí el maestro líder en este

El área era John Smith (1652-1742). Pero la mezzotinta alcanzó su apogeo en Inglaterra en el siglo XVIII.

En el siglo 18 El grabado calcográfico sobre metal recibió su mayor desarrollo en Francia. Aquí, junto con el continuo desarrollo del grabado, surge un estilo de grabado muy distintivo de artistas que fueron, en un grado u otro, influenciados por Antoine Watteau (1684-1721), quien realizó varios grabados. Entre ellos destaca especialmente François Boucher (1703-1770), que realizó unos 180 grabados propios y basados ​​en los dibujos de Watteau.

La ilustración de libros francesa ocupa un lugar excepcional en la historia del grabado. Generalmente se realizaba combinando el grabado con un cincel. Los dibujantes, en su mayoría, habían sido grabadores anteriormente y, por lo tanto, tenían un buen conocimiento del material de grabado. Gracias a esto se creó una comunidad única de ilustradores y grabadores.

La necesidad de una técnica más moderna para reproducir el tono llevó a la invención del lavis y el aguatinta en Francia. Al parecer, fueron utilizados por primera vez en 1765 por Jean-Baptiste Leprince (1733-1781), quien realizó numerosos grabados sobre temas rusos.

Al mismo tiempo, en Inglaterra de la mano de Francesco Bartolozzi, comenzó a ser ampliamente utilizada (1727-1815).

Todas estas técnicas, junto con la aguatinta y la mezzotinta, se utilizaron en el arte que se popularizó en la segunda mitad del siglo XVIII. grabado en color. Los grabados en color reproducían pinturas, pasteles y dibujos en color, principalmente de artistas del círculo de Watteau. Muchos artistas hicieron dibujos teniendo en mente el grabado multicolor. Para imprimir grabados en color se realizaban varias planchas de impresión para cada color por separado. Luego, la imagen se imprimió secuencialmente en una hoja de papel con la alineación exacta de todos los detalles de la imagen. También se utilizó la impresión en color de una forma, sobre la que se aplicaban pinturas de diferentes colores. Estos dos métodos de impresión a menudo se combinaban. También se practicaba el retoque de impresiones a mano.

El inventor de la impresión en color con varias placas fue Jean-Christophe Leblond (1667-1741). Basó su método en la ley de mezcla de colores de Newton e imprimió sus grabados en tres tablas para los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. Al mezclar estos tres colores al imprimir en una impresión, se obtuvieron todos los demás colores. Leblond utilizó la técnica de la mezzotinta para sus grabados.

La aguatinta fue utilizada por primera vez en grabados en color por Jean-François Janinet (1752-1814). Para ello, Gilles Dematro comenzó a utilizar el estilo del lápiz para reproducir dibujos con lápices de colores.

En Italia del siglo XVIII. Cabe destacar a los artistas Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) y Antonio Canaletto (1697-1768) que trabajaron en el grabado. A pesar de la diferencia de temas, los une un enfoque común para modelar el tono con líneas pequeñas, desiguales, pero casi sin intersección.

Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) dedicó su obra exclusivamente a temas arquitectónicos. Graba con trazos paralelos que siguen la forma, espesándose vigorosamente en las sombras. Piranesi también utilizó un cincel en sus grabados.

Francisco Goya (1746-1828) trabajó en España, creando su famosa serie de grabados, en su mayoría con aguatinta.

Necesidad en el siglo XIX. en grandes cantidades dio vida al grabado en acero. Fue utilizado exclusivamente con fines reproductivos. El grabado del autor, principalmente el aguafuerte con todas sus variedades, se ha vuelto, por el contrario, de circulación limitada. Artistas y editores intentaron aumentar la rareza de las hojas, que en su mayoría estaban destinadas a coleccionistas.

En Rusia, el grabado en cobre apareció en la segunda mitad del siglo XVII. El comienzo de este arte está asociado con el nombre de Simon Ushakov (1626-1686). Se conocen dos grabados firmados por él. El grabador más hábil con un cincel del siglo XVII. estuvo Afanasy Trukhmensky, quien hizo muchos grabados basándose en los dibujos de Ushakov. En 1693 se publicó la famosa cartilla de Karion Istomin, grabada por Leonty Bunin (esclavo 1692-1714).

Hay que admitir que el grabado en metal se mantuvo en Rusia hasta principios del siglo XIX. Era provincial en relación al europeo, aunque hubo maestros talentosos que fueron de gran importancia para el desarrollo del grabado nacional. Los mejores fueron Alexey Zubov (1682/83-1751), Mikhail Makhaev (1716-1770), Ivan Sokolov (1717-1757), Evgraf Chemesov (1737-1765), Gavriil Skorodumov (1755-1792).

El mayor maestro del grabado en Rusia en el siglo XIX. fue Nikolai Utkin (1780-1863). Se hizo famoso principalmente por sus retratos.

Los hermanos checos Ivan (1777-1848) y Kozma (1776-1813) son famosos por sus paisajes.

Fyodor Tolstoi (1783-1873) creó 63 grabados en estilo boceto para el poema "Darling" de Bogdanovich.

El último maestro importante del grabado fue Ivan Pozhalostin (1837-1909). Es conocido principalmente por sus retratos de escritores rusos y otras figuras de la cultura nacional.

Taras Shevchenko (1814-1861) demostró ser un grabador extraordinario.

El creciente interés entre los artistas por el grabado llevó a la formación de la "Sociedad Aquafortista" en San Petersburgo en 1871, que desempeñó un papel importante en el desarrollo del grabado ruso. Su organizador e inspirador fue Andrei Somov (1830-1908). Muchos artistas de Peredvizhniki se unieron a la Sociedad, pero Ivan Shishkin (1832-1898) trabajó especialmente duro y fructíferamente. Realizó más de cien grabados.

En los años 90 Siglo 19 y principios del siglo XX. El taller de Vasily Mate (1856-1917) se convirtió en el centro artístico del grabado. Realizó unos 300 grabados, principalmente retratos. Mate hizo mucho por el desarrollo y promoción del arte del grabado. Muchos artistas aprovecharon sus consejos, consultas y ayuda directa, entre ellos I. Repin, V. Serov, B. Kustodiev, K. Somov, E. Lanceray, L. Bakst y otros. Con él estudiaron varias docenas de estudiantes, entre los que es necesario nombrar a V. Falileev, M. Rundaltsev, P. Shillingovsky. Durante la época soviética, el arte del grabado siguió estando en un alto nivel. Además de los artistas de la escuela Mate, contribuyeron artistas como E. Kruglikova, I. Nivinsky, M. Dobrov, A. Skvortsov, N. Pavlov. Esta forma de arte sigue siendo popular hasta el día de hoy.

Una de las obras más famosas que utiliza un método único de tallado en metal es "Melancolía" de Alberto Durero. La mayoría de las veces se la asocia con su nombre, como, por ejemplo, "La Gioconda" está integralmente asociada con Leonardo da Vinci.

Excelente artesanía

Pero antes que nada, vale la pena detenerse en los propios gráficos de Durero, el contenido de sus grabados y la técnica de su artesanía. Porque cuando miras sus grabados, en las obras que se llaman grabados en cobre, te sorprende la increíble perfección técnica del creador. Es increíblemente único, complejo y requiere mucho tiempo.

Fue Durero quien creó esta técnica de grabado tallado sobre cobre. Tomó el cortador y colocó su mano sobre una almohada especial para poder sostenerla en una determinada posición durante mucho tiempo. Y mientras trabajaba en sus obras maestras, no movía el cortador a lo largo de la tableta de cobre, sino que movía el tablero bajo su mano. Posteriormente se inició el proceso de grabado.

Es necesario prestar atención a sus maravillosas obras "Rinoceronte", "Melancolía", "El caballero, el diablo y la muerte". Mirándolos, es imposible creer que esto se pueda hacer de esta manera. ¡Qué cantidad tan grande de líneas! Y hoy en día nadie utiliza los grabados en cobre con aguafuerte, que fueron creados por Alberto Durero. Ella vino con este extraordinario maestro y se fue con él.

Tres partes de la creación más magnífica de un hábil artesano.

El grabado más famoso realizado por Alberto Durero es “Melancolía”. Fue creado en mil quinientos catorce. Si lo miras con atención, notarás que este grabado está dividido en tres niveles siguiendo líneas horizontales.

Cada uno de ellos representa ciertas etapas de cognición. El artista en esta obra designa cuidadosamente todos estos niveles con ciertos atributos. Si miras con atención los objetos que se muestran en el nivel inferior, podrás ver un conjunto muy interesante allí.

Herramientas artesanales o alto nivel de creación de obras maestras.

Pertenecen al oficio cada herramienta del grabado "Melancolía" de Durero, situada en este nivel: un cepillo, unos alicates, una escuadra, un martillo y clavos. Y lo más impresionante es la bola con una forma perfecta. Éste es precisamente el signo de una habilidad muy alta.

En la época de Albrecht se requerían diversas enseñanzas, habilidades técnicas, la capacidad de hacer algo con sus propias manos, conocimientos de anatomía, representados por el animal acurrucado en la esquina izquierda del grabado. niveles más altos educación.

Detrás de todo esto estaba la posesión de una habilidad técnica bastante meticulosa. Y cualquier instrumento del grabado “Melancolía” de Durero enfatizaba la presencia de cada uno de estos conocimientos. Y si un maestro pudiera crear tal esfera, entonces tendría la oportunidad de pasar al siguiente nivel de formación.

Alberto Durero. "Melancolía". Nave de alta calidad o siguiente nivel de inteligencia.

En el nivel intermedio, son visibles una amplia variedad de atributos. Y ellos, a primera vista, no tienen ninguna conexión entre sí. Un lindo angelito está ocupado leyendo un libro. Al mismo tiempo, se sienta en lo alto de la piedra de molino. Con toda probabilidad, este lindo niño de pequeñas alas representa un área de cierto desarrollo intelectual.

El personaje a la derecha del ángel tiene una billetera atada al cinturón de su túnica. Pero él yace a sus pies. Porque el dinero es un pago apropiado sólo por un trabajo específico realizado. Y es posible si se utiliza cualquier herramienta del grabado “Melancolía” de Durero, que se sitúa en la parte inferior del cuadro, relacionado con la artesanía. Pero es imposible evaluarlo, no tiene el pago correspondiente, por lo que la billetera también está en el nivel inferior.

Un enorme cristal situado en el nivel medio de la pieza.

Pero el lugar principal en la segunda parte de la imagen lo ocupa un enorme cristal. Esta es una imagen de cuál es el objetivo de cualquier alquimista. En la época de Albrecht, a finales de la Edad Media, la habilidad de un artesano se evaluaba mediante el arte de crear una bola, y el grado más alto El conocimiento intelectual o una persona absolutamente erudita pertenecía a quien conocía el teorema del científico Ibn Sina sobre la suma de los ángulos de un polígono.

El propio Alberto Durero estaba familiarizado con esta ley. "Melancholia" muestra al espectador un cristal. Es la figura poligonal que representa el teorema del famoso científico. Y cerca se encuentra la herramienta de un geólogo, que demuestra que tal piedra no se puede obtener por medios alquímicos, sino de forma más natural. Y otro instrumento del grabado "Melancolía" de Durero es el crisol del alquimista, donde tiene lugar el proceso de transmutación, ubicado un poco más lejos, detrás del cristal.

Una obra que asombró al mundo entero

Y por último, el tercer cinturón es algo increíble. Del lado derecho puedes ver una torre muy grande que sube y no termina nunca. Al igual que la escalera adjunta y que va hacia el cielo. En el propio edificio se pueden ver dos objetos notables.

Se trata de un reloj de arena, que expresa la imagen del tiempo, y de la mesa mágica de Durero, donde tanto vertical como horizontalmente se obtiene la cifra treinta y dos. Sobre la mesa hay una campana de alarma y una cuerda va más allá del contorno de la pintura creada por Alberto Durero.

"Melancholia" presenta al espectador esta torre como símbolo de que es imposible estudiar absolutamente todas las verdades. Hay cosas que la mente humana no puede comprender ilimitadamente. E incluyen no sólo la artesanía y la educación intelectual, sino también las enseñanzas mágicas.

En Alemania, en la galería Kunsthalle, se encuentra el grabado “Melancolía” de Durero. Las imágenes de alta resolución presentadas aquí, por supuesto, no permiten experimentar toda la perfección del trabajo del autor de la obra, que sumergió al mundo entero en asombro. Pero, sin embargo, ayudan a estudiar esta obra maestra y a analizarla.

Parte de la obra relativa a la existencia terrenal.

La obra que Alberto Durero creó utilizando la técnica del tallado en cobre es el cuadro “Melancolía”, que también representa el paisaje terrenal, ubicado en la esquina superior izquierda del grabado. Rayos brillantes infinitamente brillantes de una estrella distante. Aquí se representa una leyenda que recorrió el cielo en ese mismo momento.

Pero protagonista- Este es un murciélago, que es un símbolo de melancolía. Ella, en sus garras sobre la estrella, el arco iris, el agua y todo el paisaje, lleva el mapa de esta enfermedad mental de todos los genios. Un gran conocimiento engendra tristeza. Cuanto más sabe una persona, más profundamente ve y se sumerge en una negra melancolía.

La imagen del genio o de la melancolía negra.

La última figura que mostró Durero fue la melancolía. La fotografía que aquí se presenta muestra la imagen del genio o la melancolía negra creada por el artista. Tiene enormes alas de extraordinaria envergadura. Como alas de ángel muy grandes. Y en sus manos sostiene una brújula.

Con esto Alberto Durero quiso dejar claro que cualquier ilimitación del conocimiento debe ser demostrada, medida y verificada. Todo debe estar bajo control. Y en la cabeza de la figura hay una espina en flor, que aún no ha volado y no corta sus espinas en la frente.

Y quizás esta misma imagen de melancolía, que mostró el artista, con una mirada tan triste y uniendo tanto en sí mismo, sea uno de sus autorretratos, sólo que en imagen.

Alberto Durero es el único artista mundial que tiene una increíble cantidad de autorretratos. El primero lo dibujó cuando era sólo un niño. Y luego comienza una serie de interminables imágenes de sí mismo hasta la última, donde está de pie, señalando el páncreas. Es como si se estuviera diagnosticando a sí mismo.

Y este famoso grabado “Melancolía” de Alberto Durero expresa, ante todo, el tema del destino. Y todo el conocimiento presentado en él, los tres niveles de conocimiento de la ciencia y la habilidad, según el autor, en última instancia dan lugar a la melancolía. Por todo hay que pagar un precio espiritual muy alto. Así el mayor creador transmitió su estado de ánimo en esta imagen.

- (del huecograbado francés), 1) una impresión impresa en papel (o material similar) de la placa (tablero) sobre la que se aplica el dibujo. 2) Un tipo de arte gráfico que incluye una variedad de métodos para procesar manualmente tableros e imprimir impresiones a partir de ellos.… … Enciclopedia de arte

- (del francés huecograbado) 1) una impresión impresa en papel (o material similar) de una placa ("tablero") en la que se corta el diseño; 2) un tipo de arte gráfico (ver Gráficos), que incluye varios métodos de procesamiento manual de tableros (ver... ... Gran enciclopedia soviética

grabado- GRABADO1, s, g Un tipo de bellas artes que reproduce la realidad en formas planas; la obra es una imagen plana obtenida sobre papel a partir de una plancha de impresión, cortada o grabada por un grabador sobre... ... Diccionario sustantivos rusos

GRABADO- [del francés huecograbado], un tipo de arte gráfico; tecnología de procesamiento de grabado en tableros (placas, formularios) para obtener impresiones de imágenes sobre papel, tela, etc.; huella impresa. Evangelista Lucas. Grabado de “El Apóstol” de I. Fedorov. M., 1564 (RSL) ... Enciclopedia ortodoxa

Herramientas Stichels para grabado de extremos ... Wikipedia

Y; y. [Francés huecograbado] 1. Un diseño cortado o grabado por un grabador en la superficie lisa de una pieza. material duro; una copia impresa de dicho diseño. G. sobre madera, piedra, metal, linóleo. G. con un cortador y una aguja sobre cobre. Ciudad de Tsvetnaya... ... diccionario enciclopédico

Grabado- (del francés graver cut, se remonta al latín grave hard, deep) tipo de gráfico. Reivindicación, en la que la imagen se obtiene en forma de impresión impresa (normalmente en papel) a partir de una plancha (tablero) de impresión hecha de metal (cobre, acero, zinc), madera o... ... Diccionario enciclopédico humanitario ruso

Nombre una impresión de material impreso obtenida mediante un cliché grabado del original, que transmite con precisión los pequeños detalles del dibujo del autor. Dependiendo del material, del gato. se graba el cliché original, se distingue el grabado en metal... ... Gran diccionario filatélico

grabado- s; y. (huecograbado francés) ver también. grabado 1) Un diseño cortado o grabado por un grabador en la superficie lisa de una hoja. material duro; una copia impresa de dicho diseño. Grabado sobre madera, piedra, metal, linóleo. Grabado con cincel... Diccionario de muchas expresiones.

Este término tiene otros significados, ver Adán y Eva (significados) ... Wikipedia

Este término tiene otros significados, ver Melancolía (significados) ... Wikipedia

Libros

• Grabado y litografía. Ensayos sobre historia y tecnología, compilados por I. I. Leman. Esta publicación única y completa describe en detalle los tipos de obras de arte gráfico, proporciona las características distintivas de las principales técnicas: grabado en madera, cobre y...
• Grabado en metales. Al 115 aniversario del Museo Ruso, Editora: Vera Kazarina. Presentamos a su atención un álbum que incluye grabados en metal de la colección del Museo Ruso. El grabado con cincel sobre metal apareció a mediados del siglo XV. Durante mucho tiempo se creyó que...
• Grabado ruso sobre cobre de la segunda mitad del siglo XVII - primer tercio del siglo XVIII (Moscú, San Petersburgo): Descripción de la colección del departamento de publicaciones de arte de la Biblioteca Estatal Rusa, M. E. Ermakova, O. R. Khromov. La colección de antiguos grabados rusos de la Biblioteca Estatal Rusa incluye obras de los principales maestros de la segunda mitad del siglo XVII y el primer tercio del siglo XVIII: Vasily Andreev, Leonty...

A partir del siglo XV y recién en el XIX se empezaron a utilizar tablas de acero. Más rico y variado en patrón tonal. El diseño está grabado en el metal. Barma: protuberancias, virutas. Bosco. Impreso bajo presión. En metal se pueden hacer menos ranuras, unas 100, y no 1000, como en los grabados en madera. Una huella es una huella.

Grabado químico - Punta seca. El efecto de la pintura se ve reforzado por el ácido. La placa de cobre está rayada. Líneas con bordes borrosos formadas debido a la barma. El efecto es más suave. Se pueden realizar un máximo de 10 impresiones.

Grabado: una tabla de metal se cubre con una capa de imprimación especial (asfalto, cera), se calienta y se ahuma. Se raya el metal hasta quitar el barniz. Luego, el tablero se trata con ácido, que no interactúa con el barniz, pero sí con el metal. Por lo tanto, al imprimir, aparece un patrón y líneas perfectamente uniformes, el tablero se puede grabar e imprimir mucho. Da perspectivas de aire ligero. Utilizado en paisajes.

· Aguafuerte + Punta seca. Rembrandt

· Barniz suave. siglo 17 Se mezcla grasa animal con el barniz. Se coloca papel sobre una tabla de metal, se dibuja sobre él y el campo de presión y grabado produce un dibujo suave y aterciopelado.

· Aquatita - 1765. (Jean Baptiste Lenprens) Finales del siglo XVII-XVIII. La calidad pintoresca de los gráficos. Después del grabado, la imprimación especial se lava y se espolvorea con polvo asfáltico. Una vez calentado, se derrite. Luego se vuelven a grabar y el ácido corroe los poros del asfalto. Para obtener una luz aún más oscura, se graba y se recubre de nuevo y se barniza. Thomas Malton

· Mezzotinta (de finales del siglo XVII) – Moda Negra. Ludwing von Siginmund. Antecedentes de Porter Amili. El tablero se prepara con herramientas especiales que raspan el metal, cuantas más ranuras, más oscuro, luego se nivela con un cuchillo, se pulen las muescas donde quedará una línea blanca. Francisco Goya. Sólo dibujo tonal.

Grabado mezzotinto+

· Aguatita + grabado. Ricardo

· Litografía (grabado en piedra) El dibujo se cubre con una solución de aceite. Grabado al óleo plano.

Historia del grabado

· Del siglo XIV al XVIII - Técnica pictórica. Gráficos de apoyo. Servicio (siglo XIV) Bocetos.

· Siglo XV: cartulinas creadas en tamaños de imágenes reales, a partir de las cuales el dibujo se transfería del cartón a la pared a lo largo de una cuadrícula. Rembrandt. Pastel

Imágenes gráficamente independientes

a. Retratos

b. Paisajes

· Siglo XVIII – estricto,

Siglo XX – xilografía, aguafuerte (Van Gogh). A principios del siglo XIX y XX, los gráficos cambiaron. Los impresionistas crearon el puntelismo (de la palabra francesa - pointe

La aparición del grabado resultó ser un vínculo en la evolución de las bellas artes: el grabado en madera se origina a partir de tableros para la producción de telas estampadas, el grabado es adyacente al arte de la joyería y el grabado tiene algo en común con el oficio de los armeros. La cualidad distintiva del grabado de otras formas de arte es que es una impresión sobre papel. Por eso la patria del grabado es la patria del papel: China.

El grabado en madera surgió en China a más tardar en el siglo VI; al menos desde entonces, ha habido referencias a libros grabados en madera realizados de esta manera. Así que habría muchas suposiciones si no fuera por el descubrimiento en 1900 en Donghuan (China occidental) en la Cueva de los Mil Budas del famoso "Sutra del Diamante", que ahora se conserva en la Biblioteca Británica. Está fechado en 868 e indica que el maestro Wang Chi recortó las tablas e imprimió el libro “para conmemorar a sus padres fallecidos”. Por eso incluso en el diccionario V.I. Dahl llama a la impresión en madera el "método de impresión chino".

Así pues, la primera fecha de la historia del grabado coincide con la primera fecha de la historia de la imprenta. Sin embargo, la penetración del grabado en Europa fue sólo ligeramente superior a la invención de la imprenta por parte de Johannes Gutenberg.

Los primeros ejemplos de grabado en Europa occidental, realizados con la técnica del grabado en madera canteada, aparecieron a finales de los siglos XIV y XV. Tenían un contenido religioso, lo que predeterminó la difusión de este “oficio”: primero fueron Baviera, Alsacia, provincias del Sacro Imperio Romano Germánico; luego comenzaron a aparecer folletos satíricos, calendarios y abecedarios. El primer grabado en madera datado se llama "St. Cristóbal”, realizada en 1423. Hacia 1430, el llamado libros en bloque, donde el texto y las ilustraciones se imprimían en una sola tabla, y a partir de 1461 los grabados en madera comenzaron a utilizarse como ilustraciones para libros impresos.

La técnica del grabado en madera es bastante simple: se aplica un dibujo a la superficie pulida de una tabla de aproximadamente 2,5 cm de espesor, después de lo cual se cortan las líneas de este dibujo en ambos lados con un cuchillo afilado y se selecciona el fondo con un herramienta especial hasta una profundidad de 2-5 mm. Después de eso, el tablero se puede enrollar con pintura e imprimir en papel.

Si antes hablábamos del llamado grabado de bordes (realizado a lo largo de las fibras de la madera), entonces, en la década de 1780, el maravilloso artista y grabador inglés Thomas Bewick inventó el método de grabado de bordes en madera (en una sección transversal de un tronco de madera dura). ). Él mismo creó muchas obras maestras de este género: ilustraciones para la Historia general de los cuadrúpedos y la Historia de las aves de Gran Bretaña en dos volúmenes. Fue con esta técnica que en el siglo XIX se crearon muchas ilustraciones de libros que, con la adición de un segundo tablero tonal, se denominaron politipos. Los mayores representantes de esta tecnología en Rusia fueron Lavrenty Seryakov y Vladimir Mate.

Destaca el arte de la xilografía oriental. Si antes solo transmitía textos jeroglíficos religiosos, en el siglo XVII aparecieron en Japón libros ilustrados y, a partir de la década de 1660, grabados de contenido secular. El apogeo de la impresión en madera japonesa se remonta a Siglo XVIII, cuando Okumura Masanobu introdujo la impresión a dos y tres colores. Se considera que el mayor maestro de finales del siglo XVIII es el creador del retrato femenino ideal, Kitagawa Utamaro, y en la primera mitad del siglo XIX los creadores de maravillosos paisajes fueron Katsushika Hokusai y Ando Hiroshige.

El grabado con cincel sobre metal apareció a mediados del siglo XV. Durante mucho tiempo se creyó que el inventor de esta técnica fue el orfebre florentino Maso Finiguerra, cuyo primer grabado data de 1458; pero esta teoría fue refutada por especímenes anteriores. Y ahora se considera que el grabado más antiguo sobre cobre es “La flagelación de Cristo”, realizado por un maestro alemán desconocido en 1446. Y el primer maestro del grabado, aunque anónimo, más notable es el “Maestro de los naipes”, que trabajó en Basilea y en la parte alta del Rin.

En este caso, el maestro tomó una tabla de metal uniformemente forjada y cuidadosamente pulida, sobre la cual aplicó el diseño con un perforador de joyería, que luego fue atravesado con una herramienta más cuidadosa: un cincel o un buril. Después de esto, se frotó pintura en el tablero, se eliminó el exceso y se pudo imprimir la hoja.

El maestro más notable del siglo XV es el grabador alemán Martin Schongauer, que trabajó en Colmar y Breisach. Su obra, que combina el gótico tardío y el Renacimiento temprano, tuvo una influencia significativa en los maestros alemanes, incluido Alberto Durero. Entre los maestros de la primera mitad del siglo XVI, cabe destacar, además del mencionado A. Durero, el maravilloso Lucas de Leiden.

De los maestros italianos del siglo XV, los más importantes son Andrea Mantegna y Antonio del Pollaiolo. En la misma Italia, en el siglo XVI, surgió una dirección que predeterminó un hito importante en el desarrollo del grabado europeo: fue la reproducción de obras de pintura.

La aparición del grabado de reproducción está asociada con el nombre de Marcantonio Raimondi, quien, trabajando hasta finales del primer tercio del siglo XVI, creó con un cincel varios cientos de reproducciones de obras de Durero, Rafael, Giulio Romano y otros.

En el siglo XVII, la reproducción del grabado era muy común en muchos países, en Flandes, donde se reprodujeron muchas pinturas, especialmente las de Rubens. En Francia en esta época, Claude Melland, Gerard Edelinck, Robert Nanteuil y otros contribuyeron al florecimiento de la reproducción de retratos grabados.

Dado que tanto el grabado en madera como el grabado en cobre, exclusivamente en manos de destacados maestros, representaban obras completas, excelentes, llenas de expresividad artística y pintoresquismo, a principios del siglo XVI apareció otro tipo de grabado en metal, que se convirtió en el género favorito de muchos grandes artistas. - esto es grabado.

Su principal ventaja es la facilidad de producción, lo que no se puede decir ni del grabado ni de la xilografía. El hecho es que si en las dos técnicas mencionadas es necesario cortar líneas manualmente en madera o metal, entonces en el grabado todo este difícil trabajo se realiza con ácido. Una tabla de metal (generalmente hierro en el siglo XVI, cobre en los siglos XVII-XVIII y más tarde zinc), utilizada para el grabado con cincel ordinario, se cubre con una imprimación especial resistente al ácido. Se aplica un patrón a la tabla con una aguja de acero afilada, que penetra a través del suelo blando. Después de eso, la tabla se coloca en ácido nítrico (cobre, en una solución de cloruro férrico) y el patrón aplicado con una aguja se graba a la profundidad deseada. Después de esto, se lava la suciedad de la tabla, se frota pintura y se hace una impresión. En Rusia, el grabado al aguafuerte solía llamarse grabado con vodka fuerte.

Especialmente famosos fueron los grabados del maestro francés del primer tercio del siglo XVII, Jacques Callot, que reproducían diversas escenas, a menudo elocuentes, de la vida moderna. La escuela flamenca dio al arte un excelente grabador: Anthony van Dyck, cuyos retratos son excelentes ejemplos. iconografía XVII siglos.

Pero no hay duda de que la más valiosa y holística es la escuela holandesa de grabado, que en este caso compite con la pintura y no es en modo alguno inferior a ella. Esta escuela está representada por Adrian Van Ostade, Paul Potter, Hercules Seghers... Pero el maestro principal aquí es Rembrandt, quien de forma completamente independiente, sin ayuda externa, dominó el arte del grabado y superó todas las dificultades de esta técnica caprichosa. Rembrandt dejó más de trescientos grabados en muchos estados.

Aproximadamente desde mediados del siglo XVIII, como había sucedido anteriormente con el grabado, apareció una dirección separada de reproducción del grabado. Casi todas las pinturas e ilustraciones de libros de mediados de la segunda mitad del siglo XVIII se realizaron con esta técnica.

Pero si el grabado de reproducción fue una especie de producto de masas para el siglo XVIII, el grabado original siguió existiendo y fue una “salida” para muchos pintores. Las obras de Francisco Goya, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto, Antoine Watteau, Francois Boucher y muchos otros se hicieron muy famosas. Destaca la obra del arquitecto y grabador Giovanni Battista Piranesi, quizás el grabador más destacado de este siglo, que dejó numerosos volúmenes de pinturas con vistas de Roma, antigüedades romanas e incluso mazmorras.

Si en el siglo XIX, bajo la influencia de nuevas técnicas de impresión, el arte del grabado se desvaneció, a finales de siglo floreció con renovado vigor y ya no tenía el carácter de "ilustración", sino que los contemporáneos lo percibían como una obra de arte integral. Casi todos los pintores franceses famosos recurren al grabado, desde los Barbizon (Camille Corot, Charles-François Daubigny y otros) hasta los impresionistas (especialmente Edouard Manet). Además, muchos de los países incorporaron maestros famosos al arte del grabado: Anders Zorn en Suecia, Adolf Menzel en Alemania, James Whistler en Estados Unidos, Ivan Shishkin y Valentin Serov en Rusia.

Además del grabado como tal, este tipo de grabado adquirió varias variedades más en el siglo XVIII, y en ocasiones en una obra podemos observar una combinación de varias técnicas de grabado al mismo tiempo.

El más común de ellos es el aguatinta, cuando el tablero se graba mediante la aplicación de colofonia o polvo de asfalto. Este grabado crea el efecto de un patrón tonal durante la impresión, sobre todo en la impresión monocromática, que recuerda a la grisalla. La adición de aguatinta a un grabado claro, incluso a veces nítido en sus contornos, le da al grabado una cualidad pintoresca y se asemeja a un dibujo o acuarela. Entre los primeros en utilizar la aguatinta se encontraba el francés Jean Baptiste Leprince, creador de los famosos “Tipos rusos”, así como Francisco Goya, que la utilizó en sus Caprichos.

Fue Leprince quien inventó otra técnica de grabado adicional: lavis. En este caso, la imagen se aplica directamente sobre el tablero con un pincel humedecido en ácido. Al realizar una impresión, los fragmentos de grabado ejecutados en lavis son como una brecha entre un aguafuerte puro y un aguatinta.

Otra técnica de grabado a la que prestaremos atención es el barniz suave. Al usarlo, la base de grabado se mezcla con grasa (debido a esto, se queda más fácilmente detrás del tablero), después de lo cual se le aplica papel granulado, sobre el cual el artista aplica su dibujo con un lápiz de dureza suficiente. Dado que el lápiz crea cierta presión, la imprimación se adhiere al papel a lo largo de la línea de dibujo y luego se retira junto con ella. El tablero resultante, con las líneas de diseño eliminadas de esta manera, se somete a un grabado convencional y luego se imprime. Este método ya era conocido en el siglo XVII, pero más como una curiosidad, y sólo encontró aplicación en el siglo XIX y, especialmente, en el XX. Un grabado realizado de esta manera se parece más a un dibujo al carbón o a la salsa. Los maestros más famosos del barniz suave son Vladimir Falileev, Elizaveta Kruglikova y, por supuesto, Kathe Kollwitz.

Si la técnica del barniz suave es bastante dura e incluso a veces áspera, en el siglo XVIII se utilizaba el llamado estilo lápiz para reproducir dibujos. Aquí, se aplica un dibujo a un tablero de grabado preparado utilizando cintas métricas especiales, y la impresión resultante a menudo puede confundirse con un dibujo sanguina o pastel. El mayor número de grabados a lápiz se realizaron en Francia a mediados del siglo XVIII y en su mayoría reproducen los dibujos de Francois Boucher. El inventor de esta técnica es Jean Charles Francois, que luego fue mejorada por Gilles Demarteau.

En los grabados que utilizan diversas técnicas de grabado, a menudo se encuentran líneas de puntos. Mientras tanto, esta es una de las técnicas de grabado más antiguas, conocida tanto en tierras alemanas como italianas desde finales del siglo XV. La imagen se aplica a la tabla de grabado con la ayuda de un martillo y varias herramientas de acero: punzones. El grabado con líneas de puntos alcanzó su apogeo en el siglo XVIII, y uno de los maestros más talentosos es Francesco Bartolozzi, que trabajó mucho en Inglaterra y enseñó al primer grabador de puntos ruso, Gabriel Skorodumov. En cuanto a la línea de puntos grabada, en realidad no son líneas, sino puntos hechos con una aguja de grabado.

Antes de empezar a hablar de grabados en color, debemos hablar de una técnica de grabado más. Estamos hablando del llamado estilo negro, llamado mezzotinto. La manera negra tiene característica fundamental: la imagen se aplica y, en consecuencia, se imprime no de blanco a negro (cuando la tinta llena las ranuras del cortador o del diseño grabado), sino de negro a blanco. El tablero se procesa primero con una herramienta especial (lapidario) y, si se imprime de esta forma, se obtendrá una impresión aterciopelada de color negro. El grabador alisa las áreas que necesita, donde la pintura no se pegará y donde la impresión producirá áreas brillantes. Como suele suceder, el florecimiento del estilo negro no se produjo donde se inventó.

Su inventor es el holandés Ludwig von Singen, quien realizó su primer grabado utilizando esta técnica en 1642. La mezzotinta se desarrolló en tierras alemanas y holandesas hasta mediados del siglo XVIII; Casi al mismo tiempo, se hizo conocido en Inglaterra, donde recibió una brillante distribución a mediados del siglo XVIII. principios del XIX siglos, por lo que a veces incluso se le llama estilo inglés. De varios de los nombres más importantes de esta técnica en Rusia, se hizo famoso James Walker, autor de muchos retratos excelentes.

Ahora hablaremos de grabados en color. Ellos, al igual que los grabados clásicos, se pueden realizar tanto sobre madera como sobre metal. Se imprimen a partir de varios tableros, lo que en realidad da lugar a una imagen en color.

Los grabados en madera en color se originaron a principios del siglo XVI. Durante bastante tiempo, su inventor fue considerado el grabador del norte de Italia Hugo da Carpi: dado que en ese momento era posible patentar su invento en la República de Venecia, lo anunció en 1516, llamando a la técnica de impresión Claroscuro. Aunque esta técnica se utilizó en Europa antes: a partir de 1506, Lucas Cranach, y luego Hans Burgkmair y otros artistas, imprimieron grabados en color de varias tablas.

Y aunque Italia no puede reclamar el derecho de inventar grabados en madera en color, con razón puede estar orgullosa de los mejores ejemplos de este arte. Fue Hugo da Carpi quien creó excelentes composiciones a partir de originales de Rafael, así como de otros artistas italianos: Giulio Romano, Caravrgio, Parmigianino y otros. Así, el siglo XVI nos regaló los mejores maestros del claroscuro; En el siglo XVII, esta técnica comenzó a desvanecerse en Italia y prácticamente degeneró en el siglo XVIII.

El resurgimiento de las xilografías en color comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX. Aquí podemos mencionar a maestros como el suizo Felix Vallotton, así como a los rusos: Anna Ostroumova-Lebedeva, Vladimir Falileev e Ivan Pavlov.

En cuanto al grabado en color sobre metal, allá por el siglo XVI se observan tímidos intentos, o más bien experimentos. Fue la impresión de hojas de colores a partir de varios tableros la que inició alrededor de 1710 un residente de Holanda, Jacques Christophe Leblond. Originalmente era un grabador en negro y, aunque seguía siendo partidario de la impresión tricolor, utilizó para ello tres placas mezzotint de diferentes colores.

Pero todos los experimentos con grabado en color a base de mezzotinta no tuvieron éxito. Y sólo en Francia, con el uso de tablas de grabado realizadas en aguatinta y lavis, el grabado en color comienza a existir plenamente. En este campo también trabajó el mismo admirador de los tipos rusos, Jean Baptiste Leprince, verdadero asceta y probador del tablero de grabado. Pero la invención del grabado en color lavis perteneció a François Janine, y alcanzó su máxima perfección en manos de Louis Philibert Debucourt, quien desde 1785 se dedicó por completo al grabado en color. El número de tablas en sus grabados en color llegó a ocho. Los grabados franceses en color de este período son en su mayor parte notables y valiosos.

Pero todas las técnicas más difíciles del siglo XVIII (mezzotinta, aguafuertes y grabados complejos) sufrieron un duro golpe a principios del siglo XIX: el alemán Johann Alois Senefelder inventó alrededor de 1798 en Munich un método de impresión completamente nuevo: la litografía. Este método, emparentado con la impresión plana, se basa en la repulsión de las grasas del agua. Las impresiones se realizan transfiriendo tinta bajo presión desde una placa de impresión (piedra litográfica (piedra caliza)) al papel. La imagen se aplica a la piedra con tinta gruesa o lápiz litográfico. Además, la circulación con este método de impresión podría ser muchas veces mayor en número de copias que todos los métodos de impresión de copias que existían en ese momento.

En 1806, Senefelder abrió el primer taller de litografía en Munich y publicó un manual de litografía en 1818, y en el primer cuarto del siglo XIX se abrieron talleres similares en casi todas las principales capitales europeas. Esto, por supuesto, se vio facilitado por la revolución industrial, gracias a la cual un método tan sencillo, relativamente barato y al mismo tiempo generalizado se hizo tan popular.

Entre los primeros litógrafos, además del propio Senefelder, que por cierto no es un artista en absoluto, sino un actor y autor de obras musicales, se pueden destacar los nombres de los famosos artistas alemanes Franz Kruger y Adolf von Menzel. Francisco Goya, Theodore Géricault y Eugène Delacroix también recurrieron a la litografía.

A mediados del siglo XIX, la litografía se convirtió en un arma política punzante. Es en este contexto donde se presenta el mayor maestro de la litografía: el caricaturista francés Honore Daumier, cuyo arte tuvo una resonancia tan alta que incluso en Rusia en la segunda mitad del siglo trabajaron varios litógrafos-caricaturistas importantes: Alexander Lebedev, Pyotr Boklevsky. , Nikolái Stepánov.

En cuanto a los litógrafos rusos de la primera mitad del siglo XIX, al igual que en el extranjero, en primer lugar, los principales artistas rusos, Alexey Orlovsky, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov, prestaron atención a este nuevo arte. El mayor maestro litógrafo ruso de esta época fue Karl Petrovich Beggrov.

Gracias a sus actividades editoriales a gran escala, Vasily Timm se hizo famoso, dejando cientos de hojas de diversa calidad, pero de contenido extremadamente interesante, que a menudo se convertían en caricaturas. La litografía en Rusia también se convirtió en el primer método de impresión en color. Utilizando esta técnica, el excelente maestro Ignatius Shchedrovsky publicó “Escenas de la vida popular rusa” en 1845.

En relación con la litografía surgen muchos tipos de impresión plana, especialmente para imágenes en color, que fueron las más demandadas en el último tercio del siglo XIX y principios del XX. Estas técnicas se están alejando gradualmente de la obra original del artista, que ahora se llama autolitografía, y pasan a la categoría de gráficos de circulación múltiple. Aunque ahora, a principios del siglo XXI, muchas obras impresas, incluso de gran circulación, parecen ser maravillosos ejemplos de arte gráfico.

Intentaremos enumerar algunos de ellos. La más popular de las técnicas fue la cromolitografía. En este caso, para cada color de la imagen, se hizo una forma de impresión separada: una piedra (más tarde, una placa de zinc), pero con la invención de la fotografía, estos métodos laboriosos fueron rápidamente reemplazados por métodos fotomecánicos para transferir la imagen. imagen en un formulario de impresión. Así apareció la fotolitografía, que en la impresión final prácticamente no se diferencia de la cromolitografía.

Finalmente, queremos decir más sobre los métodos fotomecánicos para fabricar planchas de impresión. Algunos de estos métodos son casi indistinguibles de las técnicas de grabado originales. Fueron desarrollados después de que Louis Daguerre anunciara en 1839 en la Royal Society su descubrimiento de un método para obtener imágenes en capas fotosensibles, al que llamó daguerrotipo, y ahora llama fotografía.

La más común en la primera mitad del siglo XX fue la zincografía. En este caso, la imagen no la aplica el artista a la placa, sino mediante transferencia fotográfica a una placa de zinc, que luego se graba en aquellas áreas de la imagen donde se debe seleccionar la imprimación de la placa de zinc. La zincografía se inventó por primera vez en Francia en 1850 y recibió el nombre de gillotipo en honor a su inventor.

Con la ayuda de la zincografía, al imprimir se transfieren tanto dibujos lineales como imágenes multicolores (especialmente copias de grabados en madera), pero es imposible transferir una imagen tonal con este método. Vale la pena decir que algunos artistas, en la evolución de sus experimentos sobre métodos de impresión, probaron suerte con la zincografía original.

La peculiaridad de que una técnica tan conveniente para imprimir imágenes no permite la transferencia de imágenes tonales obligó a muchos impresores e ingenieros talentosos a trabajar duro, lo que llevó a la invención de la trama en la década de 1880, y con ella una nueva técnica de impresión tipográfica: el autotipo. . El Diccionario Brockhaus y Efron llama a la autotipia "una de las formas de convertir un manuscrito, dibujo o fotografía en un cliché para imprimir". Fue inventado simultáneamente en Rusia y Alemania. En este caso, la imagen tonal se aplica a una placa de zinc mediante una cuadrícula rasterizada, que divide los tonos en pequeños puntos, distribuidos uniformemente; por lo tanto, el tamaño del punto dependerá del tono en un lugar particular del original. Es decir, en lugares luminosos los puntos serán casi invisibles, pero en lugares oscuros, por el contrario, son grandes y casi se fusionan.

Como ya ocurría con otros métodos de impresión, la autotipia acabó convirtiéndose en color. Puede ser de tres colores (con tres clichés) y de cuatro colores (respectivamente con cuatro), y autos modernos a veces hacen cinco capas de pintura. Para mejor transmisión Para imágenes monocromáticas, a veces se utiliza el autotipo-dúplex, donde un cliché tiene el carácter del principal y el segundo, uno adicional, con un tono suave, azul o beige.

Otro método de transferencia fotomecánica de un original es el fototipo. Inventado en 1855 por el químico francés Alphonse Poitevin, aunque no estaba tan extendido como la zincografía, la cromolitografía y el autotipo, permitió transmitir originales artísticos complejos con gran precisión. Fue esta característica del fototipo la que impulsó al historiador del grabado Dmitry Aleksandrovich Rovinsky a publicar atlas con todos los grabados de Rembrandt y Van Ostade utilizando la técnica del fototipo.

Y por último queremos hablar del heliograbado. Este método de impresión es muy parecido al grabado, pero antes de grabar la imagen se aplica al tablero mediante un método fotomecánico. Es bastante ineficaz, pero las copias de grabados y aguafuertes clásicos hechos con su ayuda pueden confundirse fácilmente con los originales a primera vista.

Por supuesto, no podemos describir toda la evolución de la gráfica impresa en unas pocas páginas. Pero desde los tímidos primeros experimentos, los asombrosos grabados clásicos, los grabados holandeses, los excelentes grabados en color del siglo XVIII que absorbieron toda la habilidad de los impresores y artistas, los fototipos y los autotipos multicolores del siglo XX, todos ellos representan asombrosos ejemplos del arte del siglo XX. Edad Media y época moderna.